Photo 1. L'allocution de M.Hervé Guisquel, le Maire de Charenton le Pont, conseiller départemental du Val-de-Marne, entouré de M. Frédéric Mette, directeur de l'espace culturel "Art et Liberté», de Mme Delphine Herbert, Maire-adjoint, chargée de la culture et des représentants de Lions Club qui félicitent l’artiste invité d'honneur Patrick Braoudé. Photo 2. L’oeuvre de l’artiste invité d'honneur Patrick Braoudé. Photo 3. L'espace "Art et liberté" se trouve sous la Coupole du centre commercial de la Ville de Charenton, et expose aussi étonnantes anamorphoses sur ses escaliers. Photo 4. Larissa devant son œuvre. Photo 5. Mr Frédéric Mette, directeur de l'espace culturel « Art et Liberté », Mme Delphine Herbert, Maire-adjoint, chargé de la culture et artiste sculpteur Djaymes lors du vernissage. Photo 6. "Rêve d’Harmonie", peinture tactile de Larissa Noury. Photo7. L’inauguration du Salon. Photos 8-12. Les œuvres exposées au Salon.
Ce lieu unique et lumineux présente sous la direction de Mr Frédéric Mette des expositions aux thèmes divers. Rendez-vous incontournable de la saison culturelle, le Salon d’art accroît un peu plus sa notoriété chaque année en permettant les expressions multiples : l’occasion de confronter des artistes locaux à ceux venant de toute la région parisienne et de province. Le Salon de Charenton est apprécié pour la diversité de ses univers, il permet aussi de mesurer le dynamisme artistique de la ville tout en étant reconnu pour sa qualité et son professionnalisme. La palette du salon est large et fait découvrir aux visiteurs et aux amateurs d'art toutes les techniques : peintures, sculptures, photographies, gravures, techniques mixtes, dessins cohabitent pour notre plus grand plaisir. Cette fois-ci, l'originalité du salon a été son invité d'honneur : Patrick Braoudé. Il est acteur et cinéaste. On lui doit de nombreux films en tant que metteur en scène. Il nous présente des photos très picturales, sans retouche, qui donnent l’illusion de tableaux sur un mode impressionniste. Celles-ci conservent leur aspect instantané par des effets obtenus à la prise de vue, sans travail à l’ordinateur… « De l’impressionnisme numérique » a dit avec amitié Claude Lelouch lors d’une exposition à Deauville. Une touche intemporelle aussi et la restitution simple du bonheur au quotidien. « Comme cinéaste qui aime à regarder ses contemporains, j’aime prendre du temps à observer la plage : groupes d’amis se retrouvant pour un moment d’amitié, familles en quête de détente, couples d’amoureux venus s’isoler, solitaires en réflexion… Mes photos sont des instantanés de ces vies espionnées. »
Lors du vernissage la médaille de la Ville et aussi le Prix de la Ville (Peinture, Sculpture, Photographie, Gravure), le Prix du Lions Club, et le Prix Boesner ont été attribués.
Larissa Noury, a été sélectionnée pour exposer son œuvre " Le Rêve d’Harmonie ". Les visiteurs du salon ont remarqué la technique unique de l'artiste « faisant apparaître les harmonies de couleurs transmettant toutes l’énergie de la Nature », « l'univers des rêves apaisants », « la lumière lointaine du bien-être, la chaleur fragile très humaine et poétique à la fois ».
Le Salon est ouvert au public du 16 janvier au 12 février 2020. Espace Art et Liberté - Centre Cial. La Coupole 3, place des Marseillais - 94220 Charenton-le-Pont M° Liberté Ligne 8.
Les expositions et les salons d’art sont très importants pour qu’un large public puisse apprécier la beauté des créations modernes et de belles représentations des différents techniques et approches artistiques. Le salon d'art de Charenton, malgré les manifestations et les grèves de transport qui se poursuivaient ce soir-là, a eu un grand succès. Lors de son inauguration le 16 janvier, plus de 500 personnes, invités et artistes, ont eu le plaisir de découvrir les œuvres sélectionnées pour l'exposition qui a lieu dans un grand espace appelé "Art et liberté".
« L'art ne veut pas la représentation d'une chose belle mais la belle représentation d'une chose »
« Emmanuel Kant » ...
Je souhaite à tous les visiteurs de l’exposition une agréable visite et des nouvelles découvertes artistiques » - a expliqué SE M Igor Fissenko, Ambassadeur du Belarus en France, représentant permanent du Belarus auprès de l’UNESCO.
La visite de l’exposition est possible jusqu’à 19 janvier 2020 et offrira une occasion rare de se plonger dans l’atmosphère d’un salon parisien au centre de Minsk : 15, place de la Liberté.
Site du musée : minskmuseum.by
90 œuvres, peintures, dessins, sculptures, objets d’art biélorusses et français, avaient été sélectionnés à l’issue de leur participation à l’un des plus prestigieux salons parisiens, « Art Capital ». Parmi beaucoup d’autres artistes biélorusses, se trouvent le peintre « artiste du peuple » Vladimir Tovstik, « l’artiste émérite » Valéry Shkarubo, le lauréat du prix d’état de la République du Belarus Victor Alshevsky, le lauréat du prix spécial du président du Belarus pour les arts et la culture Gleb Otchik, aussi bien des laureats de prix de la fondation Taylor au salon Art Capital : le peintre Valentina Shoba et le sculpteur Serguéi Partenkov . Le côté français présente 25 artistes ayant obtenu de nombreuses distinctions. Parmi ces artistes, Daniel Gallais, président du Salon du Dessin et Peinture à l’Eau et plusieurs chefs de groupe du Salon Comparaisons, Alain Campello, François Legrand, Lukas Kandl et Jean Porte. L’exposition présente une grande diversité de styles et de mouvements, de l’hyperréalisme à l’informel. Différents genres de peinture s’expriment, portrait, nature morte, paysage, tableaux thématiques.
La richesse des techniques et des matériaux est remarquable, de l’huile sur toile traditionnelle à la fusion du métal et aux collages complexes. Larissa Noury, lauréate du Prix et de médaille d’Or du concours Lépine international 2019, a présenté ses œuvres néo-impressionnistes et ses peintures aux couleurs architecturées : « Esperance » et « Architecture Tactile ». « Les habitants de Minsk et les visiteurs de passage dans la capitale pourront voir les œuvres des artistes biélorusses et français ayant participé à « Art Capital » à Paris. Je suis persuadé que ce projet unique rencontrera un grand succès auprès des amateurs de peinture.
Photos : 1. Affiche. 2. L’inauguration de l’exposition en présence de Son Excellence Monsieur Didier CANESSE, Ambassadeur extraordinaire et plénipotentiaire de la République française en République de Biélorussie et Monsieur Xavier Le Torrivellec, codirecteur du Centre franco-biélorusse. 3. Les peintures tactiles « Esperance » et « Architecture Tactile », ainsi que la robe peinte par elle-même (couturier Jean Marie Pujol, YSL) ont été présentées par Larissa Noury lors du vernissage. 4. L’exposition a été inaugurée par les responsables de la délégation Française Mme Anne-Marie Volodos et le Président de l’association « Echanges. France-Biélorussie » Mr Arcady Volodos. 5. Avec la directrice du Musée d’histoire de la Ville de Minsk, Madame Galina Ladissova : « Le Musée d’histoire de la Ville de Minsk a le grand honneur de recevoir dans les salles d’exposition de la galerie Savitsky l’exposition internationale d’Art Contemporain « Minsk-Paris ». Ce projet perpétue la tradition des échanges culturels entre nos deux capitales … » 6. Avec Pavel Latushko, SE ambassadeur de Biélorussie en France jusqu'en 2019 et Directeur actuel du Théâtre National académique Yanka Kupala! 7. Larissa Noury avec Vladimir Prokoptsov, Directeur du Musée National des Beaux-Arts de Biélorussie. 8. « Le Pont neuf » du peintre Alain Teissonnier. 9. « Falaises d’Etretat » du peintre Jean Porte. 10. « Portrait A.Ksendzova » par Tovstik Vladimir. 11. « L’Eau tranquille » de Shkaruba Valery. 12. La Ville de Minsk et sa place de la Liberté est parfaitement décorée pour les fêtes de fin d’année. Plus de photos "Minsk-Paris", exposition internationale https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10221372987534400&type=3
Minsk, la capitale de Biélorussie, et son Musée d’histoire de la Ville accueillent une exposition internationale d’Art Contemporain : « Minsk-Paris ». Le vernissage a eu lieu le 13 décembre 2019 à la Galerie d’art Mikhail Savitsky du musée. L’exposition a été organisée par l’association « Echanges France-Biélorussie » avec le soutien de l’Ambassade de la République du Belarus en France.
« Expostion Internationale d'Art contemporain jusqu' au 19 / 01 / 2020 » ...
Les œuvres colorées lumineuses de Larissa Noury ont été présentées autour du sujet « Souvenirs d’Eté » à l’«Artésienne» dans le 18ème arrondissement de Paris. La peinture tactile a créé une ambiance spécifique pour les visiteurs qui sont venus découvrir les œuvres de Larissa. Ici, dans une fragile confrontation entre peinture figurative et abstraite se confondent le réel et l’irréel, la matérialité et la spiritualité. « Lumineux, féérique, divers, splendide, il y émane une énergie, une lumière, un merveilleux voyage qui apaise, ressource… », « très heureuse et fière de faire votre connaissance, votre création inspire, c’est la fête pour l’Ame… », « Bravo, une telle puissance dans vos œuvres ! Magnifique ! », « on ne se lasse jamais de contempler ces tableaux. On fera toujours un détour pour les voir. Exceptionnelle, sensuelle, personnelle… » - ont remarqué les visiteurs, venus découvrir les créations de Larissa. Ils venaientde France mais aussi du Venezuela, d’Italie, de Russie, du Cameroun, de Guadeloupe, de Biélorussie, de Bulgarie, du Japon, de Chine.
Photos 2, 3, 8,9,12 Les détails de l’exposition «Souvenirs d’été, couleurs pour Noël à Montmartre ».
Photo 4/10. En présence de Monsieur le Maire de bas Montmartre Florentin Lumbroso.
Photo 5/6. Avec Jean Paul Abulker : « Merci à vous belle d'âme Larissa pour tout ce qui émane de votre présence, de votre prestance de votre élégance, de la luminescence de vos œuvres, où l'on puise des bonnes ondes et qui sont le reflet de votre personnalité, généreuse, ouverte, à l'écoute, altruiste, engagée, disponible pour toutes les causes humanitaires, aux quatre coins de la terre. Amitiés ».
Photo 1. Larissa avec le photographe artiste de Moscou, Anna Chumanskaya.
Photo 7. Larissa avec des visiteurs : Jean Oti, Simon Tedga (Cameroun), Serge Delisle (France-Guadeloupe).
Photo11. Avec Maela Morvant du Musée de l’Armée.
Voir le reportage de photos par Sylvie Cunisse, Serge Lepaire, Maela Morvant : https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10221130825600503&type=3
Les Portes ouvertes des ateliers d’art de Montmartre lors de leur 24ème édition a fait évolué ce cliché grâce aux installations des artistes émergents comme de renommée internationale. Les amateurs d'art contemporain ont eu rendez-vous les 15, 16, et 17 novembre 2019 avec les artistes du 18e et du 9e arrondissements de la capitale à l'occasion de ces Portes Ouvertes d'Anvers aux Abbesses. Comme chaque année, l’événement a permis de découvrir leur travail au sein même de leurs ateliers pour une immersion totale dans leur univers. La promenade artistique entre ces sites situés du nord-est au nord-ouest de Paris a permis de découvrir la magie des harmonies chromatiques dans les arts de cette ville. De la Nouvelle Athènes jusqu’aux confins de la Goutte d’or, le parcours était éclectique: peinture, sculpture, dessin, gravure, céramique, mosaïque, photographie, vidéo-painting etc.
On dit de Paris qu’elle est « la ville lumière », et pourtant on ne connait d’elle qu’une capitale aux diverses nuances de gris! On trouve heureusement de ravissantes harmonies de couleurs dans le quartier des artistes à Montmartre.
« Souvenirs d’été, couleurs pour Noël à Montmartre » ...
Les coloristes chercheurs professionnels ont présenté leurs travaux qui ont couvert différents aspects des questions du paysage, y compris sa perception ou ses interprétations artistiques ou architecturales.
Le paysage a un caractère objectif et subjectif; c'est une construction sociale et culturelle, une transformation de la surface terrestre par l'identité d’une société. Ses couleurs et leurs harmonies sont l’expression à la fois de la nature et des choix de vie de la société. Parfois, la nature domine, ailleurs c’est l’homme qui impose ses lois.
Dr. Larissa Noury (France) a présenté son exposée « L’harmonie de la couleur : paysage et ville » "Colour harmony: landscape and city " ainsi que le projet d’un colloque international sur "Couleurs naturelles - Couleurs numériques", que Le Centre Français de la Couleur (CFC) organise au Palais des Papes, à Avignon, du 6 au 9 octobre 2020. Ce colloque s’inscrira dans l’activité pluridisciplinaire de l’Association Internationale de la Couleur (AIC) (industries de la couleur, recherche, enseignement, art, artisanat...).
Plusieurs présentations de professionnels de la couleur ont suscité beaucoup d’intérêt et d’émotion : Robert Hirschler (Hongrie) avec la conférence plénière « Colour theory and neo-impressionist landscape », Alex Booker & Kine Angelo (Norvège), Tien-Rein Lee (Taiwan), Cristina Caramelo Gomes (Portugal), Elisa Cordero-Jahr (Chile), Natalia Naoumova & Maria Cristina Dias Lay(Brésil), Ivar Jung (Suède), Raul Dario Suarez & Carlos Augusto Zoppi (Argentina), and d’autres encore. Parallèlement une exposition présentant des recherches actuelles a été organisée à la Faculté de l’Architecture de l’Université de Belgrano. Une soirée de gala au Piazzolla tango art center a été très colorée et a complété le programme officiel des conférences, des rencontres professionnelles et des expositions.
L'Association internationale de la couleur est une société professionnelle dont le but est d'encourager la recherche dans tous les aspects de la couleur, la diffusion des connaissances et les résultats de ces recherches, ainsi que de promouvoir au niveau international son application dans les domaines de la science, de l’art et du développement industriel. L’AIC a été fondée le 21 juin 1967 à Washington DC, Etats Unis pendant la 16ème Session de la Commission Internationale de l’Éclairage. Cette année, le thème principal choisi a été : "Couleur et Paysage". Afin de tirer le meilleur parti de celui-ci, les thèmes suivants ont par exemple ainsi été abordés : Couleur & Environnement, Architecture, Couleur dans le Tourisme, Couleur Digitale, Lumière & Design, Couleur & Education, Couleur dans les cultures urbaines, etc.
Photo 1. Affiche de l’évènement. Photo 2. La ville de Buenos aires est une harmonie de paysages verts et d’architectures de styles divers. Photo 3. Hall des expositions : Prof. Gabriela Nirino (Argentine), Prof. Robert Hirschler (Hongrie), Prof. Sato (Japon) et Dr. Larissa Noury (France). Photo 4. Dr. Larissa Noury avec les doctorants et le professeur Stephen Westland de l’Université de Leeds (Grand Bretagne). Photo 5-6. La Ville de Buenos Aires a une large palette des Fresques murales. Photo 7. Prof. Larissa Noury (France) à l’exposition de l’Université Belgrano, présentant la création chromatique de Perez Celis « El Camino del Conocimiento ». Photo 8. Groupe de participants du colloque international AIC 2019 devant l’Université de Belgrano, Buenos Aires. Photo 9. Dr. Larissa Noury avec le professeur José Luis Caivano, Universidad de Buenos Aires, and National Council for Research (Conicet), Argentina et le professeur Alfonco Lucas (Mexique). Photo 10.-11. La Boca, Caminito est un quartier fort en contrastes chromatiques de Buenos Aires, un des point les plus attractifs pour les touristes grâce à ses couleurs en architectures vernaculaires. Photo12. Gala de AIC2019 a eu lieu dans un magnifique lieu historique de Buenos Aires à Piazzolla tango center https://teatroastorpiazzolla.com/nosotros/. Voir plus photos de l’événement : https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10220923516497905&type=3
L'Association argentine de la couleur (Grupo Argentino del Color - GAC) et le Comité d'organisation de l’association Internationale de la Couleur-AIC ont invité plusieurs spécialistes de la couleur du monde entier à participer au colloque AIC2019, qui s’est tenu en octobre à Buenos aires, en Argentine.
