Photo1. La Foire de Paris, Entrée principale à Porte de Versailles. Photo2. Tous les inventeurs du Concours Lépine 2019. Photo3. Larissa Noury : démonstration d’un « tableau vivant » « Espérance » au salon Nature et Art de Vivre » dans le cadre du concours Lépine. On peut lire dans le livre d’Or : « La sublimation d’une femme par ces belles créations qui montent la Féminité au pinacle de la Beauté », « Magnifique rencontre pleine de vie et de couleurs chatoyantes et envoutantes, bravo ! », « La Couleur c’est une vie, c’est elle qui fait vibrer nos vies… merci pour votre belle expression originale », « Larissa, vos couleurs et vos expressions sont magnifiques. Arc-en-ciel qui diffuse son rayonnement translucide et si coloré qui attire dès le premier regard. Merci de rendre vivants l’Art et la Couleur ! », « Félicitations pour cette Médaille d’Or ! Quel mérite ! Belle continuité entre l’Art et la Mode, super stand ! Bonne et belle continuation ! », « La création fait partie de notre âme, on ne voit pas qu’avec les yeux… je suis tombé sous votre charme et votre élégance, vous êtes une vraie révélation d’artiste, c’est un Tout ! », « Magnifique ! Sublime en légèreté, voyage amoureux illimité, rayonnement universel de beauté, poignant d’émotions fertile… », « J’ai été ébloui par ces tableaux vraiment vivants, bravo Artiste, vous faites parler des couleurs », « Merci pour ce que vous faites et pour ce que vous êtes », « Le détail est la perfection, mais la perfection n’est pas un détail » selon Leonardo da Vinci, votre art offre les deux, ravi et bravo pour cette explosion de Beauté et des Couleurs somptueuses ».
Photo 4,5,6. Le stand présentant les projets de Larissa et Benjamin Kerlirzin - l’ITECOM Art& Design a eu beaucoup de succès.
Photo7. Liku Maria Takahashi, artiste contemporain de Tokyo, Japon.
Photo8.-9. Médaille d’Or et Diplôme d’Honneur du Concours Lépine.
Voir plus des photos : https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10219391466077602&type=3
Le Concours Lépine International Paris a été organisé dans le cadre de la Foire de Paris comme tous les ans, au printemps. Le CONCOURS LÉPINE 2019 c'est 118 ans d'inventions et d'innovations qui ont changé notre quotidien ! Fondé en 1901 par le Préfet de Police Louis Lépine, le Concours Lépine a une double mission: soutenir les Inventeurs et Créateurs français, mettre à l’honneur et promouvoir l’Invention, l’Innovation et la Création par le biais de ses concours-expositions. Cette année il a ouvert ces portes du 27 avril au 8 mai 2019 à la Foire de Paris au Pavillon 2.1 Porte de Versailles, au parc des expositions. Plus de 500 inventions ont été mises à l’honneur cette année, y compris venant de pays étrangers comme Taiwan, la Chine, ou la Pologne. Toutes ces inventions et innovations ont été sectorisées par thème: L’univers connecté Concours Lépine ; Nature & Art de Vivre ; Santé & Nouvelles Technologies ; Transport & Industrie & Le Monde Inventé ! La carte à puce, le VTT, la machine à vapeur, le stylo bille, la machine à coudre… ces objets font aujourd’hui partie intégrante de notre quotidien, qu’ils ont amélioré, symbolisant la modernité et le progrès de notre société. Ils n’ont pourtant pas toujours existé : chaque innovation historique est en effet le fruit d’une découverte française majeure, et découle de projets divers. En 2019 Laurent Tonnelier a reçu le Prix du Président de la République 2019 – Xtag pour son invention Profil personnel & informations personnalisées pour la gestion des allergies. Le Grand Prix du Sénat – Médaille a été attribué aux Joseph Collibault, Gérard Lecomte & Pierre Herrburger – Scootpartoo pour le Fauteuil électrique à chenilles tout terrain. Larissa Noury a reçu la Médaille d'Or au CONCOURS LÉPINE INTERNATIONAL PARIS 2019 pour ses "Tableaux Vivants: Peinture sur toile et sur textile » réalisés en collaboration avec Jean-Marie Pujol, couturier. www.concours-lepine.com/inventions/2019/127-noury-larissa/ . Le Stand de l’équipe de l’ITECOM Art&Design a été distingué aussi par la médaille d’argent (Benjamin Kerlirzin pour « Dominoblique : Réinterprétation graphique du jeu de dominos » ) et la médaille de bronze (Nicolas Trub Stilic Force pour son « Support de savon pour la douche » ). Plusieurs autres participants ont été primés pour des inventions originales et techniques, et on peut découvrir la liste de palmarès ici : www.concours-lepine.com/palmares/concours-lepine-international-paris-2019/medailles-dor-du-concours-lepine-2019/ . Bravo à tous les inventeurs venus présenter leurs innovations et inventions au Concours Lépine International Paris 2019, dans le cadre de la Foire de Paris! Rendez-vous le 11 octobre prochain au Concours Lépine Méditerranéen Montpellier 2019 !
La Foire de Paris présente les nouveautés, produits et services qui permettent d'améliorer et d’embellir notre quotidien. Cette année encore, des rendez-vous inattendus et des exposants toujours plus nombreux nous ont étonné. Plus de 3 500 marques ont été présentes, 468.000 visiteurs sur 12 jours, 222 millions d’euros de chiffre d'affaires. Comme toujours c'était un voyage vers les cultures du monde, une escale gastronomique avec une offre de restauration pour tous les goûts, mais aussi l'événement de référence pour embellir l’habitat (construction, rénovation, ameublement) pour le loisir, l'artisanat et la gastronomie …
Concours Lépine à la foire de Paris
Durant plus de 10000 ans l'homme a occupé cette région dans laquelle fusionnent les traits naturels, archéologiques, culturels et géologiques. Habitée depuis la préhistoire, cette cité nabatéenne de caravaniers, située entre la mer Rouge et la mer Morte, fut dans l'Antiquité un carrefour important entre l'Arabie, l'Égypte et la Syrie-Phénicie. A moitié construite et à moitié sculptée dans la roche à l'intérieur d'un cirque de montagne percé de couloirs et de défilés, Petra est un site où se mêlent les influences de traditions orientales anciennes et l'architecture hellénistique. Nul ne sait précisément aujourd'hui quand Petra fût fondée, mais la ville a commencé à prospérer comme capitale de l'Empire nabatéen au 1er siècle avant J.-C. Elle s'est enrichi grâce au commerce de l'encens, de la myrrhe et des épices.
Petra a ensuite a été annexée par l'Empire romain et a continué à prospérer jusqu'à ce qu'un grand tremblement de terre en 363 détruise une grande partie de la ville. Suite aux changements des routes commerciales par la suite, la ville fût complètement abandonnée et perdue pour tous sauf pour les Bédouins de la région. Les magnifiques vestiges de la cité nabatéenne ont été redécouvertes en 1812 par un explorateur suisse, Johannes Burckhardt. Depuis, la cité perdue est devenue de mieux en mieux connue en Occident comme étant une ancienne ville fascinante et merveilleuse. Des tombeaux ont été découpés dans les flancs de la montagne, des temples, un théâtre suite à l'annexion romaine, et plus tard une rue de colonnades et une église d’influence Byzantine. Le Trésor ou Al Khazna est un des sites les plus magnifiques de Petra. Construit probablement au 1er siècle avant J-C. il a été conçu pour cacher le Trésor du pharaon si on en croit la légende locale. La façade taillée dans le rocher mesure près de 40 m de hauteur et est finement décorée. Elle est ornée de chapiteaux, de frises et de colonnes, et est de couleurs rose, brune, ocre rougeâtre qui changent de nuances en fonction de la position du soleil. Cette façade magique s'ouvre devant le spectateur depuis le Siq. Le Siq est une gorge étroite, représentant une fissure naturelle de la montagne qui détient également des nombreux vestiges du passé de Petra (une route pavée, la station Sabinos Alexandros, deux canalisations d'eau et des pierres sacrées). Bab Al Sic est un ensemble des tours monumentales et de quatre pyramides creusées dans la roche, et qui forment un tombeau.
Le théâtre est sculpté dans le flanc de la montagne au pied du Haut lieu du Sacrifice. C'est le seul théâtre au monde sculpté dans la roche: avec ses 7 escaliers et trois rangées de sièges il pouvait accueillir 4000 personnes. Les Tombeaux royaux sont les créations les plus extraordinaires. Construits du 1er au 3 ème siècles après J.-C. Ils composent la fin de la voie principale au milieu de la ville. Ils apparaissent sous la forme de 4 magnifiques façades adjacentes sculptées dans le rocher. Ces tombeaux, en plus d’être remarquablement sculptés, sont encore rehaussées par les polychromies naturelles et tourbillonnantes des roches, ce qui orne encore les façades et les espaces intérieurs. Les styles architecturaux sont à la fois nabatéens et hellénistiques.
Aujourd'hui les façades complexes aux couleurs splendides creusées dans les falaises de grès rose demeurent comme les structures et monuments remarquablement préservés, témoins silencieux de la civilisation fascinante et de la cité majestueuse Petra, la capitale des nabatéens.
Wadi rum est un autre site unique en Jordanie. De grandes étendues de sable ocre, des formations rocheuses rouges ou encore des arches sculptées naturelles font du Wadi Rum un désert unique au monde : un lieu magique! Le désert du Wadi Rum (cela se prononce « Wadi Roum ») se situe à l’extrémité sud de la Jordanie, à proximité de la frontière avec l’Arabie Saoudite. Le terme « wadi » signifie « vallée » en arabe. Le Wadi Rum (وادي رم en arabe) est parfois également appelé « Vallée de la Lune ». Dès les premières minutes passées dans le Wadi Rum, on comprend pourquoi ce surnom a été donné à ce désert! Cette zone de la Jordanie est peuplée depuis plus de 10 000 ans. Plus de 20 000 pétroglyphes dispersés dans le désert du Wadi Rum témoignent de cette occupation humaine depuis des milliers d’années. Comme son nom l’indique, géologiquement parlant, le Wadi Rum est une vallée qui a été creusée par l’érosion d’un cours d’eau dans les roches de grès et de granit, très présentes dans cette région de la Jordanie.
Le Wadi Rum, désert de sable et où l’ombre est quasi-inexistante présente des paysages peu variés. Certes on y trouve quelques dunes. Mais ce désert est avant tout connu pour ses nombreuses montagnes et ses falaises de grès. C’est justement ce qui fait que chaque endroit du Wadi Rum est unique et fascinant, surtout pour les amateurs de nature et de grands espaces. Le désert du Wadi Rum est également doté de merveilles de la nature comme des arches naturelles. L’arche Umm Fruth est facilement accessible et il est possible de grimper au sommet de l’arche en quelques minutes et sans danger. Ce sont de grandes étendues de sable entourées de grandes montagnes oranges et rouges, on se croirait dans des paysages du Far West comme la Monument Valley. En effet il s'agit d'un paysage désertique très spectaculaire, avec des canyons, des arches naturelles, des falaises, des rampes et des grottes. La présence de pétroglyphes, des inscriptions gravées et des vestiges archéologiques, témoigne de 12 000 ans d'occupation humaine et d'interaction avec l'environnement naturel. La combinaison de 25 000 pétroglyphes et de 20 000 inscriptions retrace l'évolution de la pensée humaine et les débuts de l'écriture alphabétique. Le site illustre l'évolution des activités pastorales, agricoles et urbaines dans la région. Il existe des dunes de sable sur lesquelles on peut surfer!Il y a aussi d’immenses gorges où l’on peut découvrir avec stupeur des gravures qui datent du 3ème siècle pour les plus anciennes. Au moment où le soleil commence à tomber, les couleurs du désert deviennent magiques. Tout s’éclaire autour d’une douce lumière orange. Ce spectacle est époustouflant et chaque coucher de soleil est hors du commun. Umm qais est un site très pittoresque au nord du pays à 20km d'Irbid. Dans la ville se trouvent les ruines de deux théâtres, d'une basilique, d'un temple et de nombreux autres bâtiments importants, ce qui démontre l'existence d'une grande ville. Une rue pavée bordée d'une double colonnade traverse la ville d'est en ouest. Un aqueduc apportait l'eau depuis le mont Hermon et passait à Abila, c'était un des plus longs de l'Empire romain.
Une vue époustouflante s'ouvre lorsqu’on arrive à un espace de végétation qui offre un panorama surplombant plusieurs pays: Israël, la Palestine, la Syrie, le Liban et la Jordanie. Site du célèbre Miracle des Pourceaux, l'antique Gadara est aujourd'hui connu pour être un centre culturel. Elle fut le foyer de plusieurs poètes classiques et de philosophes, dont Théodore, fondateur d'une école de rhétorique à Rome. Elle fut appelée 'la nouvelle Athènes”. Le site est inscrit sur la liste du patrimoine mondial de l'Unesco depuis 2001. Des panoramas à couper le souffle nous éblouirent avec des lumières inondant la roche, les dunes et les étendues d’eau. Eau cristalline, blancheur du sel, camaïeux d’ocres rose et rouge, les verts profonds des oasis, c’est une palette riche : la Jordanie est un pays aux mille et une couleurs.
Petra est connue sous le nom de la cité rose à cause de la magnifique couleur du rocher dans lequel la plupart de structures de la ville ont été sculptées. L’UNESCO a classé cette ville parmi les « sept nouvelles merveilles du monde » en 2007.
Photo1,2,3,4,5 .L’atmosphère chromatique de Pétra (de πέτρα petra, « rocher » en grec ancien de son nom sémitique Reqem ou Raqmu (« la Bariolée »), ancienne cité troglodytique est unique. A moitié taillée dans la pierre, à moitié construite, cette cité en pierre bariolée surgit d’un paysage rocailleux et possède plusieurs grottes et gorges habitées. Elle est composée de grès, roche détritique issue de l’agrégation et la cémentation (ou diagenèse) de grains de sable. Elle est organisée en strates qui offrent parfois des déclinaisons de couleurs chatoyantes, allant du jaune au violet en passant par le rose, renforcées par l'intensité de la lumière.
Photo 6,7,8,9. Wadi Rum. Etendue désertique, éperons rocheux verticaux, canyons, arches naturelles, falaises… Le décor d’un western n’a rien à envier au Wadi Rum.
Photo 10,11,12. Umm qais. Les sites de vestiges romaines mis au jour offrent des témoignages majeurs de la vie de la cité dans les temps anciens.
La Jordanie est un pays de couleurs: la mer Rouge, Pétra la Rose, Amman la Blanche, sans oublier l’orange, le jaune et l’or du désert et des vallées (Wadi)...
Les couleurs de Jordanie : Petra, Wadi Rum, Umm Gais.
Vingt-cinq artistes du monde se sont ainsi réunis à Irbid et à Amman (Jordanie) pour exprimer par leur art et à travers leurs multiples cultures cet espoir d’harmonie. AlRowad, association pour les arts plastiques en collaboration avec Art Gallery Today, a réuni des artistes reconnus venus de différents pays pour participer à l’International Art Petra Painting Symposium en Jordanie du 11 au 16 avril 2019.
Les participants sont venus de 20 pays (Allemagne, France, Italie, Norvège, Suède, Turquie, Yémen, Arabie Saoudite, Jordanie, Iraq) et représentaient des tendances actuelles de l'art contemporain dans la peinture, la photographie, le collage, la musique et la performance. En travaillant sur ce sujet noble, les artistes des quatre coins du monde ont cherché à créer un univers parfait rempli d'amour, de beauté, du bonheur de vivre en paix.
Le programme des activités a inclus le Art workshops, les visites de lieux artistiques, notamment Jalaad Cultural Center à Amman et touristique pour permettre aux participants de mieux découvrir l’art, l’architecture et la culture de ce pays riche en histoire. Le programme a débuté avec les visites de la ville d’Irbid et de ses vieux quartiers, celle Umm Qais, les ruines de la cité antique Gadara et le point panoramique permettant de découvrir les paysages de cinq pays : Israël, Palestine, Syrie, Liban et Jordanie. Le soir, les artistes ont pu voir une idée magnifique couchée de soleil dans ce lieu symbolique avec une vue sur le magnifique lac Al Arayes.
Puis grâce au trajet en bus à la destination de Petra, les artistes ont eu la chance de voir la beauté du désert et des montagnes. Pétra (« pierre », en grec) est l’un des plus beaux sites archéologiques du Proche-Orient, encore habité par les Bédouins. Ses longs canyons, falaises et belvédères, ses grès colorés et ses vastes tombeaux nabatéens, creusés et sculptés dans la roche, en font un lieu magique et incontournable. Pétra mérite bien son surnom de « cité rose ». Les artistes ont pu découvrir la Jordanie qui est avant tout le pays des couleurs: la mer Rouge, Pétra la Rose, Amman la Blanche, sans oublier l’orange, le jaune et l’or du désert et des vallées (Wadi)...
Pendant trois jours, les créateurs ont produit un ensemble d’œuvres de techniques multiples comprenant plusieurs peintures à l’huile, acrylique, aquarelle sur le thème de l’architecture, des monuments et des paysages historiques jordaniens, reflétant ce qui avait été vu et avait particulièrement touché les artistes participants. Le symposium s’est terminé par l’inauguration de l’exposition au Centre culturel d’Irbid, sous le haut patronage du Ministère de la Culture de Jordanie, avec un concert de musique et de poésie traditionnelles.
Lors de ce séjour, les artistes internationaux ont été parfaitement bien reçu par les Jordaniens qui ont du sens de l’hospitalité si caractéristique des peuples arabes. Le sourire, le plateau de thés, les délicieux gâteaux…, tout fut un accueil généreux et parfaitement maîtrisée.
Photo1. L’Affiche de l’évènement Art Petra International symposium. Photo2. Les artistes participants de symposium à Umm Qais. Photo3-4. La vue Panoramique d’Umm Qais. Photo 5-6-7. Les artistes du symposium en visite à Petra. Photo 8-9. Visite du Musée privé Jalaad Cultural Center à Amman. Photo 10-11. Lors de la soirée de l’inauguration au Centre culturel d’Irbid. Photo 12. Larissa avec Dr Oktay Kose (Turqui) et Dr Khalil Kofahi (Jordanie), le président de l’association AlRowad pour les arts plastiques de lors de la soirée de l’inauguration
Voir plus de photos dans un album PETRA ART/ALROWAD INTERNATIONAL PAINTING SYMPOSIUM 11-16.04.2019 : https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10219220427121735&type=3
« La peinture est une poésie qui se voit au lieu de se sentir et la poésie est une peinture qui se sent au lieu de se voir » – disait Léonard de Vinci. La poésie de la Nature est une source d’inspiration pour les créateurs des arts plastiques, qui permet de l’expression et le reflet de la beauté et de l’Harmonie sous des formes différentes.
International Art Petra Painting Symposium en Jordanie
Parmi les invités – les représentants du monde de l'art, de la mode et de la culture, venus de différents pays : Japon, Etats Unis, Monaco, Allemagne, Chine, Russie, Belarus, Congo, Côte d’Ivoire, Djibouti…
Et aussi « Bravo pour l’énergie et l’imagination qui se dégage de vos œuvres ! », « …de la Couleur de vos yeux se reflète dans vos toiles », « l’Alchimie des couleurs et l’Architecture aussi bien mariés et mis en œuvre dans le mouvement du Rêve du féminin absolu. Très émouvant ! Merci Larissa… », « Le glissement dans l’Univers merveilleux de Larissa : on voudrait avoir tant de murs pour avoir chez soi quelques-unes de ses œuvres, félicitations pour ces moments de rêve ! », « C’est toujours un plaisir de découvrir suite à l’interminable voyage de Larissa sur des chemins qui se croisent pour former un ensemble coloré et plein de Vie… Ta Créativité est cette grandeur qui est l’Energie. Elle se décline parfois en une spirale dont tu as le secret. Merci, Larissa. » (Dr Simon Tedga, écrivain, éditeur), « On vous remercie pour ces belles impressions incroyables. Quand on caresse, on touche des tableaux on croit qu’on est concerné, on participe à la Création du Monde. Vos œuvres sont pleines de chaleur et saturées d’émotions positives. Bon succès créatifs ! » (Elena, Ivan & Anna)
Le voyage au pays des rêves continue et Larissa nous invite déjà à ses prochaines expositions à la Foire de Paris 27 avril – 8 mai, aux Portes de Versailles, et aussi à sa grande exposition qui a obtenu la prolongation exceptionnelle à l’Atelier des Arts à Poitiers.
« Merci pour l'accueil chaleureux et le partage. Et que vos couleurs continuent à chanter le cosmos et l'harmonie de la nature…» (Dr Hibo Moumin Assoweh, Université de Djibouti) « A chacune de vos expositions, Larissa, dont j’ai l’honneur de participer, je suis toujours émerveillée par votre immense talent qui ressort de vos magnifiques chef d’œuvres qu’on ne se lasse pas admirer » (Maryse Poulain), « Nous sommes très heureux de passer voir votre galerie et de découvrir vos œuvres, ces magnifiques peintures pleine d’imagination. Nous espérons sincèrement que vous pourrez faire plus d’expositions pleine d’idées originales à Pékin, Shanghai, Suzhou en Chine. Bonne continuation » (Jing & Dian), « Un merveilleux voyage cosmique. De la Matière à l’infini, de la matière à l’Esprit… » (Chantal M », « Merci pour ce chaleureux accueil et pour ces magnifiques tableaux qui nous font plaisir aux yeux ! Continue de nous faire voyager au pays de merveilles… » (Virginia&Lionel), « Chère Larissa, J’ai été ravie et charmée de découvrir votre univers artistique. Quel travail époustouflant ! Je vous présente toute mon admiration ! » (Princesse Isabelle Yapo) - lit-on dans le livre d’or de cette exposition.
Photo 1. Larissa présente la robe peinte par elle-même (couturier Jean-Marie Pujol) « Orchidées royales » devant Sacré Cœur de Montmartre. Photo2, 3. Lors des portes ouvertes Larissa accueille les amis de Moscou : Elena et Ivan Statsenko. Photo 4. Avec Anna Shumanskaia, une grande artiste-photographe. Photo 5. « Dans cette galerie j’ai croisé l’Harmonie de la Nature et la Joie de vivre. Quelle belle créativité, pleine de lumière ! Félicitations à l’artiste ! » (Dr Hibo Moumin Assoweh , professeur de l’Université de Djibouti). Photo 6. Détail d’exposition « Aube. Naissance de la Lumière », peinture tactile de Larissa Noury qui est partie en collection privée à Versailles. Photo7. La vitrine de l’exposition « Les Couleurs du Printemps à Montmartre ».
A partir du 23 Mars, Paris accueille les « Couleurs du Printemps à Montmartre », une exposition des nouvelles créations de Larissa Noury, Ambassadrice de la République de Montmartre. La jolie et romantique galerie « ARTESIENNE » a accueilli les nombreuses personnes - amis et partenaires, collectionneurs et touristes visitant la capitale-lumière - qui ont envahi le lieu.
« Couleurs du Printemps à Montmartre »
Le tableau de l’arbre de vie, un coup de cœur « Je n’ai pas fait de dessin, c’est en posant les couleurs que les branches sont apparues et se sont animées » explique-t-elle à propos de « l’Arbre de vie », un triptyque exposé sous verre au salon.
Il s’agit d’un arbre riche de couleurs profondes et terrestres, dont les branches semblent se mouvoir du sol vers le ciel, dans un ballet d’entremêlement. Le fond est composé d’un dégradé de teintes bleues puissantes et magnétiques. Les jeux de matières en relief apportent une touche de réel à ce tableau qui semble pourtant tout droit sorti d’un rêve. De la force qui s’en dégage, on peut, si on observe attentivement, ressentir au travers des tâches d’or et des pointes rosés, toute la douceur et la fragilité de cette beauté. Larissa y voit aussi une métaphore de la vie humaine, les branches de l’arbre comme veines de la peau. Encore une fois, ce ne sont pas une, mais des histoires qui sont racontées au travers des peintures de l’artiste, que nous attendons impatiemment dans une prochaine exposition." Marion Drack
"En effet l'essence même de ton travail est évoqué avec beaucoup de subtilité de délicatesse... Une empreinte très féminine dans la retranscription de cette vision du monde que tu as et que tu sais si bien transformer en matière presque vivante si poétique. Capturer et Peindre le cosmos, rendre à la matière sa vraie place, dépeindre l'irrationnel, le non explicable comme si tu cherchais à immortaliser la mémoire du monde". Pascale Vallée
« ARTESIENNE » présente une exposition « Couleurs du Printemps à Montmartre » de Larissa Noury - Artiste peintre - Architecte-coloriste - Styliste et son art tactile effleurant de délicates nuances "intuitistes". Portes ouvertes de l'exposition: du 23 au 24 mars 2019 et du 30 au 31 mars 2019 de 11h à 19h. Adresse: 20, rue Tholozé, 75018 Paris m.Abbesses, m.Blanche
L’ARBRE DE VIE
"L’artiste peintre Larissa Noury exposait de nouveau ses œuvres au salon Art Capital, qui avait lieu au Grand Palais du 13 au 17 février. Nous avons eu la chance de pouvoir les admirer à ses côtés. Un sourire lumineux, le regard profond et une personnalité colorée, Larissa est, à l’image de ses œuvres, un véritable tableau vivant. Quand elle parle de ses peintures, la passion est contagieuse et le regard expert. Architecte de formation, l’artiste mêle à fois l’exigence de la précision à la créativité féconde : rationnelle dans l’irrationnelle, immatérielle dans la matière, rêveuse dans le concret. Une dualité qui ne s’oppose pas mais se complète, et qui se retrouve peut-être aussi dans sa richesse culturelle : des origines biélorusses dans une vie parisienne.
Invitation à l'Exposition du 23 au 24 mars & du 30 au 31 Mars
« Couleurs du Printemps à Montmartre »
Après le succès des expositions immersives sur l’œuvre de Gustave Klimt, Egon Schiele et les créations de Hundertwasser « L’Atelier des Lumières » a inauguré le 22 février de nouvelles expositions. Actuellement (et ceci jusqu'au 31 décembre 2019), les chefs-d'œuvre dématérialisés de Van Gogh sont projetés sur les monumentales façades de l’ancien fonderie. Sous les yeux ébahis des visiteurs, trois mille images en mouvement défilent grâce à une technologie numérique de pointe comprenant 140 vidéoprojecteurs lasers et 50 enceintes. Ce dispositif novateur place le visiteur au cœur de l'œuvre. L’exposition numérique « Van Gogh : La Nuit étoilée » avec « Japon rêvé : Images du monde flottant » dans la grande salle est accompagnée dans le Studio par la création contemporaine « Versé ». L’énigme de la peinture surprenante de Van Gogh, ce peintre néerlandais, qui s’est installé en France se raconte en dix chapitres visuels : prologue, la nuit provençale, les œuvres de jeunesse, la nature, de passage à Paris, Arles, Oliviers et cyprès, Saint-Remy-de-Provence, la Plaine d’Auvers et épilogue. La grande création sonore et chromatique est une représentation originale et authentique de l’œuvre du peintre qui a sombré dans la folie : aucun ajout, aucune tricherie, tout est tiré scrupuleusement des tableaux de Van Gogh qui sont seulement agrandis, mis en musique et en mouvement. Une symphonie de couleurs, un nirvana d'émotions, le tout accompagné de musiques bien connues: "Peer Gynt" de Grieg, "O mio babbino caro" de Puccini, "Le Bourgeois Gentilhomme" de Lully, "Kozmic Blues" de Janis Joplin... La palette démultipliée de Vincent Van Gogh (1853-1890) enveloppe le spectateur, qui verra se succéder ses univers tourmentés. Ciels, champs de blés, vagues, marines, mais aussi visages extrêmement expressifs - montrent la palette riche et parfois contradictoire toute en transformation 4D : 3D étant l’espace – le 4eme dimension étant la musique. Ainsi, le spectateur peut déambuler dans les chefs-d’œuvre de l’artiste comme dans un rêve. Des Mangeurs de pommes de terre, aux Tournesols, en passant par La Nuit étoilée à La Chambre à coucher, l’exposition évoque le monde intérieur à la fois démesuré, chaotique et poétique de Van Gogh.
Photo1. Première exposition immersive sur l’œuvre de Gustave Klimt, Egon Schiele et les créations de Hundertwasser à « L’Atelier des Lumières » Photo2.-6 Détails de l’exposition numérique « Van Gogh : La Nuit étoilé » Photo7. Panorama de l’exposition numérique « Japon rêvé : Images du monde flottant » dans la grande salle.
Passés les murs peints de noir et les cylindres apparents du hall d'accueil à l'identité brute et industrielle, le visiteur est téléporté dans un autre monde. L'espace de 3300m2 de projections murales sur dix mètres de hauteur donne une impression vertigineuse. Conçu comme de véritables voyages oniriques, les installations numériques sont créées comme des œuvres complexes de création visuelle qui relient ensemble les formes, les couleurs, les lumières, la musique et les mouvements. Ils proposent aux spectateurs une expérience émotionnelle et poétique.
« L’Atelier des Lumières » est un nouveau centre d’art à Paris qui a beaucoup de succès grâce à ses expositions immersives. Les espaces de l’ancienne fonderie Plichon, situés près du métro du Chemin-Vert et construits en 1835, ont ouvert à nouveau leurs portes en 2018 grâce à la Société CultureEspaces et à ses expositions numériques. L'ancienne fonderie de la rue Saint-Maur a su reprendre des couleurs.
Atelier des lumières : L’immersion dans le monde de la couleur
Plusieurs artistes et amateurs d’art sont venus au vernissage du 12 février. Des créations étonnantes en tous genres ont embelli l’espace de la grande verrière : plus de 2000 artistes confirmés ou émergeants, de toutes nationalités et de toutes tendances ont présenté leurs travaux en peintures, sculptures, gravures, photographies, mosaïque, installations… Cette année, on pouvait apprécier l’incroyable plasticité de la robe, véritable « peinture vivante » et nommée « Espérance » de Larissa Noury. La richesse de la palette des couleurs a été surprenante et des œuvres dynamiques et multiformes ont été présentées par les artistes des quatre coins du monde. L’ensemble formé par les pavillons du Japon, de la Chine, de la Corée, de la Canada, des artistes du Belarus montrait la grande diversité des tendances créatrices. Plusieurs groupes ont composé le Salon comparaison : «Mémoires croisées », «Le Constructivisme», «La figuration inévitable», «Exubérantes écritures», «Expressionnisme», «Transposition figurative», «Paysages et poésie». Le groupe de peintres « De l’apparence à l’imaginaire » réunis par Asilva, ont présenté leurs œuvres colorées et abstraites dont l’originalité peut être expliqué par René HUYGHE : « Si à une composition déjà intéressante par le choix du sujet, vous ajoutez une disposition de lignes qui augmente l’impression, un clair- obscure saisissant pour l’imagination, une couleur, adaptée au caractère, vous avez résolu un problème plus difficile et vous êtes supérieur : c’est l’harmonie et ses combinaisons adaptées à un chant unique, c’est une tendance musicale.»
Libre et ouvert, Art Capital est né de l’union de plusieurs salons et est un fabuleux reflet de la création artistique : il fait dialoguer toutes les formes d’expression et permet la rencontre entre un large public amateur d’art et les artistes, galeristes et collectionneurs. « D’ailleurs il n’est pas inutile pour donner du poids à cette affirmation, de rappeler quelques noms d’artistes qui hier exposaient « chez nous » et que nous retrouvons aujourd’hui dans des galeries au sein de la Fiac et d’Art Paris : Klein, Cruz Diez, Zao Wou-ki, Villeglé, Arman, Poliakoff, Vieira Da Silva, Chu Teh-Chun, Tinguely, Buffet, Debré, Niki de Saint-Phalle, Lanskoy, Mathieu, Soto, Picasso, Dali, Truphémus, Cottavoz, Van Dongen, Morellet, Christo, Kim Tchang Yeul, Vlaminck, Magritte, Venet, Le Parc, Raysse et bien d’autres… » - nous rappelle le Président du Salon Comparaisons Monsieur Paul Alexis.
Photo 1. Larissa présente ses créations au Président du groupe «La Vie en instantané» François Fasnibay. Photo 2,8. Le Grand Palais avec la façade illuminée des couleurs et la magnifique verrière de son neuf central qui date de 1900. Photo 3. L’œuvres de Vladimir Tovstik, l’artiste de Biélorussie. Photo 4,5. Lors du vernissage Larissa Noury a présenté une nouvelle création inspirée par la couleur de l’année « Living Coral » 2019 et en continuité de son œuvre « Espérance », 120x120cm. Photo 6. Peinture de Wang Yan Cheng, groupe «Mémoires croisées » Photo 7. Le choix de la couleur Le Living Corail a été déterminé par la soif actuelle d’expériences authentiques à l’heure où l’on souhaite parfois s’échapper de l’omniprésence des technologies numériques. Le Living Corail par sa présence dans notre environnement naturel « encourage les activités joyeuses, il incarne une expression pleine de légèreté ». Photo 9. « Haute Couture » en peinture d’artiste Larissa Noury et de couturier Jean Marie Pujol. Photo 10. Lors de l’inauguration du salon : le Président du Salon Comparaisons Monsieur Paul Alexis, le président de la Fondation Taylor Jean-François Larrieu, Larissa Noury, Attaché culturel de l’ambassade du Belarus en France Vitaliy Kornev, première secrétaire de l’ambassade du Belarus Mme Yulia Naguibarova. Photo11. Géraldine Hilaire, actrice devant l’œuvre de Larissa « L’Arbre de Vie - l’arbre enchanté ».