« Couleurs et paysages urbains de Buenos aires » ...
L’art est par essence universel et inclassable, touchant toutes les classes sociales, traversant les temps et les époques. Il y en a encore pour tout le monde et pour tous les goûts. Les artistes venus de pays différents pour participer au festival ont créés les œuvres très varié, inspirées par la nature, par les paysages de leurs propres pays et par l’environnement immédiat. Leur beauté esthétique est par essence diverse, relative et subjective. C’est beau la diversité ! Plusieurs jours de travail créatif se sont terminés par l’inauguration des créations originales et colorées et la remise de diplômes aux artistes. Les artistes ont été ravis de cette échange culturel enrichissant : « Lorsque l'art parle au cœur, les mots ne sont indispensables pour expliquer les émotions ». Chacun a exprimé sa gratitude et son émerveillement. Parmi les artistes Larissa Noury a déclaré: « J'ai été très heureuse de participer à cet événement artistique international, ravie de rencontrer les confrères artistes et je souhaite remercier chaleureusement les organisateurs et les sponsors pour cette formidable organisation du festival et les visites culturelles permettant de découvrir les arts, les paysages, les architectures et les cultures locales. Delacroix disait ainsi : « Le premier mérite d’un tableau est d’être une fête pour l’œil ». J’espère que l’on pourra dire cela de mes tableaux lorsque les visiteurs de votre Musée viendront les voir ».
Photo1. L’affiche du Festari festival.
Photo2.Les participants du festival avec le maire de la ville de Suhareka M.Bali Muharremaj.
Photo3-4. La fête des artisanats près du Musée de la Ville.
Photo5,6,7,8,9. Les œuvres de Larissa Noury, Skender idrizi, Yildiz Arun, Muhamet Ahmet Metis, Fehmi Hoxha.
Photo 10. Lors de l’inaguration de l’exposition avec Le Président-fondateur du festival Monsieur Refki Gollopeni
Photo11. Le château de Prisren avec une vue sur la ville
Photo12. Le magnifique paysage panoramique de la région riche en couleur.
Photo13. La visite de sponsor du festival : Kosova Wine & Fatmir Shehu
Voire + des photos dans un album : www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10220659797065084&type=3
Cette fois ci le festival d'art a été visité par le Premier ministre du Kosovo, M. Ramush Haradinaj. Plusieurs personnalités importantes ont assisté à l’inauguration de l’exposition du festival, comme le vice-premier ministre du Kosovo, M. Enver Hoxhaj, Monsieur le Maire de la municipalité, M. Bali Muharremaj, les représentants de l’association WeArtTheCity (Allemagne), des représentants de la culture venus d’Italie et de France.
Tous les évènements du programme du festival de l’art, de la culture et du vin « Festari » ont été réalisés grâce au soutien et le parrainage de la municipalité de Suhareka, du Ministère de la Culture et de sociétés privées: Agrokosova Holding, la Cave Suhareka, Laboil et d’autres sponsors. Le Président-fondateur du festival Monsieur Refki Gollopeni a présenté ainsi le caractère de cette rencontre artistique internationale : « Les artistes de différents pays du monde, diversité d'opinions, des idées, des débats, l’imbrication des cultures, des langues, de l'amitié, de l'amour, de la liberté d'expression, de l'explosion créative d'émotions : tous cela crée une énergie qui rayonne comme un rayon du soleil et parvient à toucher chacun d’entre nous. Tout cela est un mouvement similaire à l'univers en miniature. C'est le caractère du festival d'art « Festari ». Un festival pour vous et avec vous ! Le leitmotiv du festival : allier l’événementiel et la proximité, le populaire et le culturel, l’approche artistique et la fête ! »
Colony Festari Art Colony International 2019 comptait 25 artistes venus de sept pays: France, Albanie, Allemagne, Turquie, Chypre, Grèce et Kosovo. Plusieurs artistes reconnus du Kosovo aussi ont pu également rejoindre le festival et ses activités. Rendez-vous incontournable de tous les amateurs de l’art pictural, le festival accueille chaque année des artistes de renommée internationale au cœur de la ville.
Il a eu lieu du 23 au 30 octobre 2019. Cette année, sa 18ème édition se déroulait dans la ville de Suhareka. Pour la dix-huitième année consécutive, le Festival a rencontré un très vif succès auprès d'un public varié. Ce festival artistique est un festival qui englobe un large éventail de genres artistiques, notamment la musique, la danse, le cinéma, les beaux-arts, la littérature, la poésie, etc. Il ne se concentre pas uniquement sur les "arts visuels". Conférences, concerts, lectures, tables rondes, projections, dégustations et expositions ont obtenu un grand succès auprès de nombreux visiteurs sur plusieurs jours. Plusieurs visites ont été organisées pour les artiste, y compris à l’Opéra National de la capitale Pristina.
« Festari est un festival international d’art, de culture et du vin au Kosovo » ...
Voir plus de photos et vidéos: https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10220472259536763&type=3
L’exposition est ouverte au public du 10.09.2019 au 10.10.2019 de 10h à 19h
Adresse: EDNH, 8 Rue Hautefeuille, 75006 PARIS
Je construis comme l’architecte
L’espace de formes et d’harmonies
Un univers sans lignes correctes
Qui est hors du temps mais plein de vie
Ce sont des phrases construites,
Par des nuances étagées
Couleurs opaques, mâtes, brillantes
Qui nous livrent leurs trésors cachés
Elles se chevauchent et s’interpellent
Pour évoquer des sentiments
Dans un espace universel.
Des sensations de flottement….
Il n’y a pas de place pour le réel,
C’est votre espace imaginaire.
La profondeur de l’image nouvelle
Vous ouvre large les portes du rêve clair… »
L’Art est ma nourriture
L’Art est mon oxygène
Mes passions à l’état pur
Mon esprit qui est dans mes gènes
Ce que je vois mieux avec le cœur
Je le donne aveuglement à mes toiles
Et je partage sans rancœur
Ces rares instants de pur bonheur
Je ne préfère aucune couleur
Comme je ne cherche l’image brutale
Créant sans peine et sans sueur
Mes œuvres architecturales
Comme les échelles fractales des villes
Je lève les murs de ma Peinture
Lumières de mes couleurs tactiles ?
Elles posent des bases stables et dures…
Parmi les invités d’honneur, étaient présents le conseiller culturel de l’Ambassade du Belarus Mr Vitaly Kornev, Mme Aijamal Aitymbetova du Centre Culturel du Caucase VATAN, Mr Timur Abdikeev, soliste de l’Opéra Mariinski , Mme Stéphanie Gaspard , présidente de GlamParis, des conseillers d’état, des architectes, des stylistes, des collectionneurs, des artistes, des producteurs, des photographes etc.
Le public a beaucoup apprécié le défilé des tableaux vivants » : « Avant-goût de la fashion week à Paris avec des couleurs extraordinaires... Merci ! », « Félicitations à la styliste et aux modèles qui ont porté de formidables créations », « …ce sont vraiment des œuvres d’art, avec de l’inspiration et de la créativité », «…vos saveurs de couleurs parfumées ont créé une atmosphère incroyable ! Larissa est comme une fée...belle, douce, magique ! », « La Beauté en beauté », « Elles sont magnifiques ces robes, majestueuses, angéliques, oniriques… » « C’est juste Magnifique et magique ! » « Très belle rencontre d'une Artiste extraordinaire et de ses œuvres, peinture, couture, poésie… », « C'est lyrique et poétique !!! Quelle beauté !!! », « Merci Larissa, c’est un bonheur de voir défiler ces belles robes, des merveilleux tableaux vivants !! Comme toutes tes créations et événements ! ». Lors de l’inauguration Larissa a dit : « Pour accompagner mon exposition d’œuvres en peinture tactiles, je vous invite à une exposition « de tableaux vivants », un défilé de robes de haute couture peintes, que moi-même et Jean-Marie Pujol avons créés ensemble. Une transformation constante, la beauté de la nature, l'interaction des formes et des images ... c’est, plus encore que de la Haute couture, un univers d'harmonie que je vous invite à découvrir. La contemplation de beautés, visuelles comme tactiles, se révèle ainsi dans ces créations : au-delà du visible, leur esthétique nous enrichit par sa puissance et son épanouissement. Jean-Marie Pujol a travaillé d’abord chez Dior, ensuite chez YSL, avant de créer sa maison de couture. Il a eu comme clientes des actrices et des personnalités très célèbres telles que: Elizabeth Taylor, Greta Garbo, Natalie Wood, Marlene Dietrich, Brigitte Bardot, et d’autres encore. Nous nous sommes rencontrés en 2005 lors d'une réception importante à Montmartre, et nous avons créé une série de robes que j’ai peintes à la main. Chaque robe est une œuvre d'art avec son histoire très personnelle et originale. Christian Dior disait « La Couture, c'est au temps des machines, un des derniers refuges de l'humain, du personnel, de l'inimitable. »…"Une robe telle que je la conçois est une architecture éphémère destinée à exalter les proportions du corps féminin" - disait-il. Moi, Je structure ces robes modernes avec mes couleurs tactiles et la couleur joue ici son rôle particulièrement singulier et dynamique. Pour cette exposition j’ai créé la robe « Plume » et je me suis inspirée de la poésie, et de Charles Baudelaire en particulier. Il est né ici, rue Hautefeuille où se trouve le centre EDNH qui accueille mon exposition. Un Symbole d’insaisissable force de pensée, c’est un plume de poète qui m’a inspiré pour faire le motif de cette nouvelle robe. La robe est couverte de ses poèmes, écrits en calligraphie; et c'est la Plume de Poète de couleur rose-dorée, qui symbolise l'incroyable légèreté de ses pensées, que j'ai peinte sur la robe.
Aussi cela m’inspiré pour écrire mon propre poème « MES COULEURS »
Photo1. L’affiche de l’exposition et annonce de l’évènement sur https://artcorusse.org/defile-exposition-larissa-noury-a-ednh/ . Photo 2-4. Lors de la soirée d’inauguration. Ce soir-là 19 « tableaux vivants » ont été présentés au public enchanté par les magnifiques mannequins. Oscar Wilde : « La beauté a autant de significations que l'homme a d'humeurs. La beauté est le symbole des symboles. Elle révèle tout, parce qu'elle n'exprime rien. Quand elle paraît, elle nous montre le monde entier éclatant de couleurs ». Phoro 5. Son excellence Mr l’Ambassadeur du Bélarus en France en présence de SE Ambassadeur de la République Belarus en France, Délégué permanent du Bélarus auprès de l’Unesco Igor V. Fissenko entouré par les « Tableaux vivants ». Photo 6- 11. Le vernissage-défilé de l’exposition « Saveurs de Couleurs Parfumées » : « Les tableaux vivants » ont été présenté au public par les magnifiques modèles : Ekaterina Sviridenko, Ekaterina Cherkasona, Maria Lavrinenko, Anna Shumanskaya, Anaïs Boisnard, Olga Perrier, Yulia Chanova, Maria Dorofeev. Irina Barkovskaia, Alla Malakiï, Grava Magalie, Géraldine Hilaire, Marianne Mnemmosyne, Elisa Shassani, Melissa et Chloé. Elles étaient mises en beauté par Mme Sissoko et Serguei Chatel et Arnaud de Lancôme. Photo12. Le public enchanté vient découvrir l’Exposition « Saveurs de Couleurs Parfumées » « Fascinante exposition qui donne envie de vous retrouver. Votre grand talent vient du cœur et parle au cœur », « Il y a une harmonie et un fondu de couleur admirable !! Turner pour la perspective lumineuse mais aussi Monet pour les harmonies des couleurs, et Zao Wu Ki pour la philosophie de l'espace! », « merci pour ce voyage, pour ces couleurs aux horizons infinis », « Je suis ravie de découvrir les œuvres de Larissa Noury, la peinture qui me touche particulièrement. Une grande sensibilité dans le choix de la palette », « Magnifique ! Nous avons tant apprécié le travail sur le tissu, sa délicatesse ! Le fait de pouvoir toucher les toiles était une découverte intéressante, bravo ! » - on peut lire dans le livre d’or de l’artiste. Photo 13. « Vous êtes surnaturelle sur la terre! Et les lèvres faisant signe au soufflé, et le cou de l'harmonie du cygne, et le regard de langueur sensuelle - tout provoque la chaleur de passion. Vous avez un cadeau de muse rare. Laissez votre sainte beauté briller comme une étoile, qui est plus précieux que le saphir! Et que sauve le monde pécheur! Donnez à l’univers une lumière brillante et recevez le bonheur en retour. » (Tatiana Chijikova). Photo crédit : Laurent Thouvenin, Roland Séremès, Dt Perou, Yeti Image, Guy Caron
Inaugurée le 12 septembre 2019 dans le cœur historique du quartier Latin de Paris, rue Hautefeuille, l’exposition « Saveurs de Couleurs parfumées » de Larissa NOURY & Jean-Marie Pujol a été organisée avec le soutien de Son excellence Mr l’Ambassadeur du Bélarus en France en présence de SE Ambassadeur de la République Belarus en France, Délégué permanent du Bélarus auprès de l’Unesco Igor V. Fissenko, à l’initiative de Diderot Education et de son président-fondateur Mr Aldrick Allal, avec le soutien de Mme Melanie Maaz, coordinatrice EDNH Diderot Education Paris en partenariat avec Lancôme (Serguei Chatel). Lors de l’inauguration de l’exposition, Larissa a présenté ses nouvelles peintures tactiles et les robes peintes par elle–même, créées en collaboration avec Jean-Marie Pujol, couturier (YSL).
Exposition « Saveurs de Couleurs parfumées de Larissa NOURY & Jean-Marie Pujol » ...
Aujourd’hui, au XXIème siècle, un nouveau courant artistique gagne du terrain – le JARDIN URBAIN. Les peintres viennent de plus en plus en ville pour y mettre en œuvre leurs idées artistiques. En ville, comme ils le faisaient depuis toujours, ils observent la nature, ils l'analysent pour créer de nouvelles images, ils inventent des nouvelles techniques et, enfin, rencontrent leur public. L'œil du peintre perçoit le rythme récurrent des toits de la ville, de ses murs et ses grilles, il parcourt les parcs et les jardins qui sont tels des radeaux verdoyants, dérivant à travers la cité. L’œil du peintre n’oublie pas non plus les citadins... Ainsi, le «jardin intérieur» de chaque peintre se peuple-t-il. Et, un trop-plein de sensations se mue en une harmonie personnelle, crée chez l'artiste une palette et des associations uniques que le peintre a hâte de partager avec le spectateur. Plusieurs personnalités importantes, des conseillers d’état, des diplomates, et des représentantes de la culture ont assisté au vernissage de l’exposition : « Magnifique espace très bien mis en valeur par les œuvres lumineuses et riches en émotion des artistes du « Jardin Urbain », « Félicitations, très beau travail ! », « Merci pour ce monde coloré et poétique qui nous rend heureux » …- peut-on lire dans le livre d’or. Le parcours à travers l’exposition est conçu comme une balade immersive dans un jardin. Le spectateur se trouve plongé au milieu des tableaux, des photos et des sculptures sur un chemin qui suggère les lieux et temps forts du jardin urbain et qui réserve des surprises au cours de la promenade à travers l’exposition. Voltaire conclut son Candide d’un célèbre «il faut cultiver son jardin»! Le jardin est un patrimoine naturel, historique, artistique, social, à s'approprier, à connaître, à apprendre et à rêver….
Plusieurs orangeries se sont succédé jusqu’à nos jours. L’orangerie actuelle, située dans la partie ouest du jardin, date de 1839, et accueille régulièrement des expositions. « Jardin Urbain » est une première exposition de l’association des artistes qui porte le même nom, elle est ouverte au public du 22 août au 2 septembre 2019. Les 12 artistes travaillent dans des domaines de l’art et avec des techniques différents (peintures, sculptures, photographie), depuis l’Ecole Russe et européenne moderne, contemporaine et classique abstrait ou figuratif. « Venez-vous promener dans un JARDIN URBAIN » - dit Irina ALAVERDOVA, Présidente de l'association et organisatrice de l’évènement. « Vous allez découvrir les jardins secrets et intimes de chaque artiste exposé. » Au XIXème siècle, les impressionnistes ont été les premiers peintres européens à travailler en plein air, pour explorer l'harmonie de la nature vivante.