Art Capital est un évènement annuel d’importance nationale et internationale dans l’art contemporain. Cette année, Art Capital a été organisé à Paris du 12 au 17 février 2019. Depuis 2006, la nef centrale de la magnifique verrière du Grand Palais réunit, pour les mettre en valeur, les œuvres nouvelles d’artistes membres du Salon Comparaisons, du Salon du Dessin et de la Peinture à l'eau, de la Société des Artistes Français et de la Société des Artistes Indépendants. Inscrit dans la tradition historique des Salons artistiques, Art Capital s'est installé dans la Nef du Grand Palais pour sa 13ème édition.
Art Capital, un évènement artistique de l’année 2019 à Paris.
Invitation de Larissa NOURY au Grand Palais
P.S. Il me reste quelques cartons d'invitation pour le vernissage du 12.02 et le Salon 13-17.02.2019, contactez moi si vous êtes interessés.
Le nouveau site de Comparaisons en ligne : https://comparaisons.org
Bien cordialement, Larissa NOURY
Comme chaque année, je participe au Salon Comparaison , Section C 20 Asilva "De l'apparence à l'imaginaire" et au Salon du Dessin et Peinture à l'Eau dans le cadre d'Art Capital au Grand Palais à Paris, du 13 au 17 février 2019. Plus de 2000 exposants seront présents, dont 600 exposants au Salon du Dessin et Peinture à l'Eau, spécialiste mondial des oeuvres sous-verre, qui fête cette année son 70ème anniversaire. L'invité d'honneur du Salon de peinture à l'Eau est l'artiste Claude VERLINDE. Il sera entouré de 7 prestigieuses signatures: DERAIN, DUFY, VAN DONGEN, BRAYER, De VLAMINCK, CHAPELAIN-MIDY. Au plaisir de vous y retrouver.
Mucha, venu à Paris en 1887 - Paris était la Capitale européenne des arts à l’époque - en tant que boursier pour des études à l’Académie Julian et ensuite à celle de Colarossi. Il devint en quelques années le concepteur de panneaux décoratifs et d’affiches admirés de tous. Son écriture artistique est devenue le symbole des années 1900. Il est considéré alors comme le maitre de l'Art Nouveau car les affiches de cet artiste tchèque sont parmi les icônes les plus célèbres de l’art de la Belle Époque et sont indissociables de l’image de Paris durant ces années - là. Il fût l’affichiste attitré de la divine Sarah Bernhardt, engagé par la diva pour 6 ans afin de créer les affiches, les costumes, les bijoux de scène et les décors pour ses spectacles au Théâtre de la Renaissance : ainsi la ville de Paris fût enthousiasmée par les nouveaux placards remplis d’affiches aux couleurs raffinées et au dessin sophistiqué. On reconnaît immédiatement le style particulièrement élégant de Mucha, typique de l’Art nouveau. Dans chacune de ses affiches, l’artiste parvient à dire la capacité qu’a la tragédienne à se métamorphoser, tout en restant parfaitement identifiable. Ces affiches ont connu un succès retentissant, de sorte qu’elles sont devenues tout de suite des objets de collection. « J’étais heureux de m’être engagé dans un art destiné au peuple et non à des salons fermés. » - disait l’artiste à l’époque. Loin des images aux couleurs criardes qui couvraient les murs de la capitale à cette époque, Mucha propose une palette de tons pastel et des lignes harmonieuses pour un décor stylisé dépourvu de perspective : ocre, rose, orange doux s’accordent de manière élégante avec le gris vert, bleu doux et violet pastel. En 1900 il est décoré par la médaille d’argent de l’Exposition universelle et créé une œuvre d’art total pour l’architecture et le décor de la nouvelle boutique du joaillier Georges Fouquet. L’atmosphère féerique est inspirée en particulier par la beauté de la Nature. Les matériaux du décor : le bois – noyer et poirier-, le bronze, le verre, le cuir repoussé, le grès, la broderie étaient associés aux panneaux peints, aux mosaïques du sol et aux vitraux émaillés et rétroéclairés. Démonté en 1922, le décor de Mucha est présenté aujourd’hui au Musée de l’histoire de Paris, le musée Carnavalet. Les talents de cet artiste-affichiste seront demandés par plusieurs sociétés commandant de la réclame pour leurs produits de consommation : Ruinart, Moët et Chandon, JOB, la maison Lefévre-Utile, Waferly et Perfecta, etc.
Cette exposition nous rappelle la naissance de l’Art Nouveau à Paris, années de création de passerelles entre arts graphiques et arts décoratifs, ainsi que la mise en œuvre de l’idée d’art total dans les espaces architecturés et urbains. Elle nous fait découvrir aussi un artiste idéaliste, lié au milieu symboliste ainsi que sa vie et sa création, celle d’un patriote célébrant l’héroïsme du peuple tchèque, entre Art Nouveau et Utopie.
Photo1. Inventeur d’un format nouveau, presque grandeur nature, Mucha représente une femme à la silhouette éthérée, coiffée de lys et auréolée d’une mosaïque dorée, à mi-chemin entre la sainte byzantine et la muse des Floralies. Sa palette est douce, loin des habituelles couleurs criardes. Les nuances ambrées, de bleus et gris violet pastels se remarquent par leur ineffable douceur. Après Gismonda, neuf affiches ont suivi : la Dame aux camélias, Lorenzaccio, Hamlet, Médée etc. Ici : Alphonse Mucha, Affiche pour « La Dame aux camélias », 1896. Photo2. Affiche pour le papier à cigarette JOB, 1896. « Les rues s’étaient transformées en expositions d’œuvres d’art en plein air » - disait à l’époque Alphonse Mucha à son imprimeur d’affiches Ferdinand Champenois. Photo3. Décor pour le spectacle « Comme vous l’aimez », 1908-1909. Photo4. Boutique du bijoutier Georges Fouquet située 6, rue Royale à Paris et conçue en 1901 par Mucha, maitrise d'œuvre de la réalisation par la maison Jansen. Photo5. A. Mucha, Zodiaque, publicité de la Savonnerie de Bagnolet, 1897
Photo6. Autoportrait, 1910. Photo7. La cheminée de la joaillerie du Fouquet.
Visite virtuelle de l’exposition sur www.facebook.com/larissa.noury
L’exposition « Alphonse Mucha » se termine au Musée du Luxembourg de Paris de façon triomphale, célébrant ainsi les créations aux couleurs chatoyantes et au graphisme exceptionnel de cet artiste dont la grande sensualité est devenue le symbole de la Belle époque. La Nature et le Théâtre ont été une source d’inspiration constante dans l’œuvre de Mucha, inspiration intimement liée au contexte culturel (il était d’origine tchèque, et était donc slave) et à l’univers de la vie parisienne à la fin du XIX° siècle au début du XX° siècle.
Mucha : entre Art Nouveau et Utopie
Le salon de l’Espace Art et Liberté est ouvert jusqu’à 16 février 2019. Visite commentée le jeudi 31.01 à 13h - 3 place des Marseillais - CHARENTON-LE-PONT
Photo1-2. L’Espace Art et Liberté le 17 janvier 2019. Photo3. « L’Arbre à Palabre » de Véronique Lafont, artiste invitée. Photo4. La peinture de Mairie Christine Charmoillaux. Photo5. Détail d’exposition, sculpture d’Agnès Sebyleau. Photo6-7. Larissa Noury présente son œuvre « Silence de la Lumière » au Maire de Charenton-le-Pont, conseiller Départemental du Val-de-Marne, Monsieur Hervé GISQUEL.
Rendez-vous incontournable annuel, le Salon de Charenton est depuis nombreuses années l’occasion de faire un tour d’horizon de la création locale et régionale dans sa diversité. Lors de son inauguration, plus de 500 personnes, invités et artistes, ont eu le plaisir de découvrir les œuvres sélectionnées pour l'exposition qui a lieu dans un grand espace et qui a pour vocation de sensibiliser le public à la création contemporaine. Ce lieu unique et lumineux présente sous la direction de Mr Frédéric Mette des expositions aux thèmes divers. Le Salon annuel fait découvrir aux visiteurs et aux amateurs d'art toutes les techniques de la peinture, de la gravure, de la photographie, du dessin, des techniques mixtes et de la sculpture. Cette fois-ci, l'originalité du Salon a été le choix de ses invités d'honneur : Véronique Lafont et Benoit Gilardoni. Ce sont de grands coloristes qui pratiquent « les paysages abstraits qui naviguent entre espace intérieur méditatif et libre transportation d’un spectacle naturel ». Leurs grands formats font dialoguer la couleur et la matière avec force et sensualité, il s’agit ici de L’Univers de l’abstraction lyrique à la limite de la figuration. Plusieurs autres créateurs ont présenté leurs œuvres originales : la diversité et l’éclectisme de l’ensemble favorise une approche facilitée et décomplexée de l’art. La peinture de Larissa Noury « Silence de la Lumière » a attiré l’attention particulière du public : « Peinture subtile et éclatante, un univers très personnel, une grande intériorité avec une grande simplicité », « Merci pour ce voyage dans le pays de nos Rêves inconnues », « Merci infiniment pour ces jaillissements de lumières qui nous plongent dans l’essentiel de notre conscience… ».
L’Art est plus que jamais un enjeu favorisant les liens et les échanges, comme disait André Malraux :
« L’art est le plus court chemin de l’homme à l’homme ».
Le 66-ème Salon de Charenton a ouvert ses portes à l’Espace Art et Liberté le 17 janvier 2019
La terre, la pierre, le bois et les tuiles sont les principaux matériaux utilisés dans sa construction. « Elle est construite selon diverses méthodes, selon l'époque et le lieu : gros blocs de pierre sèche, couches de terre à base d’argiles de différentes nuances de l’ocre jaune à l’ocre rouge de toutes les régions du pays. Les murs en terre battue et en briques sont aussi solides, grâce à la présence de farine de riz, que nos bétons actuels. La palette de cet ensemble de fortifications militaires chinoises construites, détruites et reconstruites en plusieurs fois et plusieurs endroits a été édifiée par plusieurs dynasties entre le VIIème siècle av. J.-C. et le XVIIème siècle pour marquer et défendre la frontière nord de la Chine. C'est la structure architecturale la plus importante jamais construite par l’homme à la fois en longueur, en surface et en masse. La longueur de la muraille qui serait de 6 700 km varie selon les sources. En raison de sa longueur, la Grande Muraille est surnommée en chinois « La longue muraille de dix mille li », le LI étant une ancienne unité de longueur chinoise et dix mille symbolisant l’infini en chinois. Cette notion de l’infini est valable pour ses dimensions spatiales comme pour ses dimensions temporelles. La longue durée de son existence prouve que la terre, l’argile, en fait, est très solide et résistante comme matériau de construction, et que son image chromatique possède d'excellentes qualités de longévité et de stabilité. Avec le temps, cette construction gigantesque a acquis la palette douce et naturelle des couleurs de la terre environnante.
Dans la Chine ancienne, le système des 5 éléments a donné leur propre couleur à chaque saison, à chaque élément (ou « forces de la nature »), à chaque planète, aux quatre points cardinaux et aux substances matérielles principales. Vert : Printemps-Bois-Est-Jupiter-Dragon ; Rouge : Eté-Feu-Sud-Mars-Phénix ; Blanc : Automne-Métal-Ouest-Vénus-Tigre ; Noir : Hiver-Eau-Nord-Mercure-Serpent ; Jaune : Fin d'été-Terre-Centre-Saturne-Tortue.
Dans un premier temps, la polychromie architecturale en Chine Ancienne a été marquée par les fresques des monastères bouddhistes, des grottes et des cavernes.
Ensuite, la peinture murale s’est transformée en panneaux incrustés de porcelaine. Les pagodes, l’extérieur des temples étaient couverts de laques et de vernis rouges et noirs, décorés par les sculptures en bronze, avec des détails dorés et nacrés. La miraculeuse longévité des laques sur le bois et les tissus, et que l’on appelle « le plus vieux plastique industriel », a permis à certaines d'entre-elles de survivre longtemps après que les objets qu’elles recouvraient aient été détériorés. Qu’elle soit appliquée sur du mobilier - des paravents ou des coffrets par exemple - ou sur des pans entiers des bâtiments de bois, la laque était posée en vingt ou trente couches, parfois plus, toutes lissées après séchage dans une atmosphère obligatoirement humide. Les couleurs telles que le jaune chamois ou le jaune citron étaient dérivées de l’ocre et de l’orpiment (un sulfure d’arsenic), mais les teintes les plus fréquentes étaient de loin le rouge vermillon du cinabre, substance hautement révérée par les Chinois, et le noir de l’oxyde de fer. L’incrustation était aussi une importante source de couleur. Presque tout ce qui brillait était recherché comme matériau de décoration - nacre, perles, métaux précieux en feuilles, poudre, fragments ou paillettes. Le jade, le corail, l’ivoire, la malachite, la stéatite et la porcelaine, étaient aussi scellés dans la laque, comme l’or et l’argent, ce qui donna sa réputation au superbe travail Chinois. Parallèlement, la théorie de la philosophie du Taoïsme (raison suprême) condamnait les effets multicolores :
“Cinq couleurs affaiblissent la vision”. A la place de l’art et de l’architecture polychrome pittoresque arrive la monochromie, puis l’achromatisme total. A la place des lignes aux formes précises et nettes apparaissent l’ambiguïté, l’amorphe, le flou, expression de l’inabordable et de l’inexprimable: telles étaient les caractéristiques principales du Taoïsme. Les villes chinoises s’imprègnent du symbolisme des formes et de la couleur défendue par la philosophie et par l’art. Exemple éblouissant de l’architecture de la dynastie de Ming, le Temple du Ciel qui est une véritable illustration de la cosmologie chinoise et emblème de la ville de Pékin (Beijing). Il était destiné à offrir aux empereurs de Chine, considérés comme les Fils du Ciel, une passerelle vers le monde céleste. Les temples consacrés aux divinités du Ciel ont une forme ronde et couverts de tuiles bleues, tandis les temples de forme carrée aux toits en tuiles jaunes et verts, symbolisent la Terre.
La partie la plus polychrome et spectaculaires est La Salle des prières pour de bonnes moissons, bâtie en 1420 selon les maitres du fengshui. Ils devaient équilibrer l’élément yin (féminin, obscur, froid, silencieux, énigmatique et lunaire) avec l’élément yang (masculin, clair, chaud, bruyant, lumineux et solaire) afin d’obtenir une quantité maximale de qi, l’énergie vital. Ainsi cet édifice se situe au point exact ou le Ciel rencontre la Terre. A l’époque de règne de Jiajing il était restauré et doté de trois toits superposé, recouverts de tuiles étincelantes bleues, jaunes et verts, couleurs symbolisant dans l’ordre le Ciel, la Terre, et le monde des mortels. Par la suite la toiture tricolore a été remplacée par la seul couleur unie, le bleu. Ainsi actuellement par sa forme arrondie et par sa couleur se magnifique toit conique symbolise l’étendu du monde céleste.
La Cité interdite (Zǐjìn Chéng) (1406-1420) qui fut la résidence impériale est un autre symbole fort de la culture chinoise. En effet, son nom chinois signifie littéralement « cité pourpre interdite », le pourpre désignant non pas la couleur des bâtiments, mais le centre de la Galaxie, l’étoile polaire, qui au centre du monde céleste, représente l’empereur. Ainsi les murs rouges de la cité Pourpre, enfermant un vaste complexe de « l’ancien palais » symbolisaient la puissance inaccessible de l’empereur, la force et l’éternité de son pouvoir, tandis que les tuiles de ses nombreux toits de couleur jaune-doré ont symbolisé le centre, le soleil et la place terrestre du fils du ciel, de l’Empereur. L'influence de la civilisation chinoise sur ses voisins a été immense sur le Japon, sur la Corée, sur le Vietnam, sur le Tibet, et plusieurs temples se trouvent en Indonésie et en Malaisie.
Photo Larissa NOURY, Sally LEE, Guoxiang Yuan, voir plus photos:
Photo3. Le temple du Ciel, exemple éblouissant de la couleur en architecture de la dynastie des Ming : une véritable illustration de la cosmologie chinoise il est destiné à offrir aux empereurs de Chine (considérés comme les Fils du Ciel) une passerelle vers le Monde céleste. Photo4. Le décor polychrome de la salle de la Prière pour des bonnes moissons illustre les principes de la cosmogonie chinoise par ses 5 couleurs symboliques. Le vert a été considéré comme étant la liaison entre le bleu et le jaune. Il n’y a pas de frontière stricte entre le bleu et le vert ; d’ailleurs, un seul mot, “tczi” désigne seul ces deux couleurs. Photo5-6. Le Temple des Lamas (YONGHEGONG) recèle des trésors de l’art et de l’architecture et reflète la symbolique des couleurs à la fois chinoise et tibétaine. Photo7. Le Stupa blanc tu style tibétain, sur la colline de l’Ile des Hortensias au Parc Beihai (XIIs.). La particularité de la signification du blanc dans la culture Chinoise : c’est une couleur de deuil, elle symbolise le pays des morts, l’ouest où le soleil disparaît et l’automne car c’est la saison de la récolte du riz. Photo8. La Grande Muraille de Chine : blocs de pierre sèche, couches de terre battue, briques, liés avec la présence de farine de riz. Photo 9-10-11. Le Palais d’été est un magnifique complexe de temples, de pavillons et de palais impériaux édifié dans un grand parc sur le lac Kunming au nord de Beijing. Le Jardin pour cultiver l’harmonie (Yihe Yuan) avec sa polychromie riche est destiné depuis le XII°s. à accueillir les familles impériales en été.
Photo1. -2. La Cité interdite L’architecture magnifique de la Cité interdite représente l'essence et le point culminant de l'accomplissement de l'architecture traditionnelle chinoise, qualité essentielle de la culture colorée chinoise et la palette infinie des matériaux polychromes et de leurs significations cosmiques. L’art du Fen shui (« vent et eau » en mandarin) est une pratique que vise à harmoniser les relations entre l’homme et son environnement selon le concept de cinq éléments (wuxing). Selon ce concept le bois, le feu, la terre, le métal et l’eau se succèdent dans les cycles de création et de destruction, tandis que cinq points cardinaux (est, sud, centre, ouest et nord) ainsi que cinq couleurs (vert, rouge, jaune blanc, noir) leur sont associés. Photo3. Le temple du Ciel, exemple éblouissant de la couleur en architecture de la dynastie des Ming : une véritable illustration de la cosmologie chinoise il est destiné à offrir aux empereurs de Chine (considérés comme les Fils du Ciel) une passerelle vers le Monde céleste. Photo4. Le décor polychrome de la salle de la Prière pour des bonnes moissons illustre les principes de la cosmogonie chinoise par ses 5 couleurs symboliques. Le vert a été considéré comme étant la liaison entre le bleu et le jaune. Il n’y a pas de frontière stricte entre le bleu et le vert ; d’ailleurs, un seul mot, “tczi” désigne seul ces deux couleurs.
"La civilisation Chinoise, énigmatique et fascinante, a connu des changements apportés par l’alternance de dynasties au fil des millénaires, qui ont influencé sa culture, sa palette chromatique et le caractère symbolique de son art et son architecture...." L’exemple de la palette des couleurs naturelles de la Grande Muraille de Chine, construite essentiellement avec des matériaux locaux est très important.
La Chine : couleur et culture
Larissa Noury : peintre et styliste.
Pour être franc Larissa Noury me déséquilibre un peu car elle est un peu comme ces boules miroir de dancing qui jettent mille éclats lumineux à la fois. La tâche n’est pas simple convenez en, car notre artiste a un parcours des plus riches et atypiques. Née en Biélorussie, aujourd’hui elle vit et travaille à Paris sur le mont le plus célèbre du monde, le « Mont-Martre ». Sa formation universitaire est des plus sérieuses, art, architecture, coloriste urbaniste, Doctorat de l’école polytechnique de Minsk et cerise sur le gâteau école des Beaux-arts de Saint Pétersbourg etc. Grande spécialiste de la couleur elle est fondatrice de l’association C.E.C « Couleurs-Espace-Culture » dans l’esprit du célèbre maître du genre Michel Pastoureau, son directeur de doctorat et préfacier des ouvrages dont Larissa Noury est l’auteure traitant de la couleur dans la ville et dans la vie. Peintre confirmée tant classique que moderne Larissa Noury a étendu son talent à la mode en devenant styliste et coloriste, soutenue par un ancien collaborateur d’Yves Saint Laurent Jean-Marie Pujol. A ce stade nous nous retrouvons dans une parfaite harmonie et complémentarité entre les tableaux et les robes de haute couture.
Larissa Noury a la chance d’avoir pu exposer dans les grandes capitales ou villes du monde entier, Orient, Occident. Aux Etats Unis aussi. Mais revenons à ce que nous est visible et tangible aujourd’hui au-delà de sa superbe robe que porte Larissa Noury et qui nous enchante, sa peinture. Les œuvres de Larissa sont de la meilleure tenue, le travail est très professionnel et nous plonge dans un florilège de couleurs harmonieusement équilibré et fondu. Tout est de douceur et de délicatesse sorte de poudroiement d’ailes de papillons. Larissa Noury use beaucoup des pigments purs qu’elle mêle à la matière et travaille avec les doigts, jusqu’à trouver la judicieuse fusion chromatique, les justes rapports colorés sur la partition des mille nuances et des déclinaisons dégradées. Chez elle tout se veut tactile, à la mesure de la main. Elle effleure de couleurs ses toiles, les caresse pour les rendre encore plus séduisantes, les métamorphoses nous surprennent et nous transportent dans un univers intemporel. Au regard de certaines œuvres, je m’imagine parfaitement des cartons pour l’exécution de vitraux, ce qui serait magnifique, sorte de transcendance spirituelle loin de toute dogmatique, rien que la beauté, le rythme, l’harmonie et l’amour des couleurs. Larissa Noury s’exerce à rédiger de petits poèmes très évocateurs où elle transmet son ressenti, ce qui nous permet de mieux percevoir sa démarche et le but escompté.
L’art pour elle est une globalité, un tout qui se confond à l’universel, graphismes, formes, couleurs se mêlent, se déclinent, nous passons des tons chauds presque sensuels aux tons froids qui nous plongent dans les abysses les plus profonds. Larissa Noury materne, nourrit ses œuvres de la pointe des doigts pour y déposer le pigment, il y a ici comme un geste de fécondation, de germination. Ses œuvres pourraient presque se lire au simple touché, la matière détient son propre langage, sa poésie et d’ailleurs si vous êtes attentifs et observateurs, prenez alors le temps nécessaire et vous découvrirez un peu à la manière d’un palimpseste des traces d’écriture et de poésie incrustées dans la matière. Oui, prenez le temps de regarder une à une les œuvres de Larissa Noury qui réfléchissent un monde hors du temps, un monde presque intangible, mais toujours gorgé d’harmonie et de vie, mais surtout d’un univers où règne la beauté des couleurs.
Edouard Dullin : sculpteur.
Maintenant je me tourne vers notre jeune sculpteur, Edouard Dullin, dont l’œuvre se marie parfaitement aux travaux de Larissa Noury, lignes épurées et harmonies colorées sont au rendez-vous. Le lien ne se résume pas qu’aux couleurs car le principe de l’approche tactile est bien présent. Edouard Dullin s’intègre bien à la mouvance de sa génération où le numérique prend une place non négligeable dans le principe de ses œuvres, car il a bien conscience que ces nouveaux moyens de communications sont indissociables de nos vies. Edouard Dullin tente de composer l’idée du geste, du reflexe, de l’impalpable, la relation au numérique est incontournable, ce qui d’ailleurs donne une force très personnelle à son œuvre dont l’acte reste lié à la main. Chez lui la ligne, le volume, sont dynamiques, épurés, il joue avec la lumière se réfléchissant sur les angles vifs de ses sculptures. Il rêve un peu par défit, par bravade, ce qui fait la force de sa jeunesse, de modeler l’impalpable, de représenter le monde subtile et intangible du numérique, de souligner les phénomènes parallèles inconscients. Ce qui s’avère un rude défit, un comble même, dans une discipline où règne la matière, le solide. Véritable dualité entre le formel et le virtuel, saisir l’instant invisible mais programmé. Le numérique, le connecté modifient nos gestes, nos reflexes conditionnés, mais parfois la posture demeure car il y a peu de différence dans le geste entre le primitif tenant sa pierre taillée, le scribe gravant sa plaque d’argile et nos contemporains manipulant par addiction leurs smartphones.
Edouard Dullin tente de saisir la mutation qui nous vivons ou subissons actuellement et de l’immortaliser en la façonnant dans la matière. Preuve incontestable de la fragilité et vulnérabilité de notre société en déshumanisation, forte de ses illusions et faiblesses d’une implacable réalité qui viendra l’anéantir. Edouard Dullin porte sans doute à ce titre d’artiste le pressentiment de la vulnérabilité de notre socisété, de son système périmé, ce qui explique Sans doute la nécessité pour lui de fixer ses dans la matière, de le pérenniser dans le solide, le stable. »
Exposition ouverte au public du 05 au 18 Janvier 2018.
Photo 8. En présence de Mme Suzanne Dracius, écrivaine, Professeur de Lettres Classiques, Lauréat d’un Prix de la Société des Poètes Français. Photo 3-5-6-9-10-11. Détails de l’exposition. Photo12. Avec Sculpteur Edouard Dullin Photos Christian Delinotte, Milau Lutumba.
Photo 1. Affiche de l’exposition. Photo 2,7 Pour cet évènement Larissa porte sa création : La robe peinte et calligraphié des poèmes « Création du monde. Poème d’Amour » inspiré d’un triptyque qui porte le même nom. Photo 4. Avec Michel Bénard, représentant du Cénacle Européen des Arts et des Lettres, Lauréat de l’Académie Française et Chevalier dans l’Ordre des Arts et des Lettres.
« Bien chers(es) amis(es) bienvenues à tous et veuillez accepter tous les bons vœux de la Société des Poètes Français pour 2019 où nous optons pour un nouvel et humaniste élan d’espoir. Nous sommes très heureux de vous accueillir autour de nos deux artistes, très talentueux autant que singuliers, Larissa Noury, créatrice multidimensionnelle et Edouard Dullin, jeune sculpteur des plus prometteurs orientant sa création vers l’essentiel de la ligne esthétique. Dans un esprit de poésie courtoise en premier lieu je me tournerai vers Larissa Noury créatrice protéiforme, puisqu’elle conjugue et associe les arts par des formes d’expressions les plus variées.
« Poésie des Couleurs » est le titre de la nouvelle exposition des dernières créations de Larissa Noury, peintre-styliste et d’Edouard Dullin, sculpteur à la Société des Poètes Français, espace « Mompezat » dans le 6ème à Paris.
Cette exposition a bénéficié du haut patronage de SE l’Ambassadeur du Belarus en France Mr Pavel Latushka. Michel Bénard, représentant du Cénacle Européen des Arts et des Lettre, Lauréat de l’Académie Française et Chevalier dans l’Ordre des Arts et des Lettres a inauguré l’exposition.
Larissa Noury et Edouard Dullin vous invitent à l'Espace Mompezat
Nous avons le plaisir de vous convier
à l' Exposition-Vente des Peintures Tactiles
"Couleurs de Noël à Montmartre"
Rencontres avec Larissa NOURY,
artiste-peintre, designer-coloriste, architecte
qui va vous parler de ses techniques picturales et couleurs architecturées!
Portes ouvertes le Samedi 15 décembre de 12h00 à 20h00,
le Dimanche 16 décembre de 12h00 à 20h00
et le samedi 22 décembre de 12h00 à 20h00
chez "ARTESIENNE" 20 rue THOLOZE, 75018 PARIS
métro Abbesses, ligne 12 et Blanche, ligne 2
Invitation "Couleur de Noël à Montmartre" de Larissa NOURY
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Le chef étoilé a préparé d'excellents plats pour cet évènement hors norme qu'il a tenu à organiser pour enchanter les papilles des convives avec le champagne de Xavier BATISSE, viticulteur depuis 1990 et les œuvres de couleurs tactiles de Larissa NOURY, coloriste, artiste, et architecte coloriste qui ravissent le regard du spectateur. Les merveilles de cette bonne table ont été mises en valeur par Dominique Fonseca, Meilleur Ouvrier de France. Riche d’une longue expérience dans les plus grands palaces, il a proposé une cuisine contemporaine, simple et gourmande.
Une riche palette de champagnes a été proposé par Xavier BATISSE. Issu d'une famille qui se transmet un patrimoine de génération en génération, il a caressé secrètement le rêve de créer sa marque de champagne en vinifiant ses propres vins depuis longtemps.
C'est en 2005 qu'il décide de passer du rêve à la réalité. Il a fait de cette merveilleuse aventure sa propre devise : " Ma passion est votre plaisir ! » ! Larissa NOURY a exposé ses grands formats dans le cadre du restaurant « Le coq hardi » qui lui a ouvert généreusement ses portes pour cette exposition originale. « Les tableaux de Larissa, au-delà de leur luminosité et intensité artistique, possèdent tous, à divers degrés, une évidente force vibratoire… Larissa est une coloriste de la sensibilité. Elle voit et elle a envie de nous faire apercevoir les couleurs invisibles dans un espace imaginaire. Sa technique originale nous fait découvrir la peinture d’une nouvelle logique de la beauté construite des lumières tactiles et des couleurs immatérielles. Elle a fait de la couleur et de sa passion une réelle profession, dont la devise est suivante : « La couleur c’est une espérance du bonheur dans la vie et dans la ville » ». « Le bonheur est vrai quand il est partagé s’exprimée elle lors de la soirée de l’inauguration. - Et je suis très heureuse de pouvoir partager mon bonheur avec toutes les invités de ce magnifique évènement ».
Plus d’information:
https://link.simple-mail.fr/v/443/9214f655f6d63717ad06d3805dca2e37a5f25ff83f1556a7
sur l’établissement « Le coq hardi » https://lecoqhardi.fr/fr/
L’exposition continue jusqu’à la fin janvier 2019. Plusieurs soirées thématiques et gourmandes sont prévues pendant cette période.
Photo 1. Les couleurs des vignes à Bourgogne, vue de Sancerre. Photo 2. Larissa Noury lors du vernissage chez « Coq Hardy ». Photo 3. Xavier Batisse, viticulteur, http://champagne-batisse-xavier.fr/, Larissa Noury, artiste-peintre-coloriste et Dominique Fonseca, Chef du Coq Hardy. Photo 4. Vue d’une salle d’exposition.
Photo 5. Dominique Fonseca, Meilleur Ouvrier de France. https://fr.wikipedia.org/wiki/Dominique_Fonseca. Photo 6-7. Les couleurs des Bourgogne : Bourges et ses magnifiques vitraux
La région de Bourgogne-Franche-Comté est connue pour ses vins et ses couleurs. En bord de Loire, un établissement représentatif du charme à la Française, « LeCoq Hardy», présente à ses clients une vue magnifique sur le fleuve et est connu pour avoir su harmoniser l’ancien et le moderne. Dominique FONSECA, le Chef du Coq Hardi de Pouilly sur Loire et son équipe ont organisé le vendredi 30 novembre un évènement d’exception, une soirée « Couleurs et Champagne » qui a réuni « Les Amis de la Vigne et de l’art » qui leur proposait l’effervescence des bulles de champagne mêlées aux harmonies de couleurs tactiles.