Photo7. Lors du vernissage : le soliste de l’opéra Mariinsky Timur Abdikeyev, Elena Latypova et Larissa Noury. Photo8. Avec l’artiste-peintre et modèle Ekaterina Cherkasova. Photo9. L’affiche de l’exposition. Photo10. Œuvre de David Mcheidze et peinture de Volodia Popov-Massiaguine. Photo11-12. Les œuvres de Larissa Noury, de Taras Levko et Evguenia Saré. Photo13. Le magnifique jardin de Luxembourg est un cadre sublime pour mettre en valeur « le tableau vivant » - « Sérénité » ( Larissa Noury & JMPujol). Photos : L&HNoury, Pascale Vallée,Vessela Pel& Jardin Urbain
Photo1. Les artistes de l’association Jardin Urbain lors du vernissage. Pour découvrir sur le site de l’association : https://jardinurbainfr.wixsite.com/association/artistes. Photo2-3-4. L’Orangerie du Sénat de Paris accueille l’exposition Internationale « Jardin Urbain ». Voir le reportage photos de l’exposition : www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10220291017405823&type=3. Photo 4. Les sculpteurs David Mcheidsé et Antonine Saint Pierre avec leurs installations. Photo5. Œuvre de Irina Alaverdova. Photo 6. Œuvre de Larissa Arjakovski
« Jardin Urbain » est une exposition d’art qui a réuni des artistes internationaux venus de Russie, de France, d’Arménie, de Géorgie, d’Italie et de Biélorussie dans un lieu parisien magnifique : l’Orangerie du Sénat au Jardin de Luxembourg. Le cœur historique de Paris et son poumon vert, le Jardin du Luxembourg a été acquis par Marie de Médicis entre 1614 et 1631. Il a subi de nombreuses modifications, jusqu’aux travaux d’Haussmann, qui lui ont donné son aspect actuel à la fois classique et pittoresque.
« Exposition d'Art Jardin Urbain » ...
Photo1. L’exposition « ART TALES » a eu lieu au centre culturel de l’Ambassade d’Egypte du quartier de Colisée riche en histoire. Photo2. Page de catalogue de l’exposition « ART TALES ». Photo3.-4. Groupe des artistes et en présence des ambassadeurs. Photo 6. Centre Culturel de l’Ambassade d’Egypte. Photo 5,7. Larissa Noury lors de l’inauguration de l’exposition. Photo 8,9. Affiche et invitation de l’évènement. Photo10. Avec Artiste Giorgio Piccaia Photo 11. Avec Ekaterina&Anastassia Sava. Photo12. Larissa présente ses créations à SE Ambassadeur d’Egypte en Italie M Hisham Badr, et à l’art curateur Shareen Badr. Voir album des photos : https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10219935797245541&type=1
Cette exposition internationale a eu beaucoup de succès, l’évènement a été présenté par plusieurs articles dans la presse internationale. « Art Tales » vous emmène dans un voyage créatif pour explorer le monde de l'art à travers des techniques artistiques différentes : modernes et classiques.
L’Association internationale ASREA (associzione per supporto delle relazioni Europee Arabe) envisage des nouvelles expositions dans les salles de galeries prestigieux de Rome aussi bien que des concours internationaux pour encourager des jeunes artistes plasticiens de s’exprimer de manière personnelle avec les techniques originales : « L’Art est une manière de faire des mondes ».
Ce fut le cas des artistes internationaux invités à présenter leurs créations dans le cadre de l’exposition « ART TALES » à Rome, organisée au centre culturel de l’Ambassade d’Egypte en Italie. Ainsi les œuvres de ces 30 artistes venaient de pays différents (Italie, France, Egypte, Russie, Biélorussie, Serbie, Kuwait etc.). Le président et directeur artistique Dr Nasser Elgilani (association ASREA & forum ARTODAY) et la commissaire de l’exposition Shareen Badr ont fait tout le nécessaire pour que l’exposition montre bien la richesse de l’art contemporain à travers les œuvres présentées : peintures, sculptures, installations, photographies. L’inauguration de l’exposition du 2 juillet a été un grand évènement en présence d'un groupe de diplomates égyptiens et italiens et de représentants de l’art et la culture, notamment Son excellence. M Hisham Badr, ambassadeur d’Egypte en Italie, Dr. Hajar Seif Elnasr, attaché culturel de l’Ambassade d’Egypte à Rome, Dr. Tag Eldin Ibrahim Hamad, Conseiller-représentant de l’ONU (United Nations, New York) et d’autres personnalités. Les artistes (Ahmed Barakat, Amany Mousa, Anita Monoscalco, Ashraf Zaki, Barbara Berardicurti, Dina Yousri, Ebtesam M. Elgizawy, Ehab Lotfi, Anna Saadallah, Ekaterina Sava, Emad Adel, Essam Fathallah Elmahrangy, FaBio Imperiale, Farid Khattab, Giorgio Piccaia, Hélène Le Cannu, Igor Sava, Kristina Milakovic, Larissa Noury, Luca Candidi, Marina Shehata, Merima Fetahovic,Mohamed El trawy, Nasser El Gilani, Omaima Alseesi, Ramy Rashad, Shereen Badr, Stefano Sabetta, Suzan Eltamimy, Yhya Kalik) ont été ravis de pouvoir présenter leurs créations au cœur de Rome, dans le quartier du Colisée et du Forum antique, là où prévaut le concept d’harmonie, de beauté et de grandeur de l’art romain.
… dit le vieux proverbe pour exalter la grandeur et l’importance de la ville « Caput Mundi ». En effet, quelle que soit la route que le visiteur aura empruntée pour y parvenir, il peut être sûr et certain que Rome lui offrira la possibilité d’admirer un patrimoine artistique et historique d’une valeur universelle. Faire partie de cet univers fascinant est à la fois un grand bonheur et une grande responsabilité pour des créateurs. C’est pour cela que les artistes sont fiers et très heureux de pouvoir exposer leurs œuvres dans cette ville riche en couleurs de toutes les époques.
« Tous les chemins mènent à Rome » ...
Cet événement artistique a visé à sensibiliser le grand public à l’art contemporain mais aussi de faire connaitre un complexe archéologique très important : Harilaq. Les résultats archéologiques sur le château de Harilaq ont été présentés lors de la Conférence internationale sur l'Illyrie à Grenoble, en France, le 11 octobre 2008. Le festival EURO KOSOVA ART a été organisé de manière professionnelle et a déjà suscité un grand intérêt de la part des artistes professionnels et des amateurs d’art de nombreux pays du monde. Ce projet a été soutenu par la municipalité de Fushë Kosovë (Kosovo Polje), le Ministère de la Culture et d'autres institutions de soutien. Le thème de cette rencontre a été très large, les artistes venus de différents pays (Italie, Mongolie, Grande Bretagne, France, République tchèque, Kosovo, Russie, EAU/ Syrie, Serbie, Allemagne, Autriche, Suisse, Macédoine, Albanie, Turquie…) ont créé des œuvres en s’inspirant d’une thématique universelle : « Plus que de l’art ». Leurs créations sont devenues possibles grâce à leurs techniques originales, leur inspiration et leurs talents mais surtout grâce au travail préparatif du conseil d’organisation de cette manifestation. L’organisateur et curateur du festival était Muhamet Ahmeti-Metis, la responsable de l’organisation artistique : Adriana Marku Sedaj, le Design: Verona Ahmeti, la promotion: Abetare Gashi, et l’assistant à l’organisation: Lorenta Kadriu. Ils ont fait tout le nécessaire pour le bon déroulement de ce Festival international d'art.
Les artistes participants ont visité le château de Harilaq, mais aussi les villes de Prisren et Pristina pour s’inspirer de la beauté des magnifiques paysages du pays. L’ambiance chaleureuse et confortable a été assurée par le mécène et sponsor de l’évènement Holyday Resort. Le Holiday Resort est situé à Sllatine e Madhe, à 10 km de la capitale, Pristina. Holiday Resort a proposé à ces artistes un hôtel élégant, un restaurant principal « Le Fiore », un restaurant italien « Le «Castello», des terrasses fleuries avec jardin en plus trois piscines extérieures avec toboggans pour que les artistes puissent reprendre leurs esprits!! Plusieurs jours de travail créatif se sont terminés par l’inauguration de leurs créations originales et colorées et la remise de diplômes aux artistes. Les artistes ont été ravis de cette échange culturel et enrichissant : « L'art parle là où les mots sont incapables d'expliquer ». Chacun a exprimé sa gratitude et son émerveillement. Parmi les artistes Larissa Noury a déclaré: « J'ai été très heureuse de participer à cet événement artistique mondial, ravie de rencontrer les confrères artistes de très grand niveau et je souhaite remercier chaleureusement les sponsors et les organisateurs pour la merveilleuse organisation du festival et les visites culturelles permettant de découvrir les arts et les cultures locales ».
Photo 1. Le groupe des artistes internationaux réunis pour l’inauguration de l’exposition à la fin de leur séjour à l’hôtel Le Holiday Resort situé à Sllatine e Madhe. Photo 2. L’affiche de EURO KOSOVA ART’8 avec les artistes participants. Photo 3. La remise de diplôme à Lina Sami Ogaily (Grande Bretagne). Photo 4. Le château Harilaq est un magnifique ensemble architectural du passé qui a été visité par les participants : une vue panoramique époustouflante sur la région. Photo 5. Les artistes d’EURO KOSOVA ART’8 lors de la visite de Harilaq. Photo 6. L’artiste Edmond Dhrami (Italie) présente ses œuvres en technique originale.
« L'art est un langage, l'art est un témoin, il lève le voile sur ce que nous portons en nous et nous aide à retranscrire non seulement ce que nous voyons mais surtout ce qui nous inspire et nous enrichi... ». Le Festival international d'art EURO KOSOVA ART’8 a comme objectif de promouvoir les valeurs culturelles et historiques du Kosovo ainsi que mettre en valeur le potentiel créatif de ses artistes et du monde.
Festival international d'art EURO KOSOVA ART’8
Deux lieux, une artiste-coloriste, mille couleurs ! Les visiteurs du Centre Français de la Couleur, de l’Assemblée Nationale, des architectes, des artistes, des photographes de France mais aussi de l’étranger (Suisse, Russie, Liechtenstein, Etats Unis, Kongo, Cameroun, Roumanie, Pologne etc.) sont venus pour découvrir cet univers d’harmonies de couleurs tactiles aux émotions singulières. Les impressions des visiteurs sont fortes, intéressantes et nous sommes très heureux de les partager : «
« Les œuvres de Larissa aux couleurs du mystérieux et célèbre cocktail des années 50, le Maka-Bé, créé au pays basque et dégusté par Ernest Hemingway, Deborah Kerr ... et d’autres célébrités sont installées dans un joli Bar-Galerie « Le Serment d’Hippolyte » dans le quartier incontournable des Abbesses à Montmartre. C’est une très belle exposition et la prestation de Larissa NOURY lors du vernissage de l’exposition a été haute en couleurs dans ce cadre original et chaleureux où l’on partage un moment de convivialité avec Didier Sallaber, directeur de l’espace » ; « Harmonie, finesse, élégance, maitrise. Une peinture subtile et très belle. Une respiration. Un grand merci », « Très jolies créations. Beau travail sur l’harmonie de la Couleur » ; « Merci pour cette splendide installation, invitation à regarder le monde à travers sa mouvance, son énergie et sa beauté… si bien traduit dans les tableaux » ; « Ce fut une merveilleuse découverte. Merci Larissa » ; « C’est une exposition de Couleurs, de Sensibilité et de Sensualité » ; « Que de joie, de soleil, de mystère dans ces tableaux. Autant de tentatives de percer les mystères de la vie… Le cosmos, les étoiles, le soleil, la mer dans ses abysses se rejoignent avec harmonie et un grand éclaboussement de bonheur » ; « c’est toujours avec autant de plaisir, que je t’accompagne dans tes voyages sympathiques hautement colorés de notes édulcorées, douces, suaves ! Beaucoup de sensualité, d’amour dans toutes tes œuvres et ta personne aussi » ; « Quelles magnifiques couleurs. Je suis heureuse d’avoir partagé cet agréable moment, la séance photos avec ta superbe robe restera un très beau souvenir » ; « Merci pour ces œuvres qui nous font voyager et sortir de la ville pour un instant, mille bravos pour ces magnifiques peintures » ; « Merci pour ces vibrations et sensations du plaisir ».
Plusieurs événements poétiques et musicaux sont prévus lors de cette exposition qui restera ouverte au publique jusqu’à 10 juillet 2019.
Photo 1. L’affiche de l’exposition de Larissa NOURY au « Le Serment d’Hippolyte » à Montmartre. Photo2. Le quartier de Montmartre accueil des artistes de tous les continents. Photo 3,8,10. Les détails d’exposition « Couleurs de Maka-Bé » Photo4. Larissa avec l’artiste et créatrice de mode Ekaterina Cherkasova
Photo 5. Lors du vernissage Didier Sallaber, directeur de l’espace et Larissa ont reçu les nombreux visiteurs. Ici : avec les membres du Centre Français de la Couleur. Photo 6,7,9. Les invités ont assisté à une performance de Larissa à Montmartre. Photos : Pascale Vallée, Rosario Medina-Jodar. Voir plus de photos : www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10219650152024589&type=3&uploaded=36
A Paris, les expositions temporaires des grands musées et des galeries sont des découvertes intéressantes et un enrichissement culturel indispensable. Parmi les créations contemporaines, entre des œuvres plus classiques ou des installations et performances insolites, les amateurs de la Couleur découvrent deux expositions singulières à Paris: « Les Couleurs des Maka-Bé » dans un lieux remarquable « Le Serment d’Hippolyte » et à l’« Artesienne ».
Couleurs de Maka-Bé à Montmartre
Photo1. La Foire de Paris, Entrée principale à Porte de Versailles. Photo2. Tous les inventeurs du Concours Lépine 2019. Photo3. Larissa Noury : démonstration d’un « tableau vivant » « Espérance » au salon Nature et Art de Vivre » dans le cadre du concours Lépine. On peut lire dans le livre d’Or : « La sublimation d’une femme par ces belles créations qui montent la Féminité au pinacle de la Beauté », « Magnifique rencontre pleine de vie et de couleurs chatoyantes et envoutantes, bravo ! », « La Couleur c’est une vie, c’est elle qui fait vibrer nos vies… merci pour votre belle expression originale », « Larissa, vos couleurs et vos expressions sont magnifiques. Arc-en-ciel qui diffuse son rayonnement translucide et si coloré qui attire dès le premier regard. Merci de rendre vivants l’Art et la Couleur ! », « Félicitations pour cette Médaille d’Or ! Quel mérite ! Belle continuité entre l’Art et la Mode, super stand ! Bonne et belle continuation ! », « La création fait partie de notre âme, on ne voit pas qu’avec les yeux… je suis tombé sous votre charme et votre élégance, vous êtes une vraie révélation d’artiste, c’est un Tout ! », « Magnifique ! Sublime en légèreté, voyage amoureux illimité, rayonnement universel de beauté, poignant d’émotions fertile… », « J’ai été ébloui par ces tableaux vraiment vivants, bravo Artiste, vous faites parler des couleurs », « Merci pour ce que vous faites et pour ce que vous êtes », « Le détail est la perfection, mais la perfection n’est pas un détail » selon Leonardo da Vinci, votre art offre les deux, ravi et bravo pour cette explosion de Beauté et des Couleurs somptueuses ».
Photo 4,5,6. Le stand présentant les projets de Larissa et Benjamin Kerlirzin - l’ITECOM Art& Design a eu beaucoup de succès.
Photo7. Liku Maria Takahashi, artiste contemporain de Tokyo, Japon.
Photo8.-9. Médaille d’Or et Diplôme d’Honneur du Concours Lépine.