« Champagne et Couleurs en Bourgogne »
Le Conservatoire des Beaux-Arts (CFA) est une institution artistique crée à l'initiative de Dr Yuen Chee Ling, cofondateur et directeur du Conservatory of Fine Arts, en 1987, et ayant pour but de soutenir le développement des Beaux-Arts. La première exposition du festival d’arts « Her Presence in Colours » a eu lieu avec succès à l'Institut central des beaux-arts de Pékin, en Chine, en juillet 2003. Depuis lors, l’importance de cette série d’expositions n’a cessé de croître. À ce jour, les expositions internationales d'artistes femmes ont eu lieu dans les musées et les grandes galeries d'art d'État à Pékin (1993), Penang (1995-1997), Bangkok (1999-2000), Sheffield (Royaume-Uni). 2002),) Kuala Lumpur (2003), Melbourne (Australie-2004), Dague (Corée-2006), Pékin (OLympic-2008), ou encore Portland (États-Unis d'Amérique 2010), ou eHo Chi Min Ville (Vietnam 2012), Ulanbaatar (Mongolie-2014), et Kaohsiung (Chine Taiwan 2016). La XIIIème édition de l'exposition « Her Presence in Colours » a été organisée à Shanghai, et a connu un grand succès médiatique. Les objectifs de la série d’expositions « Her Presence in Colours » sont ambitieux :
« Promouvoir la bonne volonté et l’amitié internationale entre les femmes artistes par le biais de l’art ; Donner aux gens l’occasion de mieux comprendre l’essence unique de l’art des femmes et la contribution des femmes artistes à offrir leur art véridique et honnête ; Nous espérons également que, grâce à sa série Présence dans les couleurs, nous pourrons encourager l’amour, la compréhension et l’unité parmi les femmes artistes des pays concernés. Le thème "Her Presence in Colours" reflète l'esprit de cohésion des femmes artistes et leur passion intérieure pour la vie et l'art, leur préoccupation et leur conscience, leurs émotions et leurs aspirations. »
Egalement l’INWAC publie régulièrement l’ARTHER MAGAZINE qui met en lumière les créations et les parcours originaux de femmes artistes. En novembre 2018 avec le soutien de Mme LANMEI CHEN, Présidente de l’INWAC, la 7ème édition a vu le jour. Plusieurs visites de lieux artistiques, historiques, de centres d’art traditionnels ont enrichi le programme du festival : Wuzhen Dongzha Water Town, Lujiazui, Shanghai Tower, Furniture design center etc.
Cet événement a offert une occasion unique à des artistes établis ou émergents de divers pays (France, Etats Unis, Macao, Chine, Malaisie, Singapour, Thaïlande, Taiwan, Vietnam etc.) d’échanger, mais aussi de découvrir l'âme même des arts et des artistes de Chine. C’était une formidable opportunité pour les artistes d'améliorer la compréhension des styles contemporains d’expression artistique qui prévalent au niveau international. La prochaine édition prévue au Japon, Tokyo se prépare déjà avec l’enthousiasme par l’équipe de l’INWAC sous la direction de Mme Lanmei Chen et le président du LanPhoon Art Center Mr Han Rei Ma.
Photo 1. L’image nocturne de la ville de Shanghai est connue pour ses couleurs lumineuses. Photo 2. Larissa présente ses créations lors du lancement du festival "Her Presence in Colours" XIII au Grand Parc Hotel. Photo 3. Le Professeur du département Fashion Design, Donghua University, Mr Yuan Guoxiang, Larissa Noury, Mme Lanmei Chen, présidente de l’INWAC et le président du LanPhoon Art Center PhD. Han Rei Ma. Photo 4. Présidente du INWAC Thaïlande Ass.Prof. Dr. Chanida Kanchanalarp, Larissa Noury, Mme Lanmei Chen, présidente de l’INWAC lors du vernissage à Yinuo Art Gallery.
Photo 5. La Présidente de l’INWAC à Shanghai Ass.Prof. Dr. Jing Wang, Larissa Noury, Mme Lanmei Chen, présidente de l’INWAC, Yiming Zhang, directeur Yunio Art, Qiumin Tu , curateur lors du vernissage à Yinuo Art Gallery. Photo 6. Le groupe des artistes en visite du jardin Yida Herbs Garden. Photo 7.-8 Détails de l’exposition. L’œuvre de Larissa « Source of Motherhood ». Photos Yuan Guoxiang, Larissa Noury, Gary Khoo.
Un évènement artistique de grande échelle a été organisé du 8 au 16 novembre à Shanghai, en Chine par l’International Women Artists Council (INWAC) / CFA, et l’International Women Artists Association en partenariat avec la Yinuo Art Gallery. Depuis sa première manifestation en 1993, ce Conservatoire des Arts Plastiques organise un festival d’art qui s’est fait remarquer pour sa particularité. Cette année, Il proposait à un ensemble des femmes artistes venues des 4 coins du monde de traiter le thème de la maternité et de la terre natale («MOTHERHOOD/MOTHERLAND»). Le festival international a mis en valeur les œuvres des créatrices aux techniques et expressions différentes, célébrant en quelques sortes une alliance entre les Beaux-arts et la question des droits des femmes.
« Conservatoire des Beaux Arts à Shanghai »
L’Egypte est particulièrement riche en minéraux, y compris des pierres de plusieurs coloris et de différents degrés de solidité : le calcaire blanc, le grès ocre, le quartzite rouge et jaune, le granit rose, la granodiorite noire, le gneiss gris aux veines blancs, la grauwacke verte, la stéatite brune ou marron, et la brèche tachetée veinée de jaune foncé, de rouge et de gris de diverses nuances. Lors de la création des grandes pyramides et des temples, on utilisa beaucoup de granit rose et gris d’Assouan, de la diorite noire, de la péridotite vert gris, de l’onyx rouge, blanc et noir: cela a formé une polychromie naturelle. Toutefois, suite aux particularités de la religion et du regard esthétique, toutes les pyramides et temples ont exigé un traitement décoratif des surfaces, car cette civilisation était caractérisée non seulement par son amour de la vie, mais aussi par sa croyance en la vie éternelle. Voilà pourquoi ces bâtisseurs érigèrent des monuments prestigieux qui préparaient au départ vers les rives éternelles. Toutes les créations architecturales (temples, mastabas, pyramides, tombes) à travers leurs décorations « exprimaient une symbolique cosmique, grâce à laquelle la puissance terrestre de Pharaon était garantie, entretenue, rénovée par le mouvement éternel des astres, c’est-à-dire l’énergie même qui anime l’univers » (Christian Desroches-Noblecourt, La Grande Nubiade, Paris : Stock.)
Par exemple les Pyramides de Guizeh étaient recouvertes de pierres lissées comme un miroir. La pyramide de Mykérinos a été revêtue de pierres noires jusqu’au milieu de sa hauteur. Les pyramides de Kheops et de Khephren ont été revêtues de pierres blanches. Le revêtement de la Grande Pyramide a été connu pour son aspect gris métallisé et réfléchissant, avant d’être pillé au VII° siècle. Ses surfaces polies constituaient une sorte de miroir solaire.
La palette des pigments utilisés dans la peinture est basée comme dans les autres civilisations anciennes sur les ocres rouges et jaunes. Elle y ajoute un bleu intense, des verts de sels de cuivre ainsi que de nombreux minéraux colorés. Déjà sur les fresques antérieures à la fin du quatrième millénaire, apparaissent certaines conventions, certains procédés auxquels les peintres égyptiens demeurèrent toujours fidèles : l’emploi de l’ocre rouge pour les corps masculins, de l’ocre jaune pour les nus féminins, du noir et du blanc (auxquels s’ajouteront le bleu et le vert) pour le reste.
On a utilisé beaucoup d’objets en or, en albâtre, en pierres précieuses (lapis-lazuli, turquoise, cornaline, amazonite, quartzite, jaspe), en faïences siliceuses, en verres bleus, verts et rouges. Par exemple, dans les grandes salles du Palais d’Akhenaton se dressaient 542 piliers en forme de palmiers aux chapiteaux en or massif. Des fragments de lapis-lazuli et des vernis multicolores incrustés dans les épaisses courbes du métal précieux soulignaient les intervalles entre les feuilles. Les troncs des colonnes étaient recouverts d’une épaisse couche d’or, tandis que leur socle et leur chapiteau étaient ornés de pierres précieuses… le dallage, les murs et le plafond entièrement étaient décorés des plus exquises représentations de la vie animale et végétale. Parfois, on remplaçait les pierres naturelles par de l’argile, en revêtant celle-ci d’une couche de peinture dont les images exprimaient dans leurs lignes et leur couleurs la joie de respirer la lumière de jour. C’était plus qu’une nouvelle technique, le mouvement était rendu grâce à la couleur, l’expression étant soulignée au-delà même de la perfection de la forme.
L’architecture des sanctuaires de Karnak, par exemple, matérialise grâce à la pierre, dans l’espace et la durée, les conceptions fondamentales de cette civilisation sur l’équilibre cosmique. Sur tous les murs de cet ensemble, les inscriptions et les représentations gravées illustrent à jamais le dialogue suprême entre les dieux de l’Egypte et Pharaon. Le symbolisme des couleurs de l’Egypte est également lié aux différents éléments. Les bas-reliefs des temples et les visages du Sphinx ont été peints de la couleur rouge terra cote (oxyde de fer, ocre rouge brûlé). Cette couleur n’a pas été choisie au hasard : elle symbolisait l’énergie et l’éternité de la vie de Pharaon. La couleur rouge sacrée représentait la couronne de la Haute Egypte, le symbole du sang versé par Osiris pour la prospérité de l’Egypte. C’est également la couleur du soleil levant sortant de dessous la terre ou la mer au petit matin, la couleur de Seth, bénéfique et énergétique. Mais sa nature est très ambiguë : elle représente le danger, le phénomène brutal, le feu, le désert, l’aridité.
La formalisation des règles de la polychromie architecturale de l’ancienne Egypte était liée à la symbolique religieuse de certaines couleurs dans la composition des temples égyptiens. La palette de couleurs chez les égyptiens n’est pas très développée ni très riche. Elle comprenait : l’ocre rouge terra cote, l’ocre jaune, le bleu turquoise, le vert, le violet, le blanc et le noir. Mais ces couleurs n’étaient guère appliquées que sur les différentes surfaces des temples et des tombeaux :
- Pour les surfaces des plafonds, on utilisait les bleus, l’indigo et le turquoise foncé comme symboles du royaume céleste d’Isis. Par exemple, dans le planisphère du Temple de Dendérah, un zodiaque circulaire est peint sur le plafond : le fond du ciel en bleu azur, les étoiles en blanc, les planètes en jaune doré tandis que les figures étaient couleur chair et les vêtements rouges et blancs.
- Les surfaces verticales, les bas-reliefs et les visages du Sphinx étaient ocre rouge terra cote, symbole d’éternité et de noblesse, de distinction de la race rouge égyptienne ;
- Pour la peinture du plancher, on employait la couleur vert sombre comme symbole du royaume souterrain d’Osiris, signe d’éternité de la terre et de la nature ;
- Pour « renforcer » la structure d’un temple ou d’une demeure royale on plaçait dans les fondations les briques « magiques » en faïence bleue turquoise, assurant - espérait-on - la protection du bâtiment pour l’éternité ;
- La couleur blanche était parsemée un peu partout comme un symbole de virginité et d’éternité. Associée à la couleur noire elle symbolisait le voyage diurne du soleil dans le ciel à l’opposé et en lien avec le noir, considéré comme la couleur du voyage nocturne dans l’obscurité sous terre.
- Le jaune est la couleur du soleil, de l’or et des dieux dans les tombes égyptiennes. Cette couleur qui symbolise aussi l’or des chars des divinités et leurs puissances est très souvent associée au bleu pour assurer la survie de l’âme du défunt. L’Or du soleil émergé de dessous la terre est porté par scarabée sacré en bleu outremer ou turquoise.
La polychromie en art et architecture égyptiens allait jouer un rôle qui n’allait cesser de croître : non seulement, à partir de l’Ancien Empire, on coloriait les reliefs, mais encore on décorait à la fresque les murs des tombes et on ornait les parois stuquées des mastabas. Les inscriptions hiéroglyphiques prenaient place dans la composition, expliquant, de registre en registre, les scènes représentées, et ajoutaient à la figuration un élément décoratif qu’il ne faut pas négliger. Pendant la 12ème dynastie, l’ornement décoratif est apparu dans l’architecture égyptienne. Son dessin était très net grâce à l’emploi d’un fond éclatant et coloré, qu’il s’agisse des frisettes, des palmettes ou des rosettes. Cet effet créait une illusion de relief (irradiation), d’un espace plus vaste et étendu. Cette évolution montre l’importance de l’apport des technologies permettant d’élaborer des pigments et des nuances enrichissant la palette naturelle.
Photo 2. Le Sphinx de Guizeh : mi-homme, mi-felin il est représenté sous les traits du rois Khefren, frère et successeur de Chéops. C’est une des plus grandes sculptures monumentales au monde : 57m de longueur totale, 20m de hauteur, largeur maximale de 14 mètres ; hauteur de la tête : 5,20 m. Le Sphinx est comme le gardien du temple face à d’éventuels pillards. Le corps et la tête sont taillés à même le roc (les archéologues évaluent à environ un million d'heures le temps qui a été nécessaire pour sculpter le Sphinx). À l'origine, et selon les écrits et les traces présentes sur le visage, le sphinx devait être entièrement recouvert de plâtres peints, le visage et le corps en rouge, le némès (la coiffe la plus emblématique des pharaons) en bleu et jaune, comme il était courant de le faire dans la statuaire égyptienne. Photo 3. Deir-el-Bahari. La polychromie du temple de Hatchepsout. Bas-reliefs et plafond étoilé du mammisi (maison de la naissance). Photo 4. La Reconstruction chromatique du Portique du temple de Philae. Dessin : David Roberts. Photo 5. Le Bleu égyptien unique pour l’époque suppose une technologie bien avancée. Il était obtenu à partir de la silice ou du cuivre, du quartz, de la malachite, du calcium ou du natron. Cette production était connue depuis 2600 avant JC. Ses nuances pouvaient varier du bleu-vert au turquoise et au cobalt, jusqu’au bleu outremer. Le Bleu lapis – lazili venait d’Afghanistan et servait pour les incrustations. Photo 6-7-8. L’harmonie du Bleu et de l’Or, les œuvres exposées au Musée de Caire. Photo 9-10-11. Le monastère Sainte Catherine est un magnifique ensemble construit en pierres locales en haute altitude dans le Sinaï. Il est un de plus beaux exemples de l’art et l’architecture avec ses couleurs magnifiques datant de l’époque byzantine. Photo 12. La palette naturelle des couleurs des montagnes de Sinaï. Photo13. Larissa Noury, architecte coloriste sur le site du plateau de Guizeh.
Photo 1. Le plateau de Gizeh et ses surprenantes pyramides. La position de ces pyramides reproduit la position des trois Etoiles du bouclier d’Orion, tandis que la Voie Lactée est considérée comme « Nil du Ciel ». Il est dit que les monuments d’Egypte sont « le miroirs » du ciel.
Parmi les civilisations antiques, celle de l’Egypte se distingue par l’emploi constant qu’elle a fait de la couleur. La palette chromatique naturaliste égyptienne est incomparablement plus riche que ses sœurs préhistoriques. La polychromie en art et architecture de l’ancienne Egypte, comme dans toute la civilisation des Pharaons, a été caractérisée par des constructions exceptionnelles de pierre à partir de 3000 avant J.-C.
« La couleur de l’ancienne Egypte »
Les tableaux vivants créés par Larissa avec Jean-Marie Pujol ont été présentés au grand public en présence Mr Vitaliy Kornev, attaché culturel de l’Ambassade du Belarus en France, des représentants de l’Unesco, des journalistes et d'autres personnalités du monde de la mode (Maison Prada, Yves Saint Laurent), de l’art, de la culture et de la diplomatie. Larissa a présenté une robe-tableau en écho au tableau « Le Jardin d’Iris » qui a été créée spécialement pour cet évènement en s’inspirant d’un nouveau parfum de Lancôme. Les participants de cette soirée étaient ravis de découvrir le monde singulier des créations chromatiques de l’artiste : « Magnifique spectacle avec des tenues et des œuvres de grande qualité : Nous étions très admiratives de l’organisation parfaite du défilé, les textes poétiques qui ont accompagné chaque robe en harmonie avec la belle musique de Chopin nous ont permis de voyager hors du temps », « un grand merci pour ton talent », « quelle belle soirée ! Nous avons pu apprécier pleinement votre talent. Vous avez charmé toute l’assemblée », « Merci pour ce merveilleux voyage dans ton univers, Larissa ».
« ENTRE MODE ET PEINTURE »
La romance au couleur de Larissa Noury, magnifique ballet de toiles vivantes, « Je suis ravi de participer au vernissage des couleurs parfumées de l’une de mes artistes préférées. Larissa est une créatrice extraordinaire. Pour chacune de ces séries de tableaux elle crée les robes peintes à main levée. Ses tableaux sont remplis de lumières, ils sont abstraits, mais dans l’ensemble de ces œuvres il y a la puissance naturelle, la passion, le mouvement ! Et les œuvres peuvent aussi être touchées, par conséquent on ressent la vibration de la couleur et son énergie ».
Tels sont les messages que l’on peut lire dans son livre d’or ! " Des Parfums & des Couleurs " Santal, orchidées, poudrés, fleuris orientaux Inde Holi, Chine, Japon... Des parfums d'ailleurs mis en couleurs et en textures par LARISSA NOURY, Architecte coloriste.
Plus des photos :https://photos.google.com/share/AF1QipO4bYvjKfhgtWZdcyissbePku24bkvTY9kcy5Al7GRpyrW74ZKc6vMc8RCrcPANcw?
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L’artiste de make up Serguei Chatel (chez Lancôme), coiffure Tony & k. ont assuré la mise en beauté des magnifiques modèles qui ont porté les robes peintes en devenant des œuvres vivantes ! Modèles Olesia Florent, Claire Marino, Irina Bender-Barkovskaia, Ekaterina Igorevna, Sveta Glebova, Sia Na, Elena Ivashenko, Anastasia Viossat, Eliza Persieux et Larissa Noury!
Photo 1. L’affiche de l’évènement. Photo 2. L’espace intérieur de l’Atelier CAPIFRANCE dans le 8 ème à Paris. Photo 3, 4, 5. Les couleurs tactiles de Larissa NOURY : Détails de défilé et de l’exposition. Photo 6. Larissa avec Tatiana Zelinskas, responsable de l’Atelier CAPIFRANCE 8 ème Paris et Serguei Chatel, Menager et Make up artist de grand talent pour la Maison Lancôme & "Serguei Chatel Beauty Club" qui a préparé les modèles pour le défilé. Photo7. L’ouverture officielle de l’exposition. Photo 8.-9. Le final du défilé avec toutes les beaux modèles. Photo 10. Larissa en robe « Le Pressentiment du Printemps » devant son triptyque « Le jardin d’Iris » accompagné par la magnifique modèle : Sveta Glebova. Photos Christian Aroule, Acmy8 photography, Pascale Valée, reportage Larissa NOURY (voir photos : https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10217906138465340&type=3)
« Parfum des Couleurs » est le titre de la nouvelle exposition des dernières créations picturales de Larissa Noury à Paris, au centre de l’Atelier CAPIFRANCE dans le 8ème à Paris. Cette exposition a bénéficié du haut patronage de SE l’Ambassadeur du Belarus en France Mr Pavel Latuchka, et a été montée en partenariat avec Lancôme. Lors de l’inauguration dans ce lieu moderne et élégant de l’exposition le 25 octobre 2018, un défilé des robes peintes crées en collaboration avec Jean-Marie Pujol, couturier, a eu lieu.
« Parfum des Couleurs »
Photo7. Larissa Noury lors du vernissage avec le sponsor Mina Abd Elsayed. Photo8. Larissa avec les artistes égyptiennes Fayrouz Samir et Mona Refaat Rizk. Photo9. Soirée de la remise des diplômes a eu lieu dans les montagnes, magnifique cadre mise en valeur par les lumières colorées. Photo10. Lors de la soirée de l’inauguration. Photo11. Larissa avec Dr Walid Jahin lors de la soirée de l’inauguration. Photo 12. Même après les jours de travail, on prépare une série de photos avec Ahmed Baracat. Voir plus des photos de l’évènement: https://www.facebook.com/larissa.noury/media_set?set=a.10217856338940383&type=3 & https://www.facebook.com/EscarossTextile/ : Vidéo : https://www.facebook.com/EscarossTextile/videos/2184068141851354/
Photo 1. Le groupe des artistes internationaux réunis pour la visite du plateau de Gizeh et de ses surprenants pyramides. Photo 2. Un atelier de Charm el Cheikh avec les œuvres artistiques en cours de création. Photo 3. Le monastère Sainte Catherine est un magnifique ensemble à 1570 m d’altitude est un de plus beaux exemple de l’architecture byzantine. Photo 4. Le Père Joseoph Grigorios Sinaïte a accueilli les organisateurs Osama Abonar et Nasser El-Gilani pour la visite du groupe d’artistes au monastère Sainte Catherine. Photo 5. Les artistes lors de l’ouverture de Art Forum à Charm el Cheikh. Photo 6. Artiste Shaikha Al Sinan (Kuwait) présente ses œuvres au sponsors de l’évènement du groupe "Escaros Textile" et à Madame Down Bacon, consul honoraire de Grande-Bretagne à Charm el-Cheikh.
Trente-cinq artistes du monde se sont ainsi réunis au Caire puis à Charm El Cheikh pour exprimer par leur art et à travers leurs multiples cultures cet espoir d’harmonie et de paix. La Biross Company pour l’Art & Design, soutenue par le sponsor Escaross Textile, a invité des artistes reconnus venus de différents pays pour participer à l’Art Painting Symposium International en Egypte. Les participants sont venus de 20 pays (Allemagne, Angleterre, France, Italie, Liban, Inde, Serbie, Russie, Biélorussie, Hongrie, Roumanie, Jordanie, Koweït, Espagne, Kosovo, Monténégro, Corée du Sud en plus de l'Egypte) et représentaient des tendances actuelles de l'art contemporain dans la peinture, la photographie, le collage, la sculpture et la performance. En travaillant sur ce sujet noble, les artistes des quatre coins du monde ont cherché à créer un univers parfait rempli d'amour, de beauté, du bonheur de vivre en paix.
Le programme a débuté avec les visites de la ville de Caire et de ses vieux quartiers, celle du plateau de Gizeh pour pouvoir admirer les Pyramides, et du Musée national de l’art Egyptien. Le soir, les artistes ont pu avoir une idée de la ville nocturne depuis un bateau qui les promenait sur la rive du Nil. Puis grâce au trajet en bus à destination de Charm el-Cheikh, les artistes ont eu la chance de voir la beauté du désert, des montagnes, de la cote du mère Rouge et des monuments, y compris le Tiran Island Cruise pour plonger et découvrir la beauté du monde coloré sous-marin. Pendant 12 jours les créateurs ont produit un ensemble d’œuvres de techniques multiples comprenant 100 peintures sur le thème de l’architecture, des monuments et des paysages historiques égyptiens, reflétant ce qui avait été vu et avait particulièrement touché les artistes participants.
Le "Peross Art Forum", a conclu ses activités par une exposition d'œuvres d'art à Charm el-Cheikh en présence de Madame Down Bacon, consul honoraire de Grande-Bretagne à Charm el-Cheikh, de Monsieur Nasser El-Gilani, président de l'Association pour la promotion des relations euro-arabes, et de Dr Walid Jahin, commissaire général du Art workshop. Le consul honoraire de Grande Bretagne a salué le niveau de travail requis pour représenter différents courants artistiques et pour les produire si rapidement, ce qui démontre le niveau du professionnalisme des participants, tout en saluant le rôle organisationnel du forum, en soulignant l'interaction interculturelle qui a depuis longtemps caractérisé le mouvement artistique et culturel en Égypte.
Monsieur Osama Abonar, président du forum, a déclaré que cette rencontre internationale avait pour objectif principal de promouvoir le tourisme en Égypte en invitant des artistes mondialement reconnus à ce forum artistique comme autant d’ambassadeurs culturels de leurs pays respectifs. Monsieur Nagy Moussa Escaross, directeur général de la société "Escaross Textile", a déclaré que l'organisation de ce rassemblement artistique mettait en valeur la civilisation et le patrimoine d'Égypte, et donnait une image positive de stabilité et de liberté. Tous les artistes participants ont exprimé leur souhait que se tienne le Forum l'année prochaine et d'y participer.
Parmi les artistes, Larissa Noury a déclaré: « J'ai été très heureuse de participer à cet événement artistique mondial, ravie de rencontrer les confrères artistes de très grand niveau et je souhaite remercier chaleureusement les sponsors et les organisateurs pour la merveilleuse organisation des visites culturelles permettant de découvrir les arts et les cultures locales. J’ai particulièrement été touchée par la visite du monastère de Sainte Catherine, c’est un lieu unique dans le Sinaï, plein de beauté et d’énergie spirituelle, où les formes et les couleurs tiennent comme par une magie inexplicable. L’Egypte est riche de son passé, de ses défis architecturaux et des avancées scientifiques qui restent à découvrir».
L'art est un langage universel qui permet à des artistes de nationalités diverses de communiquer et de se comprendre. Il est alors expression et reflet de la beauté sous des formes différentes. Il est semblable à un rêve d’harmonie et de vie s’enrichissant des créations et sensibilités personnelles.
BIROSS ART FORUM, EGYPTE 2018
Les professionnels de la mode et du design de différents pays (France, Chine, Sri Lanka, Inde, Pakistan etc.) se sont réunis au Galle Face Hôtel pour discuter des perspectives dans le domaine de la création qui encouragent le croisement entre le savoir-faire et l’imaginaire des créateurs (designers, artistes plasticiens, architectes, décorateurs). Inauguré par Monsieur Sampath Abeywickrama, président de la Conférence Organizing Committee&GARI Research Symposium et par Madame Samudrika Wijayapala, directrice du département Textile et Design technologique de l’Université de Moratuwa, cette rencontre Internationale de designers et stylistes a eu lieu dans les salons de cet hôtel exceptionnel. Au cours de son histoire, l'hôtel a notamment reçu comme clients Youri Gagarine et John D. Rockefeller, l'ancien premier ministre britannique Edward Heath et la princesse Alexandra du Danemark, le prince Philip d'Édimbourg et Indira Gandhi, l'Aga Khan et le futur empereur du Japon Hirohito, les acteurs Roger Moore et Carrie Fisher, Sade, Richard Nixon, Scarlette Johansson … Dr Larissa NOURY a été invitée comme keynote Speaker et chairperson lors de cette Conférence Internationale pour présenter ses recherches concernant le développement des harmonies de couleurs dans l’art, le fashion design et l’architecture y compris le film « Art&Fashion : Poésie des Couleurs » de Johan Sonnet : https://www.youtube.com/watch?v=PUxG0u0bw2g
Ninarika GAUTAM, mentor au Museum of Modern Art de New York et Chairperson au Delhi Fashion Chapter All Ladies League en Inde a présenté également ses recherches sur l’Economie circulaire dans la Mode. La présentation de Dr. Guoxiang Yuan, professeur associé de College de Fashion&Design, Shanghai a suscité un intérêt particulier lorsqu’il a parlé de son travail sur le traitement des textiles et du design avec l’aide du laser. Monika Choudhary, de la faculté de la Mode et du Design, Jodhpur, en Inde a présenté la nouvelle méthode d’application des couleurs des fleurs et des plantes imprimées dans le textile d’une façon écologiquement responsable. Une visite de découverte d’un centre industriel Sri Lankais, le «Sesatha Bathik Works» a complété le programme des conférences. Cet évènement d’une ampleur internationale a connu un grand succès professionnel et a donné naissance à un autre projet de rencontre prévu en 2020.
Remerciements à GARITEAM, Thushi Renganathan, Sampath Abeywickrama.
Photo 6. La nouvelle création de Larissa Noury « The Colours of Saphire » présentée par la créatrice elle-même dans le cadre de l’évènement international 2018. Photo 7. Dr. Guoxiang Yuan, professeur associé du College Fashion&Design, Shanghai, Chine et Ninarika Gautam, mentor at the Museum of Modern Art New York et Chairperson at Delhi Fashion Chapter All Ladies League, Inde. Photo 8. Monika Choudhary, de faculté de la Mode et du Design, Footwear Design development Institute Jodhpur, Rajasthan, Inde lors de sa conférence. Photo 9-10. Mille couleurs au centre industriel Sri Lankais «Sesatha Bathik Works»
Photo. Les participants de l’évènement 3ème Conférence Internationale sur les Textiles and Fashion Design sont venus de différents pays (France, Chine, Sri Lanka, Inde, Pakistan etc.).
Photo 1. Les couleurs de la Ville de Colombo et sa tour rose « Lotos ». Photo2. L’affiche de l’évènement à L’Hôtel Galle Face de Colombo. Il a été bâti par quatre entrepreneurs britanniques en 1864 à la place d'une villa coloniale néerlandaise. L’hôtel a été rénové récemment tout en gardant intacte l’image de l’architecture coloniale. Photo 3. Le musée/galerie d'art de l'hôtel Gale Face, situé dans l'aile Regency, expose la première voiture du prince Philip, une Standard Nine de 1935, et plusieurs photos-souvenirs représentant les clients célèbres de l'histoire de l'hôtel. Larissa Noury a présenté ici sa nouvelle création. Photo 5. Larissa Noury reçoit le Award du Global Academic Research Institute, organisateur du Third International Conference on Apparel Textiles and Fashion Design en collaboration avec The Textile Institute, Manchester, UK, Sri Lanka Section.
Le Global Academic Research Institute – GARI de Colombo, capitale du Sri Lanka, a organisé un événement exceptionnel les 27 et 28 septembre 2018 : la 3ème Conférence Internationale sur les Textiles et le Fashion Design.
La couleur dans l'art et la mode au Sri Lanka
Photo 1-2. Le Château de Corbelin qui se trouve à coté de Donzy a accueillides nombreux visiteurs lors du vernissage dans le cadre des Journées Européennes du Patrimoine. Photo 3. Lors du vernissage, la robe peinte par Larissa « Lys Royale » est présentée au public comme un tableau vivant. Photo 4. La Galerie/Musée « La Turbule » se trouve dans un lieu historique de Bourgogne, pleine d’un charme incomparable. Photo 5. Madame Brigitte Phily, directeur artistique de la Galerie/Musée « La Turbule » entourée des toiles colorées et d’un tableau vivant : Larissa Noury. Photo 6. Détails de l’exposition. Pour voir toutes les photos:
Les Journées Européennes du Patrimoine 2018 ont été un grand succès pour la région de la Bourgogne. Depuis le 15 septembre, la Galérie/Musée « La Turbule » à Donzy, un lieu historique en région Bourgogne, Franche-Comté présente « Les couleurs de Rêves » : une exposition des nouvelles créations de Larissa Noury. Sous le haut patronage du Ministère de la Culture et autour de la thématique « L’Art du partage » dans le cadre des Journées Européennes du Patrimoine, la jolie et romantique galerie que dirige Madame Brigitte Phily a accueilli lors du vernissage les nombreuses personnes - amis et partenaires - qui envahissaient le lieu. Parmi les invités – les représentants du monde de l'art, de la mode et de la culture, venus de différents pays : Australie, Russie, Belarus, France et même de l’Ile de la Réunion.
« Très belle exposition. Harmonies colorées des étoiles … », « Les symphonies des couleurs en force et douceur », « Continuez à nous émerveiller, c’est avec un très grand plaisir que nous avons partagé cette journée pour apprécier vos œuvres sans savoir pourquoi nous étions submergés d’émotion. Tout cela est trop beau. », « Nous espérons que les nouveaux rendez-vous et expositions enthousiasmeront autant les visiteurs. Encore merci pour toute la beauté que vous offrez à nos regards » - lit-on dans le livre d’or de cette exposition.
Entourée de ses beaux tableaux pour cette nouvelle exposition, Larissa a accueilli ses invités dans une robe noire, en soie peinte par elle-même (couture Mr Jean-Marie Pujol), une robe avec les motifs d’un tableau présenté à l’exposition : « Lys Royale ». La robe dont la réalisation a nécessité plusieurs mètres de tissus noir et bleu saphir est « un tableau vivant » et une prolongation de la peinture exposée. Portée par Larissa elle lui a donné la majesté joyeuse pleine de charme et d’élégance.
Le voyage au pays des rêves continue jusqu’au 15 novembre 2018 et Larissa nous invite déjà à ses prochaines expositions dans les lieux prestigieux qui auront lieu à Paris dans l’Atelier Capi France VIIIème fin octobre, en Bourgogne jusqu’à mi-janvier 2019. A noter que l’exposition de l’Atelier des Arts à Poitiers a eu une prolongation exceptionnelle, elle aussi jusqu’à début de l’année 2019.
Larissa Noury expose « Les couleurs de Rêves »
La légende dit qu’après de nombreuses tentatives effectuées par plusieurs architectes, Brunelleschi réussit à mener à bien la construction du Duomo, de plus se passant d’échafaudages. Celle-ci dura de 1296 à 1436. L’intérieur est très simple, décoré par la marqueterie des pierres au sol, deux fresques figurant des cavaliers, à l’image des statues équestres de l’époque et la coupole est magnifiquement peinte. Quelque 463 marches permettent de rejoindre son sommet pour découvrir la fresque gigantesque de la coupole et une vue magnifique sur la ville. A côté se trouve le Campanile di Giotto, l’un des plus beaux d’Italie. La tour, dont la construction a commencé en 1298 sur les plans d’Arnolfo di Cambio, mesure 84 m de haut. Ses façades présentent une alternance verticale de marbres polychromes florentins, et l’intérieur est sombre, gothique. Le Baptistère Saint-Jean de Florence sur la place du Duomo est célèbre pour sa superbe porte principale décorée de scènes de la Bible, en bronze de couleur dorée, elle est un véritable travail d’orfèvre. On découvre à l’intérieur la richesse et la complexité des mosaïques du plafond, de style byzantin. Ghiberti a mis 27 ans pour réaliser le baptistère. Le travail est d'une précision et d'un réalisme extraordinaires et l'art de la perspective et du trompe-l’œil acquiert ici ses premières lettres de noblesse.