Voir plus des photos : https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10219391466077602&type=3
Le Concours Lépine International Paris a été organisé dans le cadre de la Foire de Paris comme tous les ans, au printemps. Le CONCOURS LÉPINE 2019 c'est 118 ans d'inventions et d'innovations qui ont changé notre quotidien ! Fondé en 1901 par le Préfet de Police Louis Lépine, le Concours Lépine a une double mission: soutenir les Inventeurs et Créateurs français, mettre à l’honneur et promouvoir l’Invention, l’Innovation et la Création par le biais de ses concours-expositions. Cette année il a ouvert ces portes du 27 avril au 8 mai 2019 à la Foire de Paris au Pavillon 2.1 Porte de Versailles, au parc des expositions. Plus de 500 inventions ont été mises à l’honneur cette année, y compris venant de pays étrangers comme Taiwan, la Chine, ou la Pologne. Toutes ces inventions et innovations ont été sectorisées par thème: L’univers connecté Concours Lépine ; Nature & Art de Vivre ; Santé & Nouvelles Technologies ; Transport & Industrie & Le Monde Inventé ! La carte à puce, le VTT, la machine à vapeur, le stylo bille, la machine à coudre… ces objets font aujourd’hui partie intégrante de notre quotidien, qu’ils ont amélioré, symbolisant la modernité et le progrès de notre société. Ils n’ont pourtant pas toujours existé : chaque innovation historique est en effet le fruit d’une découverte française majeure, et découle de projets divers. En 2019 Laurent Tonnelier a reçu le Prix du Président de la République 2019 – Xtag pour son invention Profil personnel & informations personnalisées pour la gestion des allergies. Le Grand Prix du Sénat – Médaille a été attribué aux Joseph Collibault, Gérard Lecomte & Pierre Herrburger – Scootpartoo pour le Fauteuil électrique à chenilles tout terrain. Larissa Noury a reçu la Médaille d'Or au CONCOURS LÉPINE INTERNATIONAL PARIS 2019 pour ses "Tableaux Vivants: Peinture sur toile et sur textile » réalisés en collaboration avec Jean-Marie Pujol, couturier. www.concours-lepine.com/inventions/2019/127-noury-larissa/ . Le Stand de l’équipe de l’ITECOM Art&Design a été distingué aussi par la médaille d’argent (Benjamin Kerlirzin pour « Dominoblique : Réinterprétation graphique du jeu de dominos » ) et la médaille de bronze (Nicolas Trub Stilic Force pour son « Support de savon pour la douche » ). Plusieurs autres participants ont été primés pour des inventions originales et techniques, et on peut découvrir la liste de palmarès ici : www.concours-lepine.com/palmares/concours-lepine-international-paris-2019/medailles-dor-du-concours-lepine-2019/ . Bravo à tous les inventeurs venus présenter leurs innovations et inventions au Concours Lépine International Paris 2019, dans le cadre de la Foire de Paris! Rendez-vous le 11 octobre prochain au Concours Lépine Méditerranéen Montpellier 2019 !
La Foire de Paris présente les nouveautés, produits et services qui permettent d'améliorer et d’embellir notre quotidien. Cette année encore, des rendez-vous inattendus et des exposants toujours plus nombreux nous ont étonné. Plus de 3 500 marques ont été présentes, 468.000 visiteurs sur 12 jours, 222 millions d’euros de chiffre d'affaires. Comme toujours c'était un voyage vers les cultures du monde, une escale gastronomique avec une offre de restauration pour tous les goûts, mais aussi l'événement de référence pour embellir l’habitat (construction, rénovation, ameublement) pour le loisir, l'artisanat et la gastronomie …
Concours Lépine à la foire de Paris
Durant plus de 10000 ans l'homme a occupé cette région dans laquelle fusionnent les traits naturels, archéologiques, culturels et géologiques. Habitée depuis la préhistoire, cette cité nabatéenne de caravaniers, située entre la mer Rouge et la mer Morte, fut dans l'Antiquité un carrefour important entre l'Arabie, l'Égypte et la Syrie-Phénicie. A moitié construite et à moitié sculptée dans la roche à l'intérieur d'un cirque de montagne percé de couloirs et de défilés, Petra est un site où se mêlent les influences de traditions orientales anciennes et l'architecture hellénistique. Nul ne sait précisément aujourd'hui quand Petra fût fondée, mais la ville a commencé à prospérer comme capitale de l'Empire nabatéen au 1er siècle avant J.-C. Elle s'est enrichi grâce au commerce de l'encens, de la myrrhe et des épices.
Petra a ensuite a été annexée par l'Empire romain et a continué à prospérer jusqu'à ce qu'un grand tremblement de terre en 363 détruise une grande partie de la ville. Suite aux changements des routes commerciales par la suite, la ville fût complètement abandonnée et perdue pour tous sauf pour les Bédouins de la région. Les magnifiques vestiges de la cité nabatéenne ont été redécouvertes en 1812 par un explorateur suisse, Johannes Burckhardt. Depuis, la cité perdue est devenue de mieux en mieux connue en Occident comme étant une ancienne ville fascinante et merveilleuse. Des tombeaux ont été découpés dans les flancs de la montagne, des temples, un théâtre suite à l'annexion romaine, et plus tard une rue de colonnades et une église d’influence Byzantine. Le Trésor ou Al Khazna est un des sites les plus magnifiques de Petra. Construit probablement au 1er siècle avant J-C. il a été conçu pour cacher le Trésor du pharaon si on en croit la légende locale. La façade taillée dans le rocher mesure près de 40 m de hauteur et est finement décorée. Elle est ornée de chapiteaux, de frises et de colonnes, et est de couleurs rose, brune, ocre rougeâtre qui changent de nuances en fonction de la position du soleil. Cette façade magique s'ouvre devant le spectateur depuis le Siq. Le Siq est une gorge étroite, représentant une fissure naturelle de la montagne qui détient également des nombreux vestiges du passé de Petra (une route pavée, la station Sabinos Alexandros, deux canalisations d'eau et des pierres sacrées). Bab Al Sic est un ensemble des tours monumentales et de quatre pyramides creusées dans la roche, et qui forment un tombeau.
Le théâtre est sculpté dans le flanc de la montagne au pied du Haut lieu du Sacrifice. C'est le seul théâtre au monde sculpté dans la roche: avec ses 7 escaliers et trois rangées de sièges il pouvait accueillir 4000 personnes. Les Tombeaux royaux sont les créations les plus extraordinaires. Construits du 1er au 3 ème siècles après J.-C. Ils composent la fin de la voie principale au milieu de la ville. Ils apparaissent sous la forme de 4 magnifiques façades adjacentes sculptées dans le rocher. Ces tombeaux, en plus d’être remarquablement sculptés, sont encore rehaussées par les polychromies naturelles et tourbillonnantes des roches, ce qui orne encore les façades et les espaces intérieurs. Les styles architecturaux sont à la fois nabatéens et hellénistiques.
Aujourd'hui les façades complexes aux couleurs splendides creusées dans les falaises de grès rose demeurent comme les structures et monuments remarquablement préservés, témoins silencieux de la civilisation fascinante et de la cité majestueuse Petra, la capitale des nabatéens.
Wadi rum est un autre site unique en Jordanie. De grandes étendues de sable ocre, des formations rocheuses rouges ou encore des arches sculptées naturelles font du Wadi Rum un désert unique au monde : un lieu magique! Le désert du Wadi Rum (cela se prononce « Wadi Roum ») se situe à l’extrémité sud de la Jordanie, à proximité de la frontière avec l’Arabie Saoudite. Le terme « wadi » signifie « vallée » en arabe. Le Wadi Rum (وادي رم en arabe) est parfois également appelé « Vallée de la Lune ». Dès les premières minutes passées dans le Wadi Rum, on comprend pourquoi ce surnom a été donné à ce désert! Cette zone de la Jordanie est peuplée depuis plus de 10 000 ans. Plus de 20 000 pétroglyphes dispersés dans le désert du Wadi Rum témoignent de cette occupation humaine depuis des milliers d’années. Comme son nom l’indique, géologiquement parlant, le Wadi Rum est une vallée qui a été creusée par l’érosion d’un cours d’eau dans les roches de grès et de granit, très présentes dans cette région de la Jordanie.
Le Wadi Rum, désert de sable et où l’ombre est quasi-inexistante présente des paysages peu variés. Certes on y trouve quelques dunes. Mais ce désert est avant tout connu pour ses nombreuses montagnes et ses falaises de grès. C’est justement ce qui fait que chaque endroit du Wadi Rum est unique et fascinant, surtout pour les amateurs de nature et de grands espaces. Le désert du Wadi Rum est également doté de merveilles de la nature comme des arches naturelles. L’arche Umm Fruth est facilement accessible et il est possible de grimper au sommet de l’arche en quelques minutes et sans danger. Ce sont de grandes étendues de sable entourées de grandes montagnes oranges et rouges, on se croirait dans des paysages du Far West comme la Monument Valley. En effet il s'agit d'un paysage désertique très spectaculaire, avec des canyons, des arches naturelles, des falaises, des rampes et des grottes. La présence de pétroglyphes, des inscriptions gravées et des vestiges archéologiques, témoigne de 12 000 ans d'occupation humaine et d'interaction avec l'environnement naturel. La combinaison de 25 000 pétroglyphes et de 20 000 inscriptions retrace l'évolution de la pensée humaine et les débuts de l'écriture alphabétique. Le site illustre l'évolution des activités pastorales, agricoles et urbaines dans la région. Il existe des dunes de sable sur lesquelles on peut surfer!Il y a aussi d’immenses gorges où l’on peut découvrir avec stupeur des gravures qui datent du 3ème siècle pour les plus anciennes. Au moment où le soleil commence à tomber, les couleurs du désert deviennent magiques. Tout s’éclaire autour d’une douce lumière orange. Ce spectacle est époustouflant et chaque coucher de soleil est hors du commun. Umm qais est un site très pittoresque au nord du pays à 20km d'Irbid. Dans la ville se trouvent les ruines de deux théâtres, d'une basilique, d'un temple et de nombreux autres bâtiments importants, ce qui démontre l'existence d'une grande ville. Une rue pavée bordée d'une double colonnade traverse la ville d'est en ouest. Un aqueduc apportait l'eau depuis le mont Hermon et passait à Abila, c'était un des plus longs de l'Empire romain.
Une vue époustouflante s'ouvre lorsqu’on arrive à un espace de végétation qui offre un panorama surplombant plusieurs pays: Israël, la Palestine, la Syrie, le Liban et la Jordanie. Site du célèbre Miracle des Pourceaux, l'antique Gadara est aujourd'hui connu pour être un centre culturel. Elle fut le foyer de plusieurs poètes classiques et de philosophes, dont Théodore, fondateur d'une école de rhétorique à Rome. Elle fut appelée 'la nouvelle Athènes”. Le site est inscrit sur la liste du patrimoine mondial de l'Unesco depuis 2001. Des panoramas à couper le souffle nous éblouirent avec des lumières inondant la roche, les dunes et les étendues d’eau. Eau cristalline, blancheur du sel, camaïeux d’ocres rose et rouge, les verts profonds des oasis, c’est une palette riche : la Jordanie est un pays aux mille et une couleurs.
Petra est connue sous le nom de la cité rose à cause de la magnifique couleur du rocher dans lequel la plupart de structures de la ville ont été sculptées. L’UNESCO a classé cette ville parmi les « sept nouvelles merveilles du monde » en 2007.
Photo1,2,3,4,5 .L’atmosphère chromatique de Pétra (de πέτρα petra, « rocher » en grec ancien de son nom sémitique Reqem ou Raqmu (« la Bariolée »), ancienne cité troglodytique est unique. A moitié taillée dans la pierre, à moitié construite, cette cité en pierre bariolée surgit d’un paysage rocailleux et possède plusieurs grottes et gorges habitées. Elle est composée de grès, roche détritique issue de l’agrégation et la cémentation (ou diagenèse) de grains de sable. Elle est organisée en strates qui offrent parfois des déclinaisons de couleurs chatoyantes, allant du jaune au violet en passant par le rose, renforcées par l'intensité de la lumière.
Photo 6,7,8,9. Wadi Rum. Etendue désertique, éperons rocheux verticaux, canyons, arches naturelles, falaises… Le décor d’un western n’a rien à envier au Wadi Rum.
Photo 10,11,12. Umm qais. Les sites de vestiges romaines mis au jour offrent des témoignages majeurs de la vie de la cité dans les temps anciens.
La Jordanie est un pays de couleurs: la mer Rouge, Pétra la Rose, Amman la Blanche, sans oublier l’orange, le jaune et l’or du désert et des vallées (Wadi)...
Les couleurs de Jordanie : Petra, Wadi Rum, Umm Gais.
Vingt-cinq artistes du monde se sont ainsi réunis à Irbid et à Amman (Jordanie) pour exprimer par leur art et à travers leurs multiples cultures cet espoir d’harmonie. AlRowad, association pour les arts plastiques en collaboration avec Art Gallery Today, a réuni des artistes reconnus venus de différents pays pour participer à l’International Art Petra Painting Symposium en Jordanie du 11 au 16 avril 2019.
Les participants sont venus de 20 pays (Allemagne, France, Italie, Norvège, Suède, Turquie, Yémen, Arabie Saoudite, Jordanie, Iraq) et représentaient des tendances actuelles de l'art contemporain dans la peinture, la photographie, le collage, la musique et la performance. En travaillant sur ce sujet noble, les artistes des quatre coins du monde ont cherché à créer un univers parfait rempli d'amour, de beauté, du bonheur de vivre en paix.
Le programme des activités a inclus le Art workshops, les visites de lieux artistiques, notamment Jalaad Cultural Center à Amman et touristique pour permettre aux participants de mieux découvrir l’art, l’architecture et la culture de ce pays riche en histoire. Le programme a débuté avec les visites de la ville d’Irbid et de ses vieux quartiers, celle Umm Qais, les ruines de la cité antique Gadara et le point panoramique permettant de découvrir les paysages de cinq pays : Israël, Palestine, Syrie, Liban et Jordanie. Le soir, les artistes ont pu voir une idée magnifique couchée de soleil dans ce lieu symbolique avec une vue sur le magnifique lac Al Arayes.
Puis grâce au trajet en bus à la destination de Petra, les artistes ont eu la chance de voir la beauté du désert et des montagnes. Pétra (« pierre », en grec) est l’un des plus beaux sites archéologiques du Proche-Orient, encore habité par les Bédouins. Ses longs canyons, falaises et belvédères, ses grès colorés et ses vastes tombeaux nabatéens, creusés et sculptés dans la roche, en font un lieu magique et incontournable. Pétra mérite bien son surnom de « cité rose ». Les artistes ont pu découvrir la Jordanie qui est avant tout le pays des couleurs: la mer Rouge, Pétra la Rose, Amman la Blanche, sans oublier l’orange, le jaune et l’or du désert et des vallées (Wadi)...
Pendant trois jours, les créateurs ont produit un ensemble d’œuvres de techniques multiples comprenant plusieurs peintures à l’huile, acrylique, aquarelle sur le thème de l’architecture, des monuments et des paysages historiques jordaniens, reflétant ce qui avait été vu et avait particulièrement touché les artistes participants. Le symposium s’est terminé par l’inauguration de l’exposition au Centre culturel d’Irbid, sous le haut patronage du Ministère de la Culture de Jordanie, avec un concert de musique et de poésie traditionnelles.
Lors de ce séjour, les artistes internationaux ont été parfaitement bien reçu par les Jordaniens qui ont du sens de l’hospitalité si caractéristique des peuples arabes. Le sourire, le plateau de thés, les délicieux gâteaux…, tout fut un accueil généreux et parfaitement maîtrisée.
Photo1. L’Affiche de l’évènement Art Petra International symposium. Photo2. Les artistes participants de symposium à Umm Qais. Photo3-4. La vue Panoramique d’Umm Qais. Photo 5-6-7. Les artistes du symposium en visite à Petra. Photo 8-9. Visite du Musée privé Jalaad Cultural Center à Amman. Photo 10-11. Lors de la soirée de l’inauguration au Centre culturel d’Irbid. Photo 12. Larissa avec Dr Oktay Kose (Turqui) et Dr Khalil Kofahi (Jordanie), le président de l’association AlRowad pour les arts plastiques de lors de la soirée de l’inauguration
Voir plus de photos dans un album PETRA ART/ALROWAD INTERNATIONAL PAINTING SYMPOSIUM 11-16.04.2019 : https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10219220427121735&type=3
« La peinture est une poésie qui se voit au lieu de se sentir et la poésie est une peinture qui se sent au lieu de se voir » – disait Léonard de Vinci. La poésie de la Nature est une source d’inspiration pour les créateurs des arts plastiques, qui permet de l’expression et le reflet de la beauté et de l’Harmonie sous des formes différentes.
International Art Petra Painting Symposium en Jordanie
Parmi les invités – les représentants du monde de l'art, de la mode et de la culture, venus de différents pays : Japon, Etats Unis, Monaco, Allemagne, Chine, Russie, Belarus, Congo, Côte d’Ivoire, Djibouti…
Et aussi « Bravo pour l’énergie et l’imagination qui se dégage de vos œuvres ! », « …de la Couleur de vos yeux se reflète dans vos toiles », « l’Alchimie des couleurs et l’Architecture aussi bien mariés et mis en œuvre dans le mouvement du Rêve du féminin absolu. Très émouvant ! Merci Larissa… », « Le glissement dans l’Univers merveilleux de Larissa : on voudrait avoir tant de murs pour avoir chez soi quelques-unes de ses œuvres, félicitations pour ces moments de rêve ! », « C’est toujours un plaisir de découvrir suite à l’interminable voyage de Larissa sur des chemins qui se croisent pour former un ensemble coloré et plein de Vie… Ta Créativité est cette grandeur qui est l’Energie. Elle se décline parfois en une spirale dont tu as le secret. Merci, Larissa. » (Dr Simon Tedga, écrivain, éditeur), « On vous remercie pour ces belles impressions incroyables. Quand on caresse, on touche des tableaux on croit qu’on est concerné, on participe à la Création du Monde. Vos œuvres sont pleines de chaleur et saturées d’émotions positives. Bon succès créatifs ! » (Elena, Ivan & Anna)
Le voyage au pays des rêves continue et Larissa nous invite déjà à ses prochaines expositions à la Foire de Paris 27 avril – 8 mai, aux Portes de Versailles, et aussi à sa grande exposition qui a obtenu la prolongation exceptionnelle à l’Atelier des Arts à Poitiers.
« Merci pour l'accueil chaleureux et le partage. Et que vos couleurs continuent à chanter le cosmos et l'harmonie de la nature…» (Dr Hibo Moumin Assoweh, Université de Djibouti) « A chacune de vos expositions, Larissa, dont j’ai l’honneur de participer, je suis toujours émerveillée par votre immense talent qui ressort de vos magnifiques chef d’œuvres qu’on ne se lasse pas admirer » (Maryse Poulain), « Nous sommes très heureux de passer voir votre galerie et de découvrir vos œuvres, ces magnifiques peintures pleine d’imagination. Nous espérons sincèrement que vous pourrez faire plus d’expositions pleine d’idées originales à Pékin, Shanghai, Suzhou en Chine. Bonne continuation » (Jing & Dian), « Un merveilleux voyage cosmique. De la Matière à l’infini, de la matière à l’Esprit… » (Chantal M », « Merci pour ce chaleureux accueil et pour ces magnifiques tableaux qui nous font plaisir aux yeux ! Continue de nous faire voyager au pays de merveilles… » (Virginia&Lionel), « Chère Larissa, J’ai été ravie et charmée de découvrir votre univers artistique. Quel travail époustouflant ! Je vous présente toute mon admiration ! » (Princesse Isabelle Yapo) - lit-on dans le livre d’or de cette exposition.
Photo 1. Larissa présente la robe peinte par elle-même (couturier Jean-Marie Pujol) « Orchidées royales » devant Sacré Cœur de Montmartre. Photo2, 3. Lors des portes ouvertes Larissa accueille les amis de Moscou : Elena et Ivan Statsenko. Photo 4. Avec Anna Shumanskaia, une grande artiste-photographe. Photo 5. « Dans cette galerie j’ai croisé l’Harmonie de la Nature et la Joie de vivre. Quelle belle créativité, pleine de lumière ! Félicitations à l’artiste ! » (Dr Hibo Moumin Assoweh , professeur de l’Université de Djibouti). Photo 6. Détail d’exposition « Aube. Naissance de la Lumière », peinture tactile de Larissa Noury qui est partie en collection privée à Versailles. Photo7. La vitrine de l’exposition « Les Couleurs du Printemps à Montmartre ».
A partir du 23 Mars, Paris accueille les « Couleurs du Printemps à Montmartre », une exposition des nouvelles créations de Larissa Noury, Ambassadrice de la République de Montmartre. La jolie et romantique galerie « ARTESIENNE » a accueilli les nombreuses personnes - amis et partenaires, collectionneurs et touristes visitant la capitale-lumière - qui ont envahi le lieu.
« Couleurs du Printemps à Montmartre »
Le tableau de l’arbre de vie, un coup de cœur « Je n’ai pas fait de dessin, c’est en posant les couleurs que les branches sont apparues et se sont animées » explique-t-elle à propos de « l’Arbre de vie », un triptyque exposé sous verre au salon.
Il s’agit d’un arbre riche de couleurs profondes et terrestres, dont les branches semblent se mouvoir du sol vers le ciel, dans un ballet d’entremêlement. Le fond est composé d’un dégradé de teintes bleues puissantes et magnétiques. Les jeux de matières en relief apportent une touche de réel à ce tableau qui semble pourtant tout droit sorti d’un rêve. De la force qui s’en dégage, on peut, si on observe attentivement, ressentir au travers des tâches d’or et des pointes rosés, toute la douceur et la fragilité de cette beauté. Larissa y voit aussi une métaphore de la vie humaine, les branches de l’arbre comme veines de la peau. Encore une fois, ce ne sont pas une, mais des histoires qui sont racontées au travers des peintures de l’artiste, que nous attendons impatiemment dans une prochaine exposition." Marion Drack
"En effet l'essence même de ton travail est évoqué avec beaucoup de subtilité de délicatesse... Une empreinte très féminine dans la retranscription de cette vision du monde que tu as et que tu sais si bien transformer en matière presque vivante si poétique. Capturer et Peindre le cosmos, rendre à la matière sa vraie place, dépeindre l'irrationnel, le non explicable comme si tu cherchais à immortaliser la mémoire du monde". Pascale Vallée
« ARTESIENNE » présente une exposition « Couleurs du Printemps à Montmartre » de Larissa Noury - Artiste peintre - Architecte-coloriste - Styliste et son art tactile effleurant de délicates nuances "intuitistes". Portes ouvertes de l'exposition: du 23 au 24 mars 2019 et du 30 au 31 mars 2019 de 11h à 19h. Adresse: 20, rue Tholozé, 75018 Paris m.Abbesses, m.Blanche
L’ARBRE DE VIE
"L’artiste peintre Larissa Noury exposait de nouveau ses œuvres au salon Art Capital, qui avait lieu au Grand Palais du 13 au 17 février. Nous avons eu la chance de pouvoir les admirer à ses côtés. Un sourire lumineux, le regard profond et une personnalité colorée, Larissa est, à l’image de ses œuvres, un véritable tableau vivant. Quand elle parle de ses peintures, la passion est contagieuse et le regard expert. Architecte de formation, l’artiste mêle à fois l’exigence de la précision à la créativité féconde : rationnelle dans l’irrationnelle, immatérielle dans la matière, rêveuse dans le concret. Une dualité qui ne s’oppose pas mais se complète, et qui se retrouve peut-être aussi dans sa richesse culturelle : des origines biélorusses dans une vie parisienne.
Invitation à l'Exposition du 23 au 24 mars & du 30 au 31 Mars
« Couleurs du Printemps à Montmartre »
Après le succès des expositions immersives sur l’œuvre de Gustave Klimt, Egon Schiele et les créations de Hundertwasser « L’Atelier des Lumières » a inauguré le 22 février de nouvelles expositions. Actuellement (et ceci jusqu'au 31 décembre 2019), les chefs-d'œuvre dématérialisés de Van Gogh sont projetés sur les monumentales façades de l’ancien fonderie. Sous les yeux ébahis des visiteurs, trois mille images en mouvement défilent grâce à une technologie numérique de pointe comprenant 140 vidéoprojecteurs lasers et 50 enceintes. Ce dispositif novateur place le visiteur au cœur de l'œuvre. L’exposition numérique « Van Gogh : La Nuit étoilée » avec « Japon rêvé : Images du monde flottant » dans la grande salle est accompagnée dans le Studio par la création contemporaine « Versé ». L’énigme de la peinture surprenante de Van Gogh, ce peintre néerlandais, qui s’est installé en France se raconte en dix chapitres visuels : prologue, la nuit provençale, les œuvres de jeunesse, la nature, de passage à Paris, Arles, Oliviers et cyprès, Saint-Remy-de-Provence, la Plaine d’Auvers et épilogue. La grande création sonore et chromatique est une représentation originale et authentique de l’œuvre du peintre qui a sombré dans la folie : aucun ajout, aucune tricherie, tout est tiré scrupuleusement des tableaux de Van Gogh qui sont seulement agrandis, mis en musique et en mouvement. Une symphonie de couleurs, un nirvana d'émotions, le tout accompagné de musiques bien connues: "Peer Gynt" de Grieg, "O mio babbino caro" de Puccini, "Le Bourgeois Gentilhomme" de Lully, "Kozmic Blues" de Janis Joplin... La palette démultipliée de Vincent Van Gogh (1853-1890) enveloppe le spectateur, qui verra se succéder ses univers tourmentés. Ciels, champs de blés, vagues, marines, mais aussi visages extrêmement expressifs - montrent la palette riche et parfois contradictoire toute en transformation 4D : 3D étant l’espace – le 4eme dimension étant la musique. Ainsi, le spectateur peut déambuler dans les chefs-d’œuvre de l’artiste comme dans un rêve. Des Mangeurs de pommes de terre, aux Tournesols, en passant par La Nuit étoilée à La Chambre à coucher, l’exposition évoque le monde intérieur à la fois démesuré, chaotique et poétique de Van Gogh.
Photo1. Première exposition immersive sur l’œuvre de Gustave Klimt, Egon Schiele et les créations de Hundertwasser à « L’Atelier des Lumières » Photo2.-6 Détails de l’exposition numérique « Van Gogh : La Nuit étoilé » Photo7. Panorama de l’exposition numérique « Japon rêvé : Images du monde flottant » dans la grande salle.
Passés les murs peints de noir et les cylindres apparents du hall d'accueil à l'identité brute et industrielle, le visiteur est téléporté dans un autre monde. L'espace de 3300m2 de projections murales sur dix mètres de hauteur donne une impression vertigineuse. Conçu comme de véritables voyages oniriques, les installations numériques sont créées comme des œuvres complexes de création visuelle qui relient ensemble les formes, les couleurs, les lumières, la musique et les mouvements. Ils proposent aux spectateurs une expérience émotionnelle et poétique.
« L’Atelier des Lumières » est un nouveau centre d’art à Paris qui a beaucoup de succès grâce à ses expositions immersives. Les espaces de l’ancienne fonderie Plichon, situés près du métro du Chemin-Vert et construits en 1835, ont ouvert à nouveau leurs portes en 2018 grâce à la Société CultureEspaces et à ses expositions numériques. L'ancienne fonderie de la rue Saint-Maur a su reprendre des couleurs.
Atelier des lumières : L’immersion dans le monde de la couleur
Plusieurs artistes et amateurs d’art sont venus au vernissage du 12 février. Des créations étonnantes en tous genres ont embelli l’espace de la grande verrière : plus de 2000 artistes confirmés ou émergeants, de toutes nationalités et de toutes tendances ont présenté leurs travaux en peintures, sculptures, gravures, photographies, mosaïque, installations… Cette année, on pouvait apprécier l’incroyable plasticité de la robe, véritable « peinture vivante » et nommée « Espérance » de Larissa Noury. La richesse de la palette des couleurs a été surprenante et des œuvres dynamiques et multiformes ont été présentées par les artistes des quatre coins du monde. L’ensemble formé par les pavillons du Japon, de la Chine, de la Corée, de la Canada, des artistes du Belarus montrait la grande diversité des tendances créatrices. Plusieurs groupes ont composé le Salon comparaison : «Mémoires croisées », «Le Constructivisme», «La figuration inévitable», «Exubérantes écritures», «Expressionnisme», «Transposition figurative», «Paysages et poésie». Le groupe de peintres « De l’apparence à l’imaginaire » réunis par Asilva, ont présenté leurs œuvres colorées et abstraites dont l’originalité peut être expliqué par René HUYGHE : « Si à une composition déjà intéressante par le choix du sujet, vous ajoutez une disposition de lignes qui augmente l’impression, un clair- obscure saisissant pour l’imagination, une couleur, adaptée au caractère, vous avez résolu un problème plus difficile et vous êtes supérieur : c’est l’harmonie et ses combinaisons adaptées à un chant unique, c’est une tendance musicale.»
Libre et ouvert, Art Capital est né de l’union de plusieurs salons et est un fabuleux reflet de la création artistique : il fait dialoguer toutes les formes d’expression et permet la rencontre entre un large public amateur d’art et les artistes, galeristes et collectionneurs. « D’ailleurs il n’est pas inutile pour donner du poids à cette affirmation, de rappeler quelques noms d’artistes qui hier exposaient « chez nous » et que nous retrouvons aujourd’hui dans des galeries au sein de la Fiac et d’Art Paris : Klein, Cruz Diez, Zao Wou-ki, Villeglé, Arman, Poliakoff, Vieira Da Silva, Chu Teh-Chun, Tinguely, Buffet, Debré, Niki de Saint-Phalle, Lanskoy, Mathieu, Soto, Picasso, Dali, Truphémus, Cottavoz, Van Dongen, Morellet, Christo, Kim Tchang Yeul, Vlaminck, Magritte, Venet, Le Parc, Raysse et bien d’autres… » - nous rappelle le Président du Salon Comparaisons Monsieur Paul Alexis.
Photo 1. Larissa présente ses créations au Président du groupe «La Vie en instantané» François Fasnibay. Photo 2,8. Le Grand Palais avec la façade illuminée des couleurs et la magnifique verrière de son neuf central qui date de 1900. Photo 3. L’œuvres de Vladimir Tovstik, l’artiste de Biélorussie. Photo 4,5. Lors du vernissage Larissa Noury a présenté une nouvelle création inspirée par la couleur de l’année « Living Coral » 2019 et en continuité de son œuvre « Espérance », 120x120cm. Photo 6. Peinture de Wang Yan Cheng, groupe «Mémoires croisées » Photo 7. Le choix de la couleur Le Living Corail a été déterminé par la soif actuelle d’expériences authentiques à l’heure où l’on souhaite parfois s’échapper de l’omniprésence des technologies numériques. Le Living Corail par sa présence dans notre environnement naturel « encourage les activités joyeuses, il incarne une expression pleine de légèreté ». Photo 9. « Haute Couture » en peinture d’artiste Larissa Noury et de couturier Jean Marie Pujol. Photo 10. Lors de l’inauguration du salon : le Président du Salon Comparaisons Monsieur Paul Alexis, le président de la Fondation Taylor Jean-François Larrieu, Larissa Noury, Attaché culturel de l’ambassade du Belarus en France Vitaliy Kornev, première secrétaire de l’ambassade du Belarus Mme Yulia Naguibarova. Photo11. Géraldine Hilaire, actrice devant l’œuvre de Larissa « L’Arbre de Vie - l’arbre enchanté ».
Art Capital est un évènement annuel d’importance nationale et internationale dans l’art contemporain. Cette année, Art Capital a été organisé à Paris du 12 au 17 février 2019. Depuis 2006, la nef centrale de la magnifique verrière du Grand Palais réunit, pour les mettre en valeur, les œuvres nouvelles d’artistes membres du Salon Comparaisons, du Salon du Dessin et de la Peinture à l'eau, de la Société des Artistes Français et de la Société des Artistes Indépendants. Inscrit dans la tradition historique des Salons artistiques, Art Capital s'est installé dans la Nef du Grand Palais pour sa 13ème édition.
Art Capital, un évènement artistique de l’année 2019 à Paris.
Invitation de Larissa NOURY au Grand Palais
P.S. Il me reste quelques cartons d'invitation pour le vernissage du 12.02 et le Salon 13-17.02.2019, contactez moi si vous êtes interessés.
Le nouveau site de Comparaisons en ligne : https://comparaisons.org
Bien cordialement, Larissa NOURY
Comme chaque année, je participe au Salon Comparaison , Section C 20 Asilva "De l'apparence à l'imaginaire" et au Salon du Dessin et Peinture à l'Eau dans le cadre d'Art Capital au Grand Palais à Paris, du 13 au 17 février 2019. Plus de 2000 exposants seront présents, dont 600 exposants au Salon du Dessin et Peinture à l'Eau, spécialiste mondial des oeuvres sous-verre, qui fête cette année son 70ème anniversaire. L'invité d'honneur du Salon de peinture à l'Eau est l'artiste Claude VERLINDE. Il sera entouré de 7 prestigieuses signatures: DERAIN, DUFY, VAN DONGEN, BRAYER, De VLAMINCK, CHAPELAIN-MIDY. Au plaisir de vous y retrouver.