La basilique Santa Maria Novella était le centre de la vie florentine, culturelle et universitaire. Sa façade, aux motifs géométriques légers de marbres vert et blanc date de 14eme siècle. On découvre à l’intérieur le style gothique cistercien, de magnifiques cloitres et les peintures de Masaccio, Botticelli, Vasari… L’Eglise San Lorenzo a été construite en 1425 par Brunelleschi. Les trois nefs présentent un décor de marbre froid et élégant à la fois, donnant une impression d’extrême harmonie et de modernité. Plusieurs chefs-d’œuvre sont conservés dans l’église San Lorenzo, comme la célèbre fresque de Bronzino figurant le Martyr de saint Laurent, ou bien l’Annonciation de Filippo Lippi, maître de la Renaissance italienne. Elle est l’une des églises les plus importantes de Florence, et possède une chapelle des Medicis avec un décor intérieur polychrome extraordinaire et des tombeaux décorés par les sculptures de Michel-Ange.
La Galleria degli Uffizi – la galerie des Offices est le fleuron des musées florentins, mais surtout l'un des plus anciens et des plus beaux musées du monde. Fleuron des musées florentins, et l’un des plus anciens et des plus beaux musées de peinture du monde, c’est un lieu exceptionnel qui présente les écoles et les styles dans l'ordre chronologique, des œuvres du XIIe au XVIIIe siècle, avec la meilleure collection au monde des œuvres de la Renaissance.
Le Palazzo Vecchio est un palais-forteresse devenu mairie, d’une architecture austère, édifié à la fin du XIIIe siècle. Il fut la demeure des Médicis, avant que Savonarole ne s’en empare pour y installer le siège de sa république florentine. L’immense sala dei Cinquecento du palazzo Vecchio offre un très beau plafond à caissons peints surmontant des fresques de Vasari. D’autres salles telles que la chapelle d'Éléonore et la salle du Lys marquent le palazzo Vecchio grâce à la richesse de leurs décorations.
Avec une façade de plus de 200 m dominant une vaste place surélevée, le palais Pitti est l'un des monuments les plus impressionnants de Florence. Sa construction a débuté en 1458, sur des plans de Brunelleschi, pour le compte du banquier Pitti. Le palais abrite plusieurs galeries, dont la célèbre galerie palatine qui rassemble toutes les œuvres acquises par les Médicis.
La Piazza della Signoria est toujours le cœur palpitant de la ville. Dominée par de majestueux édifices tels que le palazzo Vecchio et la loggia dei Lanzi, la piazza della Signoria fut le cadre de supplices, de rassemblements populaires, ou encore de révolutions. Elle abrite la fontaine de Neptune sculptée par Bartolomeo Ammannati et Giambologna ainsi qu’une réplique en marbre du David de Michel-Ange. Le ponte Vecchio, le pont le plus ancien de la ville, existait déjà avant le Xe siècle. Reconstruit en 1345, il fut enrichi de boutiques et de maisonnettes louées par l’Etat. Les bijoutiers qui occupent les lieux aujourd’hui ont pris la place des bouchers et des poissonniers, dont la présence sur le ponte Vecchio était indésirable aux Médicis. Le couloir au-dessus des maisons remonte en revanche au XVIe siècle. Il est le plus ancien pont de Florence, et le plus célèbre, portant boutiques et maisons mitoyennes.
Traversé par la rivière l'Arno, la magnifique ville de Florence reste une des plus belles d'Europe, riche d'un patrimoine historique et artistique exceptionnels. Elle renferme en effet en son sein des chefs-d'œuvre réalisés par les plus grands maîtres que l'Humanité et la Renaissance n'aient jamais connus. Giotto, Brunelleschi, Michel-Ange, Vasari, Michelozzo et Léon Battista Alberti, ne sont que quelques-uns des artistes qui ont laissé des traces indélébiles dans le monde de l'art et de l'architecture.
Grace à la famille Médicis, qui a régné en maître pendant toute la Renaissance, la ville possède et conserve jalousement tous les attraits de son riche passé. Cette célèbre dynastie toscane a largement contribué à l'évolution de la ville : son urbanisme et son architecture, sa culture, son économie et sa politique. La ville nous présente chaleureusement aujourd’hui les joyaux d’art de cette période clé de l’histoire de la Toscane. Les dominantes urbaines et architecturales de Florence nous surprennent par les nombreuses polychromies des églises et des cathédrales aux pierres multicolores ainsi que par les façades des palais en graffito dans des quartiers du centre historique. La Cathédrale Santa Maria del Fiore, dite le Duomo, est le symbole de la ville. Sa superbe façade de marbres polychromes et la coupole de Brunelleschi n’ont jamais été égalées.
Photo7-8. La Basilique San Lorenzo et la « marqueterie de marbre » de la Chapelle des Princes Medicis est réalisé avec des plaquettes de marbre, de pierre de couleur (pouvant aussi du verre coloré, de la nacre ou du métal) découpées et assemblées de façon à constituer un dessin géométrique et/ou figuratif. Il est destiné au pavement des sols ou aux décors muraux. Les tombeaux sont décorés par les sculptures de Michel-Ange. Photo9. La galerie des Offices Galleria degli Uffizi à l’itérieur. Photo10-11. Piazza della signoria, le palazzo Vecchio et sa salle sala dei Cinquecento précieuse par son décor exclusif qui symbolise la puissance de la République florentine. Photo12. Larissa Noury présente sa création à Florence.
Photo1. Cathédrale Santa Maria del Fiore ou Duomo Campanile di Giotto. Photo2. Le ponte Vecchio. Photo3-4. Baptistère Saint-Jean de Florence sur place de Duomo. Photo5-6. La basilique di Santa Croce et la basilique Santa Maria Novella. Galleria degli Uffizi
Florence est sans conteste l’une des plus belles villes d’Italie. Florence nous donne un exemple d’un patrimoine artistique, architectural et urbain incomparable. Devenue à l’époque de la Renaissance un centre culturel d’importance européenne grâce aux échanges commerciaux avec les pays d’Orient elle peut être considérée de bon droit comme un musée à ciel ouvert. À elle seule, elle rassemble 25 % des œuvres du patrimoine artistique italien !
Couleurs et architectures de Florence
La XIV° CONFERENZA DEL COLORE- FIRENZE 2018 qui a eu lieu entre les 11 et 12 septembre 2018 avait le soutien de L’AIDI Associazione Italiana di Illuminazione, du CENTRE FRANÇAIS DE LA COULEUR, du COLOUR GROUP GREAT BRITAIN, COLOURSPOT, de la Swedish Colour Centre Foundation, du COMITÉ DE LA COULEUR, de la Sociedad Española de Óptica, du groupe Français de l’imagerie numérique Couleur, de l’association Portugaise de la Couleur et d’autres organisations professionnelles encore.
Le Département de POLO SCIENTIFICO, CNR, basé au Sesto Florentino, a accueilli les nombreux participants venus des différents pays du monde pour participer à cette rencontre : France, Italie, Espagne, Grand Bretagne, Norvège, Egypte, Pologne, Portugal, Turquie, Iran etc.
Les thèmes abordés étaient liés à l’image chromatique, à la couleur digitale, la correction d’images, la photographie, l’impression 3D et la production vidéo, mais aussi à la couleur dans l’art, le design, l’architecture, la culture et l’archéologie, l’urbanisme et le patrimoine, la communication et l’éducation.
Plusieurs spécialistes de la couleur et membres du Centre Français de la Couleur ont présenté leur nouveaux travaux et recherches. Lors de l’inauguration de l’évènement le projet du Centre Français de la Couleur AVIGNON AIC 2020 a été présenté par Dr. Larissa NOURY, présidente-fondatrice de l’association « Couleur-Espace-Culture/CEC » et administratrice du Centre Français de la Couleur. Cette présentation a suscité une attention particulière du public, aussi bien que celle sur le thème « Les harmonies des couleurs dans des espaces souterrains de la ville ». Cette recherche démontre l’importance des qualités de la couleur lors de la création et de la perception de l’image des espaces souterrains des villes. Les catalogues artistiques et les livres sur « La couleur dans la Ville » et « Symbolique de Couleurs » ont suscité beaucoup d’intérêt chez les participants venus du monde entier. Le prix Premio Coloré 2018 a été remis à Roberto Capucci par la professeur et architecte Anna Marotta. Il est un grand créateur de mode italien et est connu pour ses réalisations qui emploient régulièrement les formes géométriques et les couleurs vives. « La beauté ? Pour moi c’est quelque chose de difficile, de mystérieux. Quelque chose à découvrir » - s’exprimait le couturier.
Photo 7. Directeur de ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI FIRENZE, le professeur Claudio ROCCA a reçu Dr. Larissa Noury, professeur de couleur à l’ITECOM art & design dans sa belle académie, un lieu historique lié à La Galleria dell'Accademia qui abrite le "David" de Michel-Ange. Photo 8. La Piazza San Marco a abrité l'académie du dessin de Florence - Accademia delle Arti del Disegno, la première académie artistique apparue en Europe. Elle a été créée officiellement en 1563 par Cosme et Vasari sur les fondations de la 1ere organisation de peintres de Florence organisée par la Compagnia di San Luca , des artistes, des apothicaires, des médecins et des marchands de couleurs (pour les secrets de leur fabrication), installée à ses débuts en 1339 dans les murs du cloître de l’Accademia dei Giardini Medicei de San Marco. Elle a eu Michel Ange et Cosme Ier comme premiers présidents, ensuite Titien et Tintoret en 1566. En 1784 ses diverses activités seront réunies sous le même toit et l'académie sera renommée Accademia di Belle Arti di Firenze – Académie de Beaux-arts de Florence, qui se trouve sur la place de San Marco. Photo 9. Larissa après la présentation, à la Galerie des Offices pour admirer "La Naissance de Vénus" de Botticelli, l'"Annonciation" de Léonard de Vinci et d’autre chef d’œuvres encore.
Photo1-2. Florence - un magnifique lieu de rencontre internationale des coloristes cette année. L'un de ses sites les plus emblématiques est le Duomo, la cathédrale dont la coupole en terre cuite a été conçue par Brunelleschi et, le campanile, conçu par Giotto. Photo 3-4. Le groupe des participants de XIVème conférence de la Couleur à Florence et le centre de POLO SCIENTIFICO, CNR du Sesto Florentino. Photo 5. Larissa NOURY, présidente-fondatrice de « Couleur-Espace-Culture/CEC » avec le président de l’association des coloristes d’Italie/Associazione Italiana Colore, le professeur Marcello Picollo, le conférencier Manuel Melgosa, Espagne et la professeur Georgina Ortiz Hernandez, Mexique. Photo 6. Alessandro Rizzi, Professeur associé, Graphics Imaging and Colour Research Group Department of Information Technologies Università Degli Studi Di Milano, professeur John L Barbur, Directeur City Occupational Ltd, London University, professeur Osvaldo da Pos, University of Padova, UNIPD, Department of General Psychology avec Larissa Noury.
Florence est la capitale de la Toscane, en Italie. Cette ville riche de nombreux chefs-d'œuvre de l'art et de l'architecture de la Renaissance a accueilli cette année une conférence internationale d’une grande importance qui a réuni des coloristes spécialisés dans l’art, l’architecture ou la science.
Florence et la XIV° CONFERENZA DEL COLORE
Photos: 1. Affiche de l’exposition de Larissa NOURY à la galerie «La Turbule». 2. Affiche du Ministère de la Culture pour les Journées du Patrimoine «L’Art du partage». 3. Château St Fargeau en Puisaye. 4. Château de Corbelin. 5. Château-musée de St Amand en Puisaye.
Partout en France plus de 18 000 monuments ouvrent leurs portes et proposent plus de 25 000 animations autour de la thématique « L’Art du partage » dans le cadre des Journées du Patrimoine. A Donzy, un lieu historique qui se trouve en région Bourgogne Franche-Comté la Galérie/Musée « La Turbule » et sa Présidente etdirectrice Brigitte Phily accueille l’exposition des œuvres de Larissa Noury du 15.09.2018 au 15.11.2018. Cette région abrite de nombreux sites et monuments dû à son histoire riche en rebondissements. Elle a un patrimoine préservé et varié et réserve de nombreuses surprises aux amoureux d’histoire, d’art, de culture et de nature. Venez voir les belles peintures tactiles de Larissa, prenez le temps et partez à la découverte des magnifiques châteaux du pays.
Voici quelques joyaux d’architecture médiévale que vous allez pouvoir découvrir : château musée de St Amand en Puisaye - 15 min de Donzy ;le château de St Fargeau (ancien château des d’Ormesson) 30 min de Donzy (http://www.chateau-de-st-fargeau.com/), le château de Corbelin à 15 min de Donzy (http://www.corbelin.com/, http://www.corbelin.com/les-journees-europeennes-du-patrimoine-2018/, le village Saint-Sauveur-en-Puisaye, le musée de Colette, (http://www.musee-colette.com/index.php?id=73),le château Ratilly (https://fr.wikipedia.org/wiki/Ch%C3%A2teau_de_Ratilly) et Guédelon (http://www.linternaute.com/sortir/sorties/architecture/chateau/guedelon/diaporama/9.shtm)
la Galérie/Musée « La Turbule » présente les oeuvres de Larissa Noury
dans le cadre des Journées du Patrimoine 2018
Un événement d’exception à l’occasion du premier anniversaire du «Concept Signature» a eu lieu à Paris le jeudi 14 juin 2018, près de la place de la République. Il a permis au public exigeant de la capitale de découvrir un lieu magique ou l’on déniche les créateurs de talent dans les domaines différents: Art , Mode , Couture , Parfums , Design de Mobilier... Les Artistes invités d'honneur sont: Patrice Murciano et Larissa Noury, artistes-peintres, Caroline Gash et Samantha Ornon, artistes-photographes, Le Créateur Couture Jérôme Blin, Julien De Mad & Jul - La Maison Haute Parfumerie "Le Monarque", Rose-Agathe Steiner, artiste représentée par la Galerie HEP, Andrusyak Nadiya, styliste-peintre, Sebastien Woirin, Fondateur de La Révérencieuse, la Maison Privela Mobilier sur mesure. Les arts visuels ont été accompagné par la musique live avec la chanteuse Andreane le May qui a presenté son album «Take me Away» et Marine Grim.
La galerie, dirigée par Nathalie Maucolin, la fondatrice du Concept Store «C'est ICI» a su mettre en valeur le synthèse des arts et du design, en créant par ce mariage surprenant un environnement harmonieux où chaque artiste, photographe ou couturier s'exprime librement en apportant sa touche unique et personnelle. Après le lancement Officiel de son nouveau concept au château d'Artigny le fondateur du «Concept Signature» Luigi Di Donna a voulu faire chez «C'EST ICI» la présentation de son magnifique catalogue, qui a réuni ses collaborations avec plus grands Constructeurs Automobiles et leurs Concepts Cars y compris les plus belles Marques de la Mode et Maisons Horlogères. Dans son interview Luigi di Donna précise: «C'est un lieu remplie d'émotions et de partages Artistiques. Un lieu où chaque Artiste sera libre d'exprimer son Art à sa façon. Chaque Artiste pourra faire que ce lieu soit le sien. Et tout les 3 mois nous organiseront un vernissage-cocktail comme celui-là avec de nouveaux Artistes... Ouverte il y a un an cette galerie est devenue très importante pour Nathalie, elle fait vivre l'art et permet de rencontrer de talentueux artistes, designers, créateurs de mode, photographes, sculpteurs, peintres , etc. Je voudrais aussi remercier mon partenaire officiel “Wine and Spirits Club” pour la dégustation du Cocktail (Fondateur Eric Fenu) et aussi Elyan, éleveur, pour nous avoir fait découvert son fois gras venue de Chine ». Ce magnifique événement à l'occasion de la présentation du concept Signature de Luigi Di Donna chez «C'est ICI Concept» a fait découvrir un lieu magique aux amateurs d'arts, design, musique en présence des nombreux journalistes, collectionneurs, mannequins et blogueurs de mode.
Photo7-8. «Les Racines et Les ailes»: le triptyque de Larissa et le détail de l’?uvre. Merveilleusement en harmonie avec les ?uvres exposées elle trouve l’accueil cordiale du public: « Merci, Larissa ! Quel plaisir et privilège de vous avoir rencontrée et d’avoir découvert votre Talent au travers de vos ?uvres ou couleurs et beauté se mêlent pour nous transporter dans un monde onirique où nous touchons le Bonheur ! » - Caroline Gash. Photo9. Le fondateur du partenaire officiel “Wine and Spirits Club” Eric Fenu entouré par Larissa et Olga Lapshakova , Miss Tzarine 2017. Photo10. La palette de parfum présentée par Julien De Mad & Jul - La Maison Haute Parfumerie "Le Monarque". Photo11-12. Le Créateur Couture Jérôme Blin a présenté les robes en dentelles de Calais customisées.Photo13. Les invités se pressent devant la galerie et Larissa présente la voiture de partenaire officiel “Wine and Spirits Club” & Vodka Templar Federiciani. Photos Acmy8 Photography ,Larissa Noury, Valérie Le Gall, voir toutes les photos :
Photo1. Affiche de l’Événement. Photo2. Directeur artistique et fondateur du «Concept Signature» Luigi di Donna avec Larissa. Photo3-4. Larissa devant ses peintures et celle de Patrice Murciano. Photo5-6. Caroline Gash avec Larissa et son ?uvre pleine des couleurs et d'architectures.
« C'EST ICI »: Synthèse des Arts
Photo 6. Un panneau monumental en céramique pour la station du Métro «Oriente», construite pour World expo-1998. Photo
Photo 7. La dernière salle de l'exposition. Retour aux sources au crépuscule de sa vie - Encres sur papier: ces 4 grands formats sont des esquisses pour le rideau de l’Opéra National de Pékin, commandé par architecte Paul Andreu (projet non réalisé).
Photo1. La musique et la poésie ont été des éléments importants pour exprimer l'invisible dans un espace neuf. Zao Wou-Ki cherche dans ses toiles une vérité plus profonde de cet espace poétique dans lequel le regard de spectateur peut se perdre dans l'infini : Quadriptyque, 1989-90, coll. part. Photo2. Zao Wou-Ki, Le vent pousse la mère, 194.5x390cm, 2004, huile sur toile, coll.part. «Légèreté de l’espace, fusion des couleurs, turbulences des formes qui disputent la place du vide, masses qui s'affrontent comme mes angoisses et mes peurs, silence du blanc, sérénité du bleu, désespoir du violet et de l'orange; je ne crains pas ni vieillir ni de mourir car, tant que je saurai me servir d'un pinceau, ou d'un tube de couleur, il ne pourra rien m'arriver» (Autoportrait, Paris, 1988) Photo 3-4. Dans la salle des grands triptyques de Zao Wou-Ki, son œuvre Hommage à Claude Monet, 194x483cm, 1991 , huile sur toile, coll.part, et son détail. Photo 5. En 2010 Zao Wou-Ki a créé pour le Réfectoire du prieuré de Saint-Cosme, près de Tours une série inédite de 14 vitraux, onze en noir et blanc à partir des encres réalisées pour accompagner les poésies, qui se sont intégrés parfaitement à celui des onze baies du 12e siècle. Le réfectoire roman est d'allure austère, l'architecture y est sobre, chromatiquement éteinte, sauf dans l'espace de la chaire riche en décors sculptés. L'artiste a souhaité accompagner l'édifice de sa sobre écriture. La couleur du noire calligraphiée s'harmonise donc par son homogénéité avec l'environnement architectural. Les planches de trois vitraux de la chaire du lecteur sont rehaussées d'encre de Chine rouge, «couleur du bonheur pour les chinois, qu'il fait vibrer l'édifice religieux dans le plus prodigieux respect des cultures.» Photo
Le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris consacre à l'œuvre de Zao Wou-Ki une exposition (du 01.06.2018 au 06.01.2019) qui réunit plus d’une quarantaine de grands formats abstraits réalisés entre les années 1950 à 2000.«Je peins ma propre vie, mais je cherche aussi à peindre un espace invisible, celui, du rêve, d'un lieu où on se sent toujours en harmonie, même dans les formes agitées de forces contraires»- confiait Zao Wou-Ki, dont l’œuvre se situe entre deux rives, la culture française et la tradition chinoise.
Marqué par les créations contemporaines découvertes lors de ses voyages en Suisse (Paul Klée) et aux États Unis ( Franz Kline, Philip Guston, Huns Hofmann) autant que par les œuvres des grands peintres français tels que Cézanne, Matisse, ou Monet, mais aussi influencé par l'ancienne école de la calligraphie à l'encre de Chine, il trouve son propre chemin de recherche: «Ce qui compte, ce n'est pas de faire un beau tableau, mais de faire progresser quelque chose. Progresser c'est détruire ce qu'on croyait acquis. Le vrai tableau c'est celui qui est un commencement...» - confiait-il.
En s'inspirant de Matisse il découvre en arrivant à Paris que «C'est l'imagination qui donne au tableau espace et profondeur». Il transpose ces rapports entre extérieur et intérieur en se concentrant sur le jeux des nuances, en y mêlant la terre et le ciel, en cherchant un «chemin vers l'infini par le seul recours à la couleur». Une nouvelle manière de figurer l'espace initiée par Claude Monet et ses œuvres impressionnistes ont beaucoup influencé le peintre, et sa dernière grande œuvre, «Les Nymphéas», longtemps demeurées dans l'ombre, en particulier. En composant avec les vibrations des couleurs chères à Monet, en créant un nouvel espace, en transposant le paysage embrumé et la lumière omniprésente, Zao Wou-Ki propose une vision singulière de la peinture impressionniste de Monet pour qui il voue une grande admiration.
Et pourtant, influencé par la peinture occidentale, il ne reniât pas la tradition de la peinture chinoise millénaire, la peinture des Tang et des Song, «elle est un élément de départ pour le travail du peintre et non une fin en soi». On découvre sa dimension «chinoise» dans les grandes et rares encres sur papier, conjugués à des aquarelles: c’est une sorte d’écriture par la calligraphie dont la beauté inexplicable est un jeux de pleins et de vides, de blancs, de noirs et de gris translucides.
Ses grandes toiles, ses triptyques et polyptyques, transmettent le souffle, le «Xï» ce qui permet d'approfondir l'effet d'immersion: on s’aperçoit que ses grandes toiles nous invitent à découvrir chaque centimètre carré avec ses significations, forces, rythmes, finesse, textures, contrastes... «Quand je peins, je suis la montagne, je suis en dehors du monde...La peinture c'est une lutte entre la toile et moi, une lutte physique» - précise le peintre. Et pourtant cette peinture où les couleurs et les lumières sont sans fin ni limites est pleine de tendresse et s'inscrit dans un temps et un espace propre à l'artiste.
On découvre ses palettes de couleurs atmosphériques et la fluidité de la matière dans les multiples techniques employées qu'il a pu expérimenter dans les espaces architecturaux grâce aux commandes publiques. La première est réalisée en 1983 à la demande de I.M. Pei pour L'Hôtel des collines parfumées, situé à Pékin que l'architecte vient d'achever. L'œuvre se compose de deux panneaux à l'encre de Chine. La deuxième est une mosaïque pour le lycée Honoré-de-Balzac de Mitry-Mory construit par l'architecte Roger Taillibert. L'aquarelle de Zao Wou-Ki est transposée en une mosaïque de 8 panneaux par Nora Vitorge-Cassin en 1984. Il réalise un panneau monumental en céramique pour la station du Métro «Oriente», construite pour la World expo-1998 à Lisbonne, il a été créé sur le thème de l'expo “Les Océans, un héritage du futur”. Enfin un exemple le plus frappant est son intervention dans le domaine de vitrail de l'architecture sacrée à l’abbaye Saint-Cosme en Indre et Loire.
L'espace est silence : l'immersion dans les œuvres de Zao Wou-Ki
Tout réside dans la contemplation, l'observation,l'interdisciplinarité des beautés que recèle l'espace naturel. Une perception que l'œil déploie, transfigure, métamorphose. La couleur est cette excitation fondamentale qui se meut avec la forme, la réfléchit entre ombre et lumière, lui donne la puissance et l'épanouissement, pour ne pas dire la grandeur d'âme.
Il y a en toute attitude la démarche suffisante pour donner, au monde, l'illusion bénéfique du bien-être, de la satisfaction, du bonheur à portée de main.Une vision qu'explore, dans sa quintessence, Larissa Noury... Tel un miroir qui reflète une espérance par laquelle nous nous sentons bercer.- écrit Chantal Guionnet, journaliste. «Toujours le plaisir de découvrir l'Univers de Larissa. Poésie de s espaces lumineux, dialectique de la couleur et de la matière. Une œuvre riche et claire un univers infini et féerique qui apaise et invite au rêve»- Frédéric Mette, Directeur de l'Espace Art et Liberté, Charenton; «C'est magique, c'est magnifique: beaucoup d’Énergie, de Passion, d’Émotion ! Très belle exposition» - Takagi, Kiyomi, Tokyo. L'énergie de la couleur est dans ces tableaux, les messages des éléments ont toutes leur puissances, des peintures textiles sont sublimes » - Sylvie Decreps. «Oh! Temps suspend ton vol»- disait le poète. Toute l’œuvre de Larissa est nourri de la couleur. Mais aussi d'une formidable vibration qui rend ses tableaux immuables. Elle arrête le temps et l'espace dans cette folie des couleurs qui traduit sur puissance et une dimension de son univers. Un voyage immobile et inoubliable ... »- Pierre-Olivier Simon. « Wow ! Le thème des couleurs et leurs lecture certainement nous emmenât en un voyage des sensations tactiles et de l'harmonie de sens où des espaces et leur composition flottent, s’écoulent ,se transfèrent de l'une toile à une autre. » - Daniel Golder, Australie
L'exposition a été complété par la présentation de robes peintes dans le quartier de Montmartre.
Une philosophie que cette créatrice applique, dans son œuvre, au quotidien. Bien au-delà de conceptions habituelles, dévoilant ainsi la matrice d'un travail dépassant les clivages de frontières restrictives. Évolution d'une architecture en constante mutation, beauté insoupçonnée de la nature, interaction des formes... C'est vers cet univers d'harmonie que nous entraîne la coloriste.
Photo8. Avec Monsieur le Maire de Bas Montmartre Florentin Lumbroso en visite de l’exposition. Photo 9. Détail d'un Tableau et de textile peinte « Univers d'Amour » Photo10-11. Dans le quartier de Montmartre, devant le château de Dalida et Moulin de la Galette. Photo12. Alla Dickson, artiste-peintre et professeur d'art de Michigan à l'exposition : “ Je suis très reconnaissante à Larissa pour cette possibilité de visiter son exposition Son art nous invite de s'arreter et de jouer avec notre imagination évoquant les souvenirs agreables du passée ou l'univers de nos reves! Mes meilleurs souhaits à l'artiste! Que plusieurs maisons et business centres soient embellis par les oeuvres de Larissa!. Photo Christian Aroule Acmy8 Photography
Photo1. Le quartier de l'exposition : Montmartre de Paris. Photo2. Larissa en robe peinte « Univers d’Amour ». Photo3. Les créateurs Larissa Noury, peintre et JMPujol couturier présentent au public leur collection chez « ARTESIENNE ». Photo4. Couturier JMPujol signe son livre lors du vernissage.
Photo5.-7. Les fragments de l’exposition : “Très élégant, très dense, très spirituel... On ressent une athmosphère très spéciale, comme nulle part ailleurs” - Jerôme Larregain.
La peinture tactile, cette technique nouvelle et originale inventée par Larissa Noury, est mise en oeuvre sur les différents textiles et emploie des couleurs spéciales (opaques, moirées, nacrées ...) pour peindre sur le tissu et sur la toile. Les visiteurs de divers horizons internationaux (Japon, Australie, Etats Unis, Belgique, Finlande, Allemagne, Lithuanie, Estonie, Algérie, Cameroun etc…) ont été impressionnés par la richesse des harmonies colorées et leur beauté. "La couleur est l'espérance du bonheur" s'exclame radieuse l'architecte et artiste Larissa Noury.
Pour la Célébration de la fête des Mères l’exposition des peintures tactiles de Larissa NOURY a ouvertes ses portes le Vendredi 25 mai à Montmartre dans la galerie « ARTESIENNE » à Paris. Les « Tableaux vivants » ont été présentés aussi au visiteurs. Jean-Marie Pujol, le couturier avec qui Larissa a crée la collection des robes peintes a signé son livre "Haute couture" qui nous plonge dans près de quarante ans de Haute Couture française avec délice dans les décors du monde de la mode.
Rêve d'harmonie
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En 2011 elle représente ses livres sur l'étude chromatique au congrès mondial du design CIPED, Lisbonne et de l’AIC - Association Internationale de la Couleur à Zurich, Suisse, en 2012 en AFSF, Californie et en Chine, Ningbo. En 2013-2015 - Oaxaca, Mexique, «Image of the city: colours, cultures, architectures», Newcastle, Great Bretagne «Colour harmony in an architectural environment», Tokyo, Japon, et Portland en Oregon, Etats Unis. Musées & Collections publiques, MS Museum of Art, Mississippi, USA, Ningbo People’s Museum, Chine Kyungpook National University Art Museum , Dae-Gu, Corée du Sud, Musée d’Art Contemporain, ХIAO, Malaisie, Musée Yavorov, Bulgarie, Musée d’Art Moderne, Paris, GLF, Grats Décor, San Francisco, Etats Unis. DISTINCTIONS : Prix de création, Centre National du livre pour le projet « Couleurs. Cultures. Territoires » (Ministère de la Culture, Paris, France), 2013 Médaille d’Argent, Société Académique « Arts-Sciences-Lettres »( Paris, France), 2012. Grant du Gouvernement Français, Ministère des Affaires Etrangères (Paris, France), 1998 Grand Prix de la Fondation Georges Soros (Etats-Unis), 1997 Grand Prix de l’Institut Suédois (Stockholm, Suède), 1995 Grand Prix de l’Union des Architectes de Russie (Moscou,Russie), 1991.
Larissa en tant que peintre, cherche à créer une harmonie de lumières tactiles et de couleurs immatérielles. Son style est original et inventif. « Les couleurs sont l’expression de la profondeur ramenées à la surface des choses. » - Ce point de vue novateur sur la couleur initié par Paul Sézanne est mis en avant d’une autre manière dans les toutes les nouvelles compositions de Larissa Noury. Les grands tableaux aux couleurs éclatantes, dont le rythme et les textures pourraient nous évoquer la nature, le ciel, les éléments, à l’image de ceux de Monet, Kandinsky ou Zao Wou-Ki, nous font découvrir par la peinture une nouvelle logique de la beauté, construction de lumières tactiles et de couleurs immatérielles.
L’Art pour moi est un moment de l’extériorité. Rappelez-vous : « on ne voit bien qu’avec le cœur » (Antoine de Saint-Exupéry) ? Je n’ai pas de couleur préférée dans ma palette, comme je n’ai pas de lettre préférée dans un alphabet. Par contre, ce que j’aime, ce sont des phrases construites composées à partir des nuances chromatiques, qui ont du sens et sont riches en harmonies. « Mes couleurs sont opaques ou irisées, mâtes ou brillantes ; elles se chevauchent et s’interpellent pour évoquer le sentiment du flottement dans un espace à la fois universel et personnel. Au-delà du temps mais pleines d’une énergie qui vient de la nature, mes couleurs architecturées créent pour vous une atmosphère du bien-être. L’intelligence de la couleur est une espérance du bonheur. »-
Larissa Noury
Larissa Noury est Artiste-peintre et architecte-coloriste, Auteur Docteur en Arts (Bordeaux, 2004) et Architecture (Saint-Pétersbourg, 1988). Présidente-Fondatrice de l’association « Couleur-Espace-Culture » . Membre de la Société Académique d’Education « ARTS-SCIENCES-LETTRES » Membre du СFС - Centre Français de la Couleur. Membre de l’Association Internationale de la Couleur Membre de la Fondation Taylor International Women Artists Council - INWAC, ART GROUP INTERNATIONAL. Publications : « La couleur dans la Ville », Préface Michel Pastoureau, Editions « Le Moniteur », 2008 « Symbolique. La ville en couleurs », Editions « Huitième jour », 2010 « Rêve d’Harmonie », art-vidéo, 2009 Logiciel «Harmony of Colors», publié sur MAC APP STORE, 2012 traductrice-illustratrice du livre de Linda Bastide « 13 pas sur les pavés bleus de Montmartre » en 2014, publié par l’édition Flam. En 2009 elle présente ses livres et les créations artistiques en Australie, Sydney et en Malaisie, Penang et Kuala Lumpur. En 2010, elle représente la France au musée BUND dans le cadre de World-expo « Better city – Better life » à Shanghai, en Chine, à Madrid AF de l’Espagne, ensuite à Portland, Oregon, et à San Francisco, Californie aux États Unis d'Amérique, en Argentine, Mar del Plata, etc...
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