Mucha, venu à Paris en 1887 - Paris était la Capitale européenne des arts à l’époque - en tant que boursier pour des études à l’Académie Julian et ensuite à celle de Colarossi. Il devint en quelques années le concepteur de panneaux décoratifs et d’affiches admirés de tous. Son écriture artistique est devenue le symbole des années 1900. Il est considéré alors comme le maitre de l'Art Nouveau car les affiches de cet artiste tchèque sont parmi les icônes les plus célèbres de l’art de la Belle Époque et sont indissociables de l’image de Paris durant ces années - là. Il fût l’affichiste attitré de la divine Sarah Bernhardt, engagé par la diva pour 6 ans afin de créer les affiches, les costumes, les bijoux de scène et les décors pour ses spectacles au Théâtre de la Renaissance : ainsi la ville de Paris fût enthousiasmée par les nouveaux placards remplis d’affiches aux couleurs raffinées et au dessin sophistiqué. On reconnaît immédiatement le style particulièrement élégant de Mucha, typique de l’Art nouveau. Dans chacune de ses affiches, l’artiste parvient à dire la capacité qu’a la tragédienne à se métamorphoser, tout en restant parfaitement identifiable. Ces affiches ont connu un succès retentissant, de sorte qu’elles sont devenues tout de suite des objets de collection. « J’étais heureux de m’être engagé dans un art destiné au peuple et non à des salons fermés. » - disait l’artiste à l’époque. Loin des images aux couleurs criardes qui couvraient les murs de la capitale à cette époque, Mucha propose une palette de tons pastel et des lignes harmonieuses pour un décor stylisé dépourvu de perspective : ocre, rose, orange doux s’accordent de manière élégante avec le gris vert, bleu doux et violet pastel. En 1900 il est décoré par la médaille d’argent de l’Exposition universelle et créé une œuvre d’art total pour l’architecture et le décor de la nouvelle boutique du joaillier Georges Fouquet. L’atmosphère féerique est inspirée en particulier par la beauté de la Nature. Les matériaux du décor : le bois – noyer et poirier-, le bronze, le verre, le cuir repoussé, le grès, la broderie étaient associés aux panneaux peints, aux mosaïques du sol et aux vitraux émaillés et rétroéclairés. Démonté en 1922, le décor de Mucha est présenté aujourd’hui au Musée de l’histoire de Paris, le musée Carnavalet. Les talents de cet artiste-affichiste seront demandés par plusieurs sociétés commandant de la réclame pour leurs produits de consommation : Ruinart, Moët et Chandon, JOB, la maison Lefévre-Utile, Waferly et Perfecta, etc.
Cette exposition nous rappelle la naissance de l’Art Nouveau à Paris, années de création de passerelles entre arts graphiques et arts décoratifs, ainsi que la mise en œuvre de l’idée d’art total dans les espaces architecturés et urbains. Elle nous fait découvrir aussi un artiste idéaliste, lié au milieu symboliste ainsi que sa vie et sa création, celle d’un patriote célébrant l’héroïsme du peuple tchèque, entre Art Nouveau et Utopie.
Photo1. Inventeur d’un format nouveau, presque grandeur nature, Mucha représente une femme à la silhouette éthérée, coiffée de lys et auréolée d’une mosaïque dorée, à mi-chemin entre la sainte byzantine et la muse des Floralies. Sa palette est douce, loin des habituelles couleurs criardes. Les nuances ambrées, de bleus et gris violet pastels se remarquent par leur ineffable douceur. Après Gismonda, neuf affiches ont suivi : la Dame aux camélias, Lorenzaccio, Hamlet, Médée etc. Ici : Alphonse Mucha, Affiche pour « La Dame aux camélias », 1896. Photo2. Affiche pour le papier à cigarette JOB, 1896. « Les rues s’étaient transformées en expositions d’œuvres d’art en plein air » - disait à l’époque Alphonse Mucha à son imprimeur d’affiches Ferdinand Champenois. Photo3. Décor pour le spectacle « Comme vous l’aimez », 1908-1909. Photo4. Boutique du bijoutier Georges Fouquet située 6, rue Royale à Paris et conçue en 1901 par Mucha, maitrise d'œuvre de la réalisation par la maison Jansen. Photo5. A. Mucha, Zodiaque, publicité de la Savonnerie de Bagnolet, 1897
Photo6. Autoportrait, 1910. Photo7. La cheminée de la joaillerie du Fouquet.
Visite virtuelle de l’exposition sur www.facebook.com/larissa.noury
L’exposition « Alphonse Mucha » se termine au Musée du Luxembourg de Paris de façon triomphale, célébrant ainsi les créations aux couleurs chatoyantes et au graphisme exceptionnel de cet artiste dont la grande sensualité est devenue le symbole de la Belle époque. La Nature et le Théâtre ont été une source d’inspiration constante dans l’œuvre de Mucha, inspiration intimement liée au contexte culturel (il était d’origine tchèque, et était donc slave) et à l’univers de la vie parisienne à la fin du XIX° siècle au début du XX° siècle.
Mucha : entre Art Nouveau et Utopie
Le salon de l’Espace Art et Liberté est ouvert jusqu’à 16 février 2019. Visite commentée le jeudi 31.01 à 13h - 3 place des Marseillais - CHARENTON-LE-PONT
Photo1-2. L’Espace Art et Liberté le 17 janvier 2019. Photo3. « L’Arbre à Palabre » de Véronique Lafont, artiste invitée. Photo4. La peinture de Mairie Christine Charmoillaux. Photo5. Détail d’exposition, sculpture d’Agnès Sebyleau. Photo6-7. Larissa Noury présente son œuvre « Silence de la Lumière » au Maire de Charenton-le-Pont, conseiller Départemental du Val-de-Marne, Monsieur Hervé GISQUEL.
Rendez-vous incontournable annuel, le Salon de Charenton est depuis nombreuses années l’occasion de faire un tour d’horizon de la création locale et régionale dans sa diversité. Lors de son inauguration, plus de 500 personnes, invités et artistes, ont eu le plaisir de découvrir les œuvres sélectionnées pour l'exposition qui a lieu dans un grand espace et qui a pour vocation de sensibiliser le public à la création contemporaine. Ce lieu unique et lumineux présente sous la direction de Mr Frédéric Mette des expositions aux thèmes divers. Le Salon annuel fait découvrir aux visiteurs et aux amateurs d'art toutes les techniques de la peinture, de la gravure, de la photographie, du dessin, des techniques mixtes et de la sculpture. Cette fois-ci, l'originalité du Salon a été le choix de ses invités d'honneur : Véronique Lafont et Benoit Gilardoni. Ce sont de grands coloristes qui pratiquent « les paysages abstraits qui naviguent entre espace intérieur méditatif et libre transportation d’un spectacle naturel ». Leurs grands formats font dialoguer la couleur et la matière avec force et sensualité, il s’agit ici de L’Univers de l’abstraction lyrique à la limite de la figuration. Plusieurs autres créateurs ont présenté leurs œuvres originales : la diversité et l’éclectisme de l’ensemble favorise une approche facilitée et décomplexée de l’art. La peinture de Larissa Noury « Silence de la Lumière » a attiré l’attention particulière du public : « Peinture subtile et éclatante, un univers très personnel, une grande intériorité avec une grande simplicité », « Merci pour ce voyage dans le pays de nos Rêves inconnues », « Merci infiniment pour ces jaillissements de lumières qui nous plongent dans l’essentiel de notre conscience… ».
L’Art est plus que jamais un enjeu favorisant les liens et les échanges, comme disait André Malraux :
« L’art est le plus court chemin de l’homme à l’homme ».
Le 66-ème Salon de Charenton a ouvert ses portes à l’Espace Art et Liberté le 17 janvier 2019
La terre, la pierre, le bois et les tuiles sont les principaux matériaux utilisés dans sa construction. « Elle est construite selon diverses méthodes, selon l'époque et le lieu : gros blocs de pierre sèche, couches de terre à base d’argiles de différentes nuances de l’ocre jaune à l’ocre rouge de toutes les régions du pays. Les murs en terre battue et en briques sont aussi solides, grâce à la présence de farine de riz, que nos bétons actuels. La palette de cet ensemble de fortifications militaires chinoises construites, détruites et reconstruites en plusieurs fois et plusieurs endroits a été édifiée par plusieurs dynasties entre le VIIème siècle av. J.-C. et le XVIIème siècle pour marquer et défendre la frontière nord de la Chine. C'est la structure architecturale la plus importante jamais construite par l’homme à la fois en longueur, en surface et en masse. La longueur de la muraille qui serait de 6 700 km varie selon les sources. En raison de sa longueur, la Grande Muraille est surnommée en chinois « La longue muraille de dix mille li », le LI étant une ancienne unité de longueur chinoise et dix mille symbolisant l’infini en chinois. Cette notion de l’infini est valable pour ses dimensions spatiales comme pour ses dimensions temporelles. La longue durée de son existence prouve que la terre, l’argile, en fait, est très solide et résistante comme matériau de construction, et que son image chromatique possède d'excellentes qualités de longévité et de stabilité. Avec le temps, cette construction gigantesque a acquis la palette douce et naturelle des couleurs de la terre environnante.
Dans la Chine ancienne, le système des 5 éléments a donné leur propre couleur à chaque saison, à chaque élément (ou « forces de la nature »), à chaque planète, aux quatre points cardinaux et aux substances matérielles principales. Vert : Printemps-Bois-Est-Jupiter-Dragon ; Rouge : Eté-Feu-Sud-Mars-Phénix ; Blanc : Automne-Métal-Ouest-Vénus-Tigre ; Noir : Hiver-Eau-Nord-Mercure-Serpent ; Jaune : Fin d'été-Terre-Centre-Saturne-Tortue.
Dans un premier temps, la polychromie architecturale en Chine Ancienne a été marquée par les fresques des monastères bouddhistes, des grottes et des cavernes.
Ensuite, la peinture murale s’est transformée en panneaux incrustés de porcelaine. Les pagodes, l’extérieur des temples étaient couverts de laques et de vernis rouges et noirs, décorés par les sculptures en bronze, avec des détails dorés et nacrés. La miraculeuse longévité des laques sur le bois et les tissus, et que l’on appelle « le plus vieux plastique industriel », a permis à certaines d'entre-elles de survivre longtemps après que les objets qu’elles recouvraient aient été détériorés. Qu’elle soit appliquée sur du mobilier - des paravents ou des coffrets par exemple - ou sur des pans entiers des bâtiments de bois, la laque était posée en vingt ou trente couches, parfois plus, toutes lissées après séchage dans une atmosphère obligatoirement humide. Les couleurs telles que le jaune chamois ou le jaune citron étaient dérivées de l’ocre et de l’orpiment (un sulfure d’arsenic), mais les teintes les plus fréquentes étaient de loin le rouge vermillon du cinabre, substance hautement révérée par les Chinois, et le noir de l’oxyde de fer. L’incrustation était aussi une importante source de couleur. Presque tout ce qui brillait était recherché comme matériau de décoration - nacre, perles, métaux précieux en feuilles, poudre, fragments ou paillettes. Le jade, le corail, l’ivoire, la malachite, la stéatite et la porcelaine, étaient aussi scellés dans la laque, comme l’or et l’argent, ce qui donna sa réputation au superbe travail Chinois. Parallèlement, la théorie de la philosophie du Taoïsme (raison suprême) condamnait les effets multicolores :
“Cinq couleurs affaiblissent la vision”. A la place de l’art et de l’architecture polychrome pittoresque arrive la monochromie, puis l’achromatisme total. A la place des lignes aux formes précises et nettes apparaissent l’ambiguïté, l’amorphe, le flou, expression de l’inabordable et de l’inexprimable: telles étaient les caractéristiques principales du Taoïsme. Les villes chinoises s’imprègnent du symbolisme des formes et de la couleur défendue par la philosophie et par l’art. Exemple éblouissant de l’architecture de la dynastie de Ming, le Temple du Ciel qui est une véritable illustration de la cosmologie chinoise et emblème de la ville de Pékin (Beijing). Il était destiné à offrir aux empereurs de Chine, considérés comme les Fils du Ciel, une passerelle vers le monde céleste. Les temples consacrés aux divinités du Ciel ont une forme ronde et couverts de tuiles bleues, tandis les temples de forme carrée aux toits en tuiles jaunes et verts, symbolisent la Terre.
La partie la plus polychrome et spectaculaires est La Salle des prières pour de bonnes moissons, bâtie en 1420 selon les maitres du fengshui. Ils devaient équilibrer l’élément yin (féminin, obscur, froid, silencieux, énigmatique et lunaire) avec l’élément yang (masculin, clair, chaud, bruyant, lumineux et solaire) afin d’obtenir une quantité maximale de qi, l’énergie vital. Ainsi cet édifice se situe au point exact ou le Ciel rencontre la Terre. A l’époque de règne de Jiajing il était restauré et doté de trois toits superposé, recouverts de tuiles étincelantes bleues, jaunes et verts, couleurs symbolisant dans l’ordre le Ciel, la Terre, et le monde des mortels. Par la suite la toiture tricolore a été remplacée par la seul couleur unie, le bleu. Ainsi actuellement par sa forme arrondie et par sa couleur se magnifique toit conique symbolise l’étendu du monde céleste.
La Cité interdite (Zǐjìn Chéng) (1406-1420) qui fut la résidence impériale est un autre symbole fort de la culture chinoise. En effet, son nom chinois signifie littéralement « cité pourpre interdite », le pourpre désignant non pas la couleur des bâtiments, mais le centre de la Galaxie, l’étoile polaire, qui au centre du monde céleste, représente l’empereur. Ainsi les murs rouges de la cité Pourpre, enfermant un vaste complexe de « l’ancien palais » symbolisaient la puissance inaccessible de l’empereur, la force et l’éternité de son pouvoir, tandis que les tuiles de ses nombreux toits de couleur jaune-doré ont symbolisé le centre, le soleil et la place terrestre du fils du ciel, de l’Empereur. L'influence de la civilisation chinoise sur ses voisins a été immense sur le Japon, sur la Corée, sur le Vietnam, sur le Tibet, et plusieurs temples se trouvent en Indonésie et en Malaisie.
Photo Larissa NOURY, Sally LEE, Guoxiang Yuan, voir plus photos:
Photo3. Le temple du Ciel, exemple éblouissant de la couleur en architecture de la dynastie des Ming : une véritable illustration de la cosmologie chinoise il est destiné à offrir aux empereurs de Chine (considérés comme les Fils du Ciel) une passerelle vers le Monde céleste. Photo4. Le décor polychrome de la salle de la Prière pour des bonnes moissons illustre les principes de la cosmogonie chinoise par ses 5 couleurs symboliques. Le vert a été considéré comme étant la liaison entre le bleu et le jaune. Il n’y a pas de frontière stricte entre le bleu et le vert ; d’ailleurs, un seul mot, “tczi” désigne seul ces deux couleurs. Photo5-6. Le Temple des Lamas (YONGHEGONG) recèle des trésors de l’art et de l’architecture et reflète la symbolique des couleurs à la fois chinoise et tibétaine. Photo7. Le Stupa blanc tu style tibétain, sur la colline de l’Ile des Hortensias au Parc Beihai (XIIs.). La particularité de la signification du blanc dans la culture Chinoise : c’est une couleur de deuil, elle symbolise le pays des morts, l’ouest où le soleil disparaît et l’automne car c’est la saison de la récolte du riz. Photo8. La Grande Muraille de Chine : blocs de pierre sèche, couches de terre battue, briques, liés avec la présence de farine de riz. Photo 9-10-11. Le Palais d’été est un magnifique complexe de temples, de pavillons et de palais impériaux édifié dans un grand parc sur le lac Kunming au nord de Beijing. Le Jardin pour cultiver l’harmonie (Yihe Yuan) avec sa polychromie riche est destiné depuis le XII°s. à accueillir les familles impériales en été.
Photo1. -2. La Cité interdite L’architecture magnifique de la Cité interdite représente l'essence et le point culminant de l'accomplissement de l'architecture traditionnelle chinoise, qualité essentielle de la culture colorée chinoise et la palette infinie des matériaux polychromes et de leurs significations cosmiques. L’art du Fen shui (« vent et eau » en mandarin) est une pratique que vise à harmoniser les relations entre l’homme et son environnement selon le concept de cinq éléments (wuxing). Selon ce concept le bois, le feu, la terre, le métal et l’eau se succèdent dans les cycles de création et de destruction, tandis que cinq points cardinaux (est, sud, centre, ouest et nord) ainsi que cinq couleurs (vert, rouge, jaune blanc, noir) leur sont associés. Photo3. Le temple du Ciel, exemple éblouissant de la couleur en architecture de la dynastie des Ming : une véritable illustration de la cosmologie chinoise il est destiné à offrir aux empereurs de Chine (considérés comme les Fils du Ciel) une passerelle vers le Monde céleste. Photo4. Le décor polychrome de la salle de la Prière pour des bonnes moissons illustre les principes de la cosmogonie chinoise par ses 5 couleurs symboliques. Le vert a été considéré comme étant la liaison entre le bleu et le jaune. Il n’y a pas de frontière stricte entre le bleu et le vert ; d’ailleurs, un seul mot, “tczi” désigne seul ces deux couleurs.
"La civilisation Chinoise, énigmatique et fascinante, a connu des changements apportés par l’alternance de dynasties au fil des millénaires, qui ont influencé sa culture, sa palette chromatique et le caractère symbolique de son art et son architecture...." L’exemple de la palette des couleurs naturelles de la Grande Muraille de Chine, construite essentiellement avec des matériaux locaux est très important.
La Chine : couleur et culture
Larissa Noury : peintre et styliste.
Pour être franc Larissa Noury me déséquilibre un peu car elle est un peu comme ces boules miroir de dancing qui jettent mille éclats lumineux à la fois. La tâche n’est pas simple convenez en, car notre artiste a un parcours des plus riches et atypiques. Née en Biélorussie, aujourd’hui elle vit et travaille à Paris sur le mont le plus célèbre du monde, le « Mont-Martre ». Sa formation universitaire est des plus sérieuses, art, architecture, coloriste urbaniste, Doctorat de l’école polytechnique de Minsk et cerise sur le gâteau école des Beaux-arts de Saint Pétersbourg etc. Grande spécialiste de la couleur elle est fondatrice de l’association C.E.C « Couleurs-Espace-Culture » dans l’esprit du célèbre maître du genre Michel Pastoureau, son directeur de doctorat et préfacier des ouvrages dont Larissa Noury est l’auteure traitant de la couleur dans la ville et dans la vie. Peintre confirmée tant classique que moderne Larissa Noury a étendu son talent à la mode en devenant styliste et coloriste, soutenue par un ancien collaborateur d’Yves Saint Laurent Jean-Marie Pujol. A ce stade nous nous retrouvons dans une parfaite harmonie et complémentarité entre les tableaux et les robes de haute couture.
Larissa Noury a la chance d’avoir pu exposer dans les grandes capitales ou villes du monde entier, Orient, Occident. Aux Etats Unis aussi. Mais revenons à ce que nous est visible et tangible aujourd’hui au-delà de sa superbe robe que porte Larissa Noury et qui nous enchante, sa peinture. Les œuvres de Larissa sont de la meilleure tenue, le travail est très professionnel et nous plonge dans un florilège de couleurs harmonieusement équilibré et fondu. Tout est de douceur et de délicatesse sorte de poudroiement d’ailes de papillons. Larissa Noury use beaucoup des pigments purs qu’elle mêle à la matière et travaille avec les doigts, jusqu’à trouver la judicieuse fusion chromatique, les justes rapports colorés sur la partition des mille nuances et des déclinaisons dégradées. Chez elle tout se veut tactile, à la mesure de la main. Elle effleure de couleurs ses toiles, les caresse pour les rendre encore plus séduisantes, les métamorphoses nous surprennent et nous transportent dans un univers intemporel. Au regard de certaines œuvres, je m’imagine parfaitement des cartons pour l’exécution de vitraux, ce qui serait magnifique, sorte de transcendance spirituelle loin de toute dogmatique, rien que la beauté, le rythme, l’harmonie et l’amour des couleurs. Larissa Noury s’exerce à rédiger de petits poèmes très évocateurs où elle transmet son ressenti, ce qui nous permet de mieux percevoir sa démarche et le but escompté.
L’art pour elle est une globalité, un tout qui se confond à l’universel, graphismes, formes, couleurs se mêlent, se déclinent, nous passons des tons chauds presque sensuels aux tons froids qui nous plongent dans les abysses les plus profonds. Larissa Noury materne, nourrit ses œuvres de la pointe des doigts pour y déposer le pigment, il y a ici comme un geste de fécondation, de germination. Ses œuvres pourraient presque se lire au simple touché, la matière détient son propre langage, sa poésie et d’ailleurs si vous êtes attentifs et observateurs, prenez alors le temps nécessaire et vous découvrirez un peu à la manière d’un palimpseste des traces d’écriture et de poésie incrustées dans la matière. Oui, prenez le temps de regarder une à une les œuvres de Larissa Noury qui réfléchissent un monde hors du temps, un monde presque intangible, mais toujours gorgé d’harmonie et de vie, mais surtout d’un univers où règne la beauté des couleurs.
Edouard Dullin : sculpteur.
Maintenant je me tourne vers notre jeune sculpteur, Edouard Dullin, dont l’œuvre se marie parfaitement aux travaux de Larissa Noury, lignes épurées et harmonies colorées sont au rendez-vous. Le lien ne se résume pas qu’aux couleurs car le principe de l’approche tactile est bien présent. Edouard Dullin s’intègre bien à la mouvance de sa génération où le numérique prend une place non négligeable dans le principe de ses œuvres, car il a bien conscience que ces nouveaux moyens de communications sont indissociables de nos vies. Edouard Dullin tente de composer l’idée du geste, du reflexe, de l’impalpable, la relation au numérique est incontournable, ce qui d’ailleurs donne une force très personnelle à son œuvre dont l’acte reste lié à la main. Chez lui la ligne, le volume, sont dynamiques, épurés, il joue avec la lumière se réfléchissant sur les angles vifs de ses sculptures. Il rêve un peu par défit, par bravade, ce qui fait la force de sa jeunesse, de modeler l’impalpable, de représenter le monde subtile et intangible du numérique, de souligner les phénomènes parallèles inconscients. Ce qui s’avère un rude défit, un comble même, dans une discipline où règne la matière, le solide. Véritable dualité entre le formel et le virtuel, saisir l’instant invisible mais programmé. Le numérique, le connecté modifient nos gestes, nos reflexes conditionnés, mais parfois la posture demeure car il y a peu de différence dans le geste entre le primitif tenant sa pierre taillée, le scribe gravant sa plaque d’argile et nos contemporains manipulant par addiction leurs smartphones.
Edouard Dullin tente de saisir la mutation qui nous vivons ou subissons actuellement et de l’immortaliser en la façonnant dans la matière. Preuve incontestable de la fragilité et vulnérabilité de notre société en déshumanisation, forte de ses illusions et faiblesses d’une implacable réalité qui viendra l’anéantir. Edouard Dullin porte sans doute à ce titre d’artiste le pressentiment de la vulnérabilité de notre socisété, de son système périmé, ce qui explique Sans doute la nécessité pour lui de fixer ses dans la matière, de le pérenniser dans le solide, le stable. »
Exposition ouverte au public du 05 au 18 Janvier 2018.
Photo 8. En présence de Mme Suzanne Dracius, écrivaine, Professeur de Lettres Classiques, Lauréat d’un Prix de la Société des Poètes Français. Photo 3-5-6-9-10-11. Détails de l’exposition. Photo12. Avec Sculpteur Edouard Dullin Photos Christian Delinotte, Milau Lutumba.
Photo 1. Affiche de l’exposition. Photo 2,7 Pour cet évènement Larissa porte sa création : La robe peinte et calligraphié des poèmes « Création du monde. Poème d’Amour » inspiré d’un triptyque qui porte le même nom. Photo 4. Avec Michel Bénard, représentant du Cénacle Européen des Arts et des Lettres, Lauréat de l’Académie Française et Chevalier dans l’Ordre des Arts et des Lettres.
« Bien chers(es) amis(es) bienvenues à tous et veuillez accepter tous les bons vœux de la Société des Poètes Français pour 2019 où nous optons pour un nouvel et humaniste élan d’espoir. Nous sommes très heureux de vous accueillir autour de nos deux artistes, très talentueux autant que singuliers, Larissa Noury, créatrice multidimensionnelle et Edouard Dullin, jeune sculpteur des plus prometteurs orientant sa création vers l’essentiel de la ligne esthétique. Dans un esprit de poésie courtoise en premier lieu je me tournerai vers Larissa Noury créatrice protéiforme, puisqu’elle conjugue et associe les arts par des formes d’expressions les plus variées.
« Poésie des Couleurs » est le titre de la nouvelle exposition des dernières créations de Larissa Noury, peintre-styliste et d’Edouard Dullin, sculpteur à la Société des Poètes Français, espace « Mompezat » dans le 6ème à Paris.
Cette exposition a bénéficié du haut patronage de SE l’Ambassadeur du Belarus en France Mr Pavel Latushka. Michel Bénard, représentant du Cénacle Européen des Arts et des Lettre, Lauréat de l’Académie Française et Chevalier dans l’Ordre des Arts et des Lettres a inauguré l’exposition.
Larissa Noury et Edouard Dullin vous invitent à l'Espace Mompezat
Nous avons le plaisir de vous convier
à l' Exposition-Vente des Peintures Tactiles
"Couleurs de Noël à Montmartre"
Rencontres avec Larissa NOURY,
artiste-peintre, designer-coloriste, architecte
qui va vous parler de ses techniques picturales et couleurs architecturées!
Portes ouvertes le Samedi 15 décembre de 12h00 à 20h00,
le Dimanche 16 décembre de 12h00 à 20h00
et le samedi 22 décembre de 12h00 à 20h00
chez "ARTESIENNE" 20 rue THOLOZE, 75018 PARIS
métro Abbesses, ligne 12 et Blanche, ligne 2
Invitation "Couleur de Noël à Montmartre" de Larissa NOURY
»
Le chef étoilé a préparé d'excellents plats pour cet évènement hors norme qu'il a tenu à organiser pour enchanter les papilles des convives avec le champagne de Xavier BATISSE, viticulteur depuis 1990 et les œuvres de couleurs tactiles de Larissa NOURY, coloriste, artiste, et architecte coloriste qui ravissent le regard du spectateur. Les merveilles de cette bonne table ont été mises en valeur par Dominique Fonseca, Meilleur Ouvrier de France. Riche d’une longue expérience dans les plus grands palaces, il a proposé une cuisine contemporaine, simple et gourmande.
Une riche palette de champagnes a été proposé par Xavier BATISSE. Issu d'une famille qui se transmet un patrimoine de génération en génération, il a caressé secrètement le rêve de créer sa marque de champagne en vinifiant ses propres vins depuis longtemps.
C'est en 2005 qu'il décide de passer du rêve à la réalité. Il a fait de cette merveilleuse aventure sa propre devise : " Ma passion est votre plaisir ! » ! Larissa NOURY a exposé ses grands formats dans le cadre du restaurant « Le coq hardi » qui lui a ouvert généreusement ses portes pour cette exposition originale. « Les tableaux de Larissa, au-delà de leur luminosité et intensité artistique, possèdent tous, à divers degrés, une évidente force vibratoire… Larissa est une coloriste de la sensibilité. Elle voit et elle a envie de nous faire apercevoir les couleurs invisibles dans un espace imaginaire. Sa technique originale nous fait découvrir la peinture d’une nouvelle logique de la beauté construite des lumières tactiles et des couleurs immatérielles. Elle a fait de la couleur et de sa passion une réelle profession, dont la devise est suivante : « La couleur c’est une espérance du bonheur dans la vie et dans la ville » ». « Le bonheur est vrai quand il est partagé s’exprimée elle lors de la soirée de l’inauguration. - Et je suis très heureuse de pouvoir partager mon bonheur avec toutes les invités de ce magnifique évènement ».
Plus d’information:
https://link.simple-mail.fr/v/443/9214f655f6d63717ad06d3805dca2e37a5f25ff83f1556a7
sur l’établissement « Le coq hardi » https://lecoqhardi.fr/fr/
L’exposition continue jusqu’à la fin janvier 2019. Plusieurs soirées thématiques et gourmandes sont prévues pendant cette période.
Photo 1. Les couleurs des vignes à Bourgogne, vue de Sancerre. Photo 2. Larissa Noury lors du vernissage chez « Coq Hardy ». Photo 3. Xavier Batisse, viticulteur, http://champagne-batisse-xavier.fr/, Larissa Noury, artiste-peintre-coloriste et Dominique Fonseca, Chef du Coq Hardy. Photo 4. Vue d’une salle d’exposition.
Photo 5. Dominique Fonseca, Meilleur Ouvrier de France. https://fr.wikipedia.org/wiki/Dominique_Fonseca. Photo 6-7. Les couleurs des Bourgogne : Bourges et ses magnifiques vitraux
La région de Bourgogne-Franche-Comté est connue pour ses vins et ses couleurs. En bord de Loire, un établissement représentatif du charme à la Française, « LeCoq Hardy», présente à ses clients une vue magnifique sur le fleuve et est connu pour avoir su harmoniser l’ancien et le moderne. Dominique FONSECA, le Chef du Coq Hardi de Pouilly sur Loire et son équipe ont organisé le vendredi 30 novembre un évènement d’exception, une soirée « Couleurs et Champagne » qui a réuni « Les Amis de la Vigne et de l’art » qui leur proposait l’effervescence des bulles de champagne mêlées aux harmonies de couleurs tactiles.
« Champagne et Couleurs en Bourgogne »
Le Conservatoire des Beaux-Arts (CFA) est une institution artistique crée à l'initiative de Dr Yuen Chee Ling, cofondateur et directeur du Conservatory of Fine Arts, en 1987, et ayant pour but de soutenir le développement des Beaux-Arts. La première exposition du festival d’arts « Her Presence in Colours » a eu lieu avec succès à l'Institut central des beaux-arts de Pékin, en Chine, en juillet 2003. Depuis lors, l’importance de cette série d’expositions n’a cessé de croître. À ce jour, les expositions internationales d'artistes femmes ont eu lieu dans les musées et les grandes galeries d'art d'État à Pékin (1993), Penang (1995-1997), Bangkok (1999-2000), Sheffield (Royaume-Uni). 2002),) Kuala Lumpur (2003), Melbourne (Australie-2004), Dague (Corée-2006), Pékin (OLympic-2008), ou encore Portland (États-Unis d'Amérique 2010), ou eHo Chi Min Ville (Vietnam 2012), Ulanbaatar (Mongolie-2014), et Kaohsiung (Chine Taiwan 2016). La XIIIème édition de l'exposition « Her Presence in Colours » a été organisée à Shanghai, et a connu un grand succès médiatique. Les objectifs de la série d’expositions « Her Presence in Colours » sont ambitieux :
« Promouvoir la bonne volonté et l’amitié internationale entre les femmes artistes par le biais de l’art ; Donner aux gens l’occasion de mieux comprendre l’essence unique de l’art des femmes et la contribution des femmes artistes à offrir leur art véridique et honnête ; Nous espérons également que, grâce à sa série Présence dans les couleurs, nous pourrons encourager l’amour, la compréhension et l’unité parmi les femmes artistes des pays concernés. Le thème "Her Presence in Colours" reflète l'esprit de cohésion des femmes artistes et leur passion intérieure pour la vie et l'art, leur préoccupation et leur conscience, leurs émotions et leurs aspirations. »
Egalement l’INWAC publie régulièrement l’ARTHER MAGAZINE qui met en lumière les créations et les parcours originaux de femmes artistes. En novembre 2018 avec le soutien de Mme LANMEI CHEN, Présidente de l’INWAC, la 7ème édition a vu le jour. Plusieurs visites de lieux artistiques, historiques, de centres d’art traditionnels ont enrichi le programme du festival : Wuzhen Dongzha Water Town, Lujiazui, Shanghai Tower, Furniture design center etc.
Cet événement a offert une occasion unique à des artistes établis ou émergents de divers pays (France, Etats Unis, Macao, Chine, Malaisie, Singapour, Thaïlande, Taiwan, Vietnam etc.) d’échanger, mais aussi de découvrir l'âme même des arts et des artistes de Chine. C’était une formidable opportunité pour les artistes d'améliorer la compréhension des styles contemporains d’expression artistique qui prévalent au niveau international. La prochaine édition prévue au Japon, Tokyo se prépare déjà avec l’enthousiasme par l’équipe de l’INWAC sous la direction de Mme Lanmei Chen et le président du LanPhoon Art Center Mr Han Rei Ma.
Photo 1. L’image nocturne de la ville de Shanghai est connue pour ses couleurs lumineuses. Photo 2. Larissa présente ses créations lors du lancement du festival "Her Presence in Colours" XIII au Grand Parc Hotel. Photo 3. Le Professeur du département Fashion Design, Donghua University, Mr Yuan Guoxiang, Larissa Noury, Mme Lanmei Chen, présidente de l’INWAC et le président du LanPhoon Art Center PhD. Han Rei Ma. Photo 4. Présidente du INWAC Thaïlande Ass.Prof. Dr. Chanida Kanchanalarp, Larissa Noury, Mme Lanmei Chen, présidente de l’INWAC lors du vernissage à Yinuo Art Gallery.
Photo 5. La Présidente de l’INWAC à Shanghai Ass.Prof. Dr. Jing Wang, Larissa Noury, Mme Lanmei Chen, présidente de l’INWAC, Yiming Zhang, directeur Yunio Art, Qiumin Tu , curateur lors du vernissage à Yinuo Art Gallery. Photo 6. Le groupe des artistes en visite du jardin Yida Herbs Garden. Photo 7.-8 Détails de l’exposition. L’œuvre de Larissa « Source of Motherhood ». Photos Yuan Guoxiang, Larissa Noury, Gary Khoo.
Un évènement artistique de grande échelle a été organisé du 8 au 16 novembre à Shanghai, en Chine par l’International Women Artists Council (INWAC) / CFA, et l’International Women Artists Association en partenariat avec la Yinuo Art Gallery. Depuis sa première manifestation en 1993, ce Conservatoire des Arts Plastiques organise un festival d’art qui s’est fait remarquer pour sa particularité. Cette année, Il proposait à un ensemble des femmes artistes venues des 4 coins du monde de traiter le thème de la maternité et de la terre natale («MOTHERHOOD/MOTHERLAND»). Le festival international a mis en valeur les œuvres des créatrices aux techniques et expressions différentes, célébrant en quelques sortes une alliance entre les Beaux-arts et la question des droits des femmes.
« Conservatoire des Beaux Arts à Shanghai »
L’Egypte est particulièrement riche en minéraux, y compris des pierres de plusieurs coloris et de différents degrés de solidité : le calcaire blanc, le grès ocre, le quartzite rouge et jaune, le granit rose, la granodiorite noire, le gneiss gris aux veines blancs, la grauwacke verte, la stéatite brune ou marron, et la brèche tachetée veinée de jaune foncé, de rouge et de gris de diverses nuances. Lors de la création des grandes pyramides et des temples, on utilisa beaucoup de granit rose et gris d’Assouan, de la diorite noire, de la péridotite vert gris, de l’onyx rouge, blanc et noir: cela a formé une polychromie naturelle. Toutefois, suite aux particularités de la religion et du regard esthétique, toutes les pyramides et temples ont exigé un traitement décoratif des surfaces, car cette civilisation était caractérisée non seulement par son amour de la vie, mais aussi par sa croyance en la vie éternelle. Voilà pourquoi ces bâtisseurs érigèrent des monuments prestigieux qui préparaient au départ vers les rives éternelles. Toutes les créations architecturales (temples, mastabas, pyramides, tombes) à travers leurs décorations « exprimaient une symbolique cosmique, grâce à laquelle la puissance terrestre de Pharaon était garantie, entretenue, rénovée par le mouvement éternel des astres, c’est-à-dire l’énergie même qui anime l’univers » (Christian Desroches-Noblecourt, La Grande Nubiade, Paris : Stock.)
Par exemple les Pyramides de Guizeh étaient recouvertes de pierres lissées comme un miroir. La pyramide de Mykérinos a été revêtue de pierres noires jusqu’au milieu de sa hauteur. Les pyramides de Kheops et de Khephren ont été revêtues de pierres blanches. Le revêtement de la Grande Pyramide a été connu pour son aspect gris métallisé et réfléchissant, avant d’être pillé au VII° siècle. Ses surfaces polies constituaient une sorte de miroir solaire.
La palette des pigments utilisés dans la peinture est basée comme dans les autres civilisations anciennes sur les ocres rouges et jaunes. Elle y ajoute un bleu intense, des verts de sels de cuivre ainsi que de nombreux minéraux colorés. Déjà sur les fresques antérieures à la fin du quatrième millénaire, apparaissent certaines conventions, certains procédés auxquels les peintres égyptiens demeurèrent toujours fidèles : l’emploi de l’ocre rouge pour les corps masculins, de l’ocre jaune pour les nus féminins, du noir et du blanc (auxquels s’ajouteront le bleu et le vert) pour le reste.
On a utilisé beaucoup d’objets en or, en albâtre, en pierres précieuses (lapis-lazuli, turquoise, cornaline, amazonite, quartzite, jaspe), en faïences siliceuses, en verres bleus, verts et rouges. Par exemple, dans les grandes salles du Palais d’Akhenaton se dressaient 542 piliers en forme de palmiers aux chapiteaux en or massif. Des fragments de lapis-lazuli et des vernis multicolores incrustés dans les épaisses courbes du métal précieux soulignaient les intervalles entre les feuilles. Les troncs des colonnes étaient recouverts d’une épaisse couche d’or, tandis que leur socle et leur chapiteau étaient ornés de pierres précieuses… le dallage, les murs et le plafond entièrement étaient décorés des plus exquises représentations de la vie animale et végétale. Parfois, on remplaçait les pierres naturelles par de l’argile, en revêtant celle-ci d’une couche de peinture dont les images exprimaient dans leurs lignes et leur couleurs la joie de respirer la lumière de jour. C’était plus qu’une nouvelle technique, le mouvement était rendu grâce à la couleur, l’expression étant soulignée au-delà même de la perfection de la forme.
L’architecture des sanctuaires de Karnak, par exemple, matérialise grâce à la pierre, dans l’espace et la durée, les conceptions fondamentales de cette civilisation sur l’équilibre cosmique. Sur tous les murs de cet ensemble, les inscriptions et les représentations gravées illustrent à jamais le dialogue suprême entre les dieux de l’Egypte et Pharaon. Le symbolisme des couleurs de l’Egypte est également lié aux différents éléments. Les bas-reliefs des temples et les visages du Sphinx ont été peints de la couleur rouge terra cote (oxyde de fer, ocre rouge brûlé). Cette couleur n’a pas été choisie au hasard : elle symbolisait l’énergie et l’éternité de la vie de Pharaon. La couleur rouge sacrée représentait la couronne de la Haute Egypte, le symbole du sang versé par Osiris pour la prospérité de l’Egypte. C’est également la couleur du soleil levant sortant de dessous la terre ou la mer au petit matin, la couleur de Seth, bénéfique et énergétique. Mais sa nature est très ambiguë : elle représente le danger, le phénomène brutal, le feu, le désert, l’aridité.
La formalisation des règles de la polychromie architecturale de l’ancienne Egypte était liée à la symbolique religieuse de certaines couleurs dans la composition des temples égyptiens. La palette de couleurs chez les égyptiens n’est pas très développée ni très riche. Elle comprenait : l’ocre rouge terra cote, l’ocre jaune, le bleu turquoise, le vert, le violet, le blanc et le noir. Mais ces couleurs n’étaient guère appliquées que sur les différentes surfaces des temples et des tombeaux :
- Pour les surfaces des plafonds, on utilisait les bleus, l’indigo et le turquoise foncé comme symboles du royaume céleste d’Isis. Par exemple, dans le planisphère du Temple de Dendérah, un zodiaque circulaire est peint sur le plafond : le fond du ciel en bleu azur, les étoiles en blanc, les planètes en jaune doré tandis que les figures étaient couleur chair et les vêtements rouges et blancs.
- Les surfaces verticales, les bas-reliefs et les visages du Sphinx étaient ocre rouge terra cote, symbole d’éternité et de noblesse, de distinction de la race rouge égyptienne ;
- Pour la peinture du plancher, on employait la couleur vert sombre comme symbole du royaume souterrain d’Osiris, signe d’éternité de la terre et de la nature ;
- Pour « renforcer » la structure d’un temple ou d’une demeure royale on plaçait dans les fondations les briques « magiques » en faïence bleue turquoise, assurant - espérait-on - la protection du bâtiment pour l’éternité ;
- La couleur blanche était parsemée un peu partout comme un symbole de virginité et d’éternité. Associée à la couleur noire elle symbolisait le voyage diurne du soleil dans le ciel à l’opposé et en lien avec le noir, considéré comme la couleur du voyage nocturne dans l’obscurité sous terre.
- Le jaune est la couleur du soleil, de l’or et des dieux dans les tombes égyptiennes. Cette couleur qui symbolise aussi l’or des chars des divinités et leurs puissances est très souvent associée au bleu pour assurer la survie de l’âme du défunt. L’Or du soleil émergé de dessous la terre est porté par scarabée sacré en bleu outremer ou turquoise.
La polychromie en art et architecture égyptiens allait jouer un rôle qui n’allait cesser de croître : non seulement, à partir de l’Ancien Empire, on coloriait les reliefs, mais encore on décorait à la fresque les murs des tombes et on ornait les parois stuquées des mastabas. Les inscriptions hiéroglyphiques prenaient place dans la composition, expliquant, de registre en registre, les scènes représentées, et ajoutaient à la figuration un élément décoratif qu’il ne faut pas négliger. Pendant la 12ème dynastie, l’ornement décoratif est apparu dans l’architecture égyptienne. Son dessin était très net grâce à l’emploi d’un fond éclatant et coloré, qu’il s’agisse des frisettes, des palmettes ou des rosettes. Cet effet créait une illusion de relief (irradiation), d’un espace plus vaste et étendu. Cette évolution montre l’importance de l’apport des technologies permettant d’élaborer des pigments et des nuances enrichissant la palette naturelle.
Photo 2. Le Sphinx de Guizeh : mi-homme, mi-felin il est représenté sous les traits du rois Khefren, frère et successeur de Chéops. C’est une des plus grandes sculptures monumentales au monde : 57m de longueur totale, 20m de hauteur, largeur maximale de 14 mètres ; hauteur de la tête : 5,20 m. Le Sphinx est comme le gardien du temple face à d’éventuels pillards. Le corps et la tête sont taillés à même le roc (les archéologues évaluent à environ un million d'heures le temps qui a été nécessaire pour sculpter le Sphinx). À l'origine, et selon les écrits et les traces présentes sur le visage, le sphinx devait être entièrement recouvert de plâtres peints, le visage et le corps en rouge, le némès (la coiffe la plus emblématique des pharaons) en bleu et jaune, comme il était courant de le faire dans la statuaire égyptienne. Photo 3. Deir-el-Bahari. La polychromie du temple de Hatchepsout. Bas-reliefs et plafond étoilé du mammisi (maison de la naissance). Photo 4. La Reconstruction chromatique du Portique du temple de Philae. Dessin : David Roberts. Photo 5. Le Bleu égyptien unique pour l’époque suppose une technologie bien avancée. Il était obtenu à partir de la silice ou du cuivre, du quartz, de la malachite, du calcium ou du natron. Cette production était connue depuis 2600 avant JC. Ses nuances pouvaient varier du bleu-vert au turquoise et au cobalt, jusqu’au bleu outremer. Le Bleu lapis – lazili venait d’Afghanistan et servait pour les incrustations. Photo 6-7-8. L’harmonie du Bleu et de l’Or, les œuvres exposées au Musée de Caire. Photo 9-10-11. Le monastère Sainte Catherine est un magnifique ensemble construit en pierres locales en haute altitude dans le Sinaï. Il est un de plus beaux exemples de l’art et l’architecture avec ses couleurs magnifiques datant de l’époque byzantine. Photo 12. La palette naturelle des couleurs des montagnes de Sinaï. Photo13. Larissa Noury, architecte coloriste sur le site du plateau de Guizeh.
Photo 1. Le plateau de Gizeh et ses surprenantes pyramides. La position de ces pyramides reproduit la position des trois Etoiles du bouclier d’Orion, tandis que la Voie Lactée est considérée comme « Nil du Ciel ». Il est dit que les monuments d’Egypte sont « le miroirs » du ciel.
Parmi les civilisations antiques, celle de l’Egypte se distingue par l’emploi constant qu’elle a fait de la couleur. La palette chromatique naturaliste égyptienne est incomparablement plus riche que ses sœurs préhistoriques. La polychromie en art et architecture de l’ancienne Egypte, comme dans toute la civilisation des Pharaons, a été caractérisée par des constructions exceptionnelles de pierre à partir de 3000 avant J.-C.
« La couleur de l’ancienne Egypte »
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En 2011 elle représente ses livres sur l'étude chromatique au congrès mondial du design CIPED, Lisbonne et de l’AIC - Association Internationale de la Couleur à Zurich, Suisse, en 2012 en AFSF, Californie et en Chine, Ningbo. En 2013-2015 - Oaxaca, Mexique, «Image of the city: colours, cultures, architectures», Newcastle, Great Bretagne «Colour harmony in an architectural environment», Tokyo, Japon, et Portland en Oregon, Etats Unis. Musées & Collections publiques, MS Museum of Art, Mississippi, USA, Ningbo People’s Museum, Chine Kyungpook National University Art Museum , Dae-Gu, Corée du Sud, Musée d’Art Contemporain, ХIAO, Malaisie, Musée Yavorov, Bulgarie, Musée d’Art Moderne, Paris, GLF, Grats Décor, San Francisco, Etats Unis. DISTINCTIONS : Prix de création, Centre National du livre pour le projet « Couleurs. Cultures. Territoires » (Ministère de la Culture, Paris, France), 2013 Médaille d’Argent, Société Académique « Arts-Sciences-Lettres »( Paris, France), 2012. Grant du Gouvernement Français, Ministère des Affaires Etrangères (Paris, France), 1998 Grand Prix de la Fondation Georges Soros (Etats-Unis), 1997 Grand Prix de l’Institut Suédois (Stockholm, Suède), 1995 Grand Prix de l’Union des Architectes de Russie (Moscou,Russie), 1991.
Larissa en tant que peintre, cherche à créer une harmonie de lumières tactiles et de couleurs immatérielles. Son style est original et inventif. « Les couleurs sont l’expression de la profondeur ramenées à la surface des choses. » - Ce point de vue novateur sur la couleur initié par Paul Sézanne est mis en avant d’une autre manière dans les toutes les nouvelles compositions de Larissa Noury. Les grands tableaux aux couleurs éclatantes, dont le rythme et les textures pourraient nous évoquer la nature, le ciel, les éléments, à l’image de ceux de Monet, Kandinsky ou Zao Wou-Ki, nous font découvrir par la peinture une nouvelle logique de la beauté, construction de lumières tactiles et de couleurs immatérielles.
L’Art pour moi est un moment de l’extériorité. Rappelez-vous : « on ne voit bien qu’avec le cœur » (Antoine de Saint-Exupéry) ? Je n’ai pas de couleur préférée dans ma palette, comme je n’ai pas de lettre préférée dans un alphabet. Par contre, ce que j’aime, ce sont des phrases construites composées à partir des nuances chromatiques, qui ont du sens et sont riches en harmonies. « Mes couleurs sont opaques ou irisées, mâtes ou brillantes ; elles se chevauchent et s’interpellent pour évoquer le sentiment du flottement dans un espace à la fois universel et personnel. Au-delà du temps mais pleines d’une énergie qui vient de la nature, mes couleurs architecturées créent pour vous une atmosphère du bien-être. L’intelligence de la couleur est une espérance du bonheur. »-
Larissa Noury
Larissa Noury est Artiste-peintre et architecte-coloriste, Auteur Docteur en Arts (Bordeaux, 2004) et Architecture (Saint-Pétersbourg, 1988). Présidente-Fondatrice de l’association « Couleur-Espace-Culture » . Membre de la Société Académique d’Education « ARTS-SCIENCES-LETTRES » Membre du СFС - Centre Français de la Couleur. Membre de l’Association Internationale de la Couleur Membre de la Fondation Taylor International Women Artists Council - INWAC, ART GROUP INTERNATIONAL. Publications : « La couleur dans la Ville », Préface Michel Pastoureau, Editions « Le Moniteur », 2008 « Symbolique. La ville en couleurs », Editions « Huitième jour », 2010 « Rêve d’Harmonie », art-vidéo, 2009 Logiciel «Harmony of Colors», publié sur MAC APP STORE, 2012 traductrice-illustratrice du livre de Linda Bastide « 13 pas sur les pavés bleus de Montmartre » en 2014, publié par l’édition Flam. En 2009 elle présente ses livres et les créations artistiques en Australie, Sydney et en Malaisie, Penang et Kuala Lumpur. En 2010, elle représente la France au musée BUND dans le cadre de World-expo « Better city – Better life » à Shanghai, en Chine, à Madrid AF de l’Espagne, ensuite à Portland, Oregon, et à San Francisco, Californie aux États Unis d'Amérique, en Argentine, Mar del Plata, etc...
